Anita Mannings: Die Bühne und darüber hinaus fesseln

Im Rampenlicht und hinter den Kulissen ist Anita Mannings eine Symphonie aus Bewegung und Ausdruck, die die strengen Anforderungen der Aufführung mit der feinen Kunstfertigkeit der Choreografie in Einklang bringt. In der dynamischen Welt des Films und der Unterhaltung sind vielfältige Fähigkeiten nicht nur ein Vorteil, sondern eine Notwendigkeit. Auch heute, da sich die Branche rasant weiterentwickelt, bleibt die Vielseitigkeit in den Bereichen Tanz, Gesang, Schauspiel, Choreografie und Bildung von entscheidender Bedeutung. Diese Disziplinen sind miteinander verflochten, wobei jede in die andere einfließt und sie verstärkt, sodass Profis wie Anita nicht nur Teilnehmer, sondern Gestalter der darstellenden Kunstlandschaft sind.

Anita Mannings' Reise durch die darstellenden Künste ist ebenso vielfältig wie beeindruckend. Sie ist international ausgebildet und ihre Karriere erstreckt sich über Kontinente und Disziplinen. Als Tänzerin sind ihre Schritte sowohl eine Erzählung als auch eine Emotion; Als Sängerin ist ihre Stimme die Melodie der Geschichten, die sie erzählt; Als Schauspielerin verkörpert sie Charaktere mit überzeugender Authentizität; Als Choreografin verwebt sie diese Fähigkeiten in fesselnden Darbietungen; Und als Pädagogin formt sie die nächste Generation mit der Weisheit ihrer Erfahrung. Ihre Erfolge zeugen von ihrem Können und ihrer Hingabe, von ihren frühen Tagen, in denen sie das Publikum fesselte, bis hin zu Auszeichnungen für ihre Vielseitigkeit und Teamarbeit bei Theaterproduktionen.

Ihre Nominierungen als „Bester Hauptdarsteller“ und „Beste Truppe“ in „Cinderella“ mit Chaplins Pantos sind nicht nur Auszeichnungen, sondern auch eine Bestätigung ihres Engagements für Exzellenz und Zusammenarbeit. Diese Nominierungen spiegeln ihre Führungs-, Inspirations- und Innovationsfähigkeiten wider und machen sie zu einer herausragenden Figur im Theater. Mittlerweile unterstreicht ihr Status als herausragende Choreografin, der durch ihre Projekte und ein bemerkenswertes YouTube-Feature unterstrichen wird, ihren Einfluss und ihre Kreativität. Anitas Arbeit ist ein Dialog mit ihrem Publikum, jede Bewegung und jede Notiz ein Wort in einer größeren Geschichte menschlicher Emotionen und Erfahrungen.

In unserem Interview mit Anita sind wir tiefer in die Bereiche theatralischer Exzellenz und choreografischer Führung eingetaucht, die ihre Karriere ausmachen. Ihre Geschichte ist eine Geschichte von Belastbarkeit, Anpassungsfähigkeit und kontinuierlicher Innovation. Während sie weiterhin die Zukunft von Theater und Tanz gestaltet, ist Anita Mannings nicht nur eine herausragende Führungspersönlichkeit, sondern auch eine inspirierende Kraft, die die Grenzen des Möglichen im sich ständig weiterentwickelnden Geflecht der darstellenden Künste verschiebt.

Hallo Anita! Es ist uns eine Ehre, Sie heute bei uns zu haben. Wie bringen Sie die beiden Aspekte Ihrer Karriere als Performer und Choreograf in Einklang und wie beeinflussen und verstärken sich diese Rollen gegenseitig?

Ehrlich gesagt durchlebe ich Phasen: Manchmal konzentriere ich mich mehr auf meine Karriere als Choreograph und manchmal auf die Leistung. Das hängt davon ab, wie ich mich fühle und welche Projekte oder Möglichkeiten sich gerade in meinem Leben befinden, da ich über einen Weg viel mehr Kontrolle habe als über den anderen. Als Choreograf geht es darum, ein eigenes Werk zu schaffen, die Initiative zu ergreifen und eigene Möglichkeiten zu schaffen, während man als Performer letztlich darauf wartet, dass einem jemand einen Job gibt. Als Künstler können Sie jeden Tag Tanz-, Gesangs- und Schauspielunterricht nehmen, tolle professionelle Fotos, eine Website und einen guten Agenten haben, aber am Ende des Tages liegt die Entscheidung, Ihnen einen Job anzubieten, völlig in den Händen eines anderen . Dabei kommt es oft nicht einmal auf das Talent an, sondern darauf, ob Sie zu dem passen, wonach sie suchen. Wenn ich also in meiner Karriere als Künstler eine ruhige Phase durchlebe, werde ich die Zeit nutzen, um wieder mit dem Schaffen zu beginnen. Wenn sich dann irgendwann eine Auftrittsmöglichkeit ergibt, werde ich mich darauf konzentrieren. Es geht um Geben und Nehmen und darum, mit dem zu arbeiten, was man kontrollieren kann; So bleiben Sie gestärkt und inspiriert.

Choreografie gibt mir die Möglichkeit, mich als Künstler auszudrücken und eine gewisse Kontrolle über meine Karriere zu haben. Das hat mir als Künstler mental wirklich geholfen, denn wenn ich Schwierigkeiten habe, Jobs zu buchen, erfüllt mich die Erinnerung daran, dass ich mich auf andere Weise erschaffen und ausdrücken kann, mit Selbstvertrauen und Motivation. Darüber hinaus verfüge ich bei meinen Auftritten über ein gutes Verständnis für Formationen und bin immer fasziniert davon, den kreativen Prozess des Choreografen zu beobachten, sodass ich vielleicht einige seiner Techniken übernehmen kann, wenn ich wieder mit dem Schaffen beginne. Als Choreograf nutze ich meine darstellerischen Fähigkeiten, um mit Schritten zu spielen; Ich kann damit experimentieren, den Schritten unterschiedliche Gefühle oder Darbietungsqualitäten hinzuzufügen, etwa Traurigkeit, Augenkontakt oder kleine oder große Tänze, um zu sehen, wie sich dadurch die Choreografie verändert. Für mich ist das Geschichtenerzählen sowohl bei der Performance als auch bei der Choreografie das wichtigste Element.

Können Sie uns Ihre Erfahrungen und Ihren Vorbereitungsprozess für die Rollen mitteilen, die zu Ihren Nominierungen als „Bester Hauptdarsteller“ und „Beste Truppe“ in „Aschenputtel mit Chaplins Pantos“ geführt haben?

Ich denke, das wichtigste Element, das zu diesen Nominierungen geführt hat, war der Spaß! Anfangs fühlte ich mich ein wenig entmutigt, die Rolle des Prinzen in „Aschenputtel“ zu spielen, da ich noch nie zuvor eine männliche Figur gespielt hatte. Um mich auf die Rolle des Prinzen in „Aschenputtel“ vorzubereiten, recherchierte ich auf Empfehlung meines Regisseurs über die Charaktere der berühmten britischen Comedy-Gruppe Monty Python und basierte den Prinzen auf Sir Robin aus dem Film „Der Heilige Gral“. Ich habe den Prinzen sehr lustig und arrogant gemacht, so arrogant, dass er sich selbst mehr liebte als Aschenputtel und sich nicht so sehr für sie interessierte.

Dadurch hat es wirklich Spaß gemacht, die Rolle zu spielen, und es hat mir immer Spaß gemacht, das Publikum über die Lächerlichkeit des Prinzen und seine Einbildung zum Lachen zu bringen. Ich fühlte mich mit der Rolle sehr vertraut und begann zu experimentieren, wie weit ich den komödiantischen Aspekt vorantreiben und gleichzeitig der Figur treu bleiben konnte. Darüber hinaus haben sich unsere Darsteller unglaublich gut verstanden und wir haben auf und neben der Bühne immer gelacht und gescherzt. Dadurch konnten wir uns wirklich wohlfühlen und experimentieren, wodurch diese Show jedes Mal anders wurde. Ich glaube, dass das Publikum unsere Chemie abseits der Bühne auf der Bühne gespürt hat! Kunst ist Spiel, und da wir uns selbst nicht zu ernst nahmen, hatten wir wirklich viel Spaß daran, unsere Charaktere zu spielen und die Schauspielerei einfach passieren zu lassen, anstatt strenge Regeln für jede Szene zu haben. Ich denke, das hat auch dem Publikum Spaß gemacht!

Wie gehen Sie als Künstler, der für hervorragende Teamarbeit nominiert wurde, mit Besetzung und Crew zusammen, um eine zusammenhängende und erfolgreiche Produktion zu schaffen?

Wie bereits erwähnt, ist es wichtig, sich selbst nicht zu ernst zu nehmen oder starre Regeln darüber aufzustellen, wie die Dinge sein „sollten“. In der Kunst gibt es keine Regeln. Wenn man also anfängt, die Kreativität der Menschen einzuschränken oder vorschreibt, dass Dinge auf eine bestimmte Art und Weise erledigt werden sollen, kann es zu Spannungen kommen. Flexibilität und Anpassungsfähigkeit sind von entscheidender Bedeutung, da sich die Menschen jeden Tag anders fühlen, und als wir mit Chaplins auf Tour waren, waren wir jeden Tag an einem anderen Veranstaltungsort und gewöhnten uns täglich an neue Umgebungen. Darüber hinaus arbeite ich als Choreograf mit meinem Team und nicht gegen es. Ich arbeite an ihren Stärken, weil ich möchte, dass sie sich auf der Bühne wohl fühlen und dass meine Arbeit gut aussieht; Es geht darum, intelligenter und nicht härter zu arbeiten.

Ich denke auch, dass es sehr wichtig ist, jegliches Drama und jeden Streit vor der Tür zu lassen. Wie bei jedem Job gilt auch hier: Wenn Sie durch die Probentür oder auf die Bühne gehen, müssen Sie alle Streitigkeiten und Meinungsverschiedenheiten hinter sich lassen und professionell bleiben, ganz gleich, was auch immer Sie in Ihrem Inneren empfinden! Ich orientiere mich immer an meinen beiden Ps: Höflich und Professionell. Ich bin ein großer Verfechter von Manieren und selbst wenn ich mich über jemanden ärgere, werde ich ihm am Ende einer Show trotzdem danken. Sie müssen Ihre Integrität bewahren. Wenn es zu einer Konfrontation kommt, werde ich niemals fluchen und werde so selbstbewusst wie möglich sein und versuchen, für alles, was ich getan habe, zur Rechenschaft gezogen zu werden. Oft lebt man monatelang mit seinen Darstellern zusammen und arbeitet mit ihnen zusammen, und Dramen sind unvermeidlich. Sollte es also zu Dramen kommen, sind Durchsetzungsvermögen und Verantwortungsbewusstsein ein Muss.

Wenn Sie als Choreograf auftreten, wie konzipieren und kreieren Sie Tanzstücke, die nicht nur fesseln, sondern auch einen bleibenden Eindruck bei Ihrem Publikum hinterlassen?

So kitschig das auch klingen mag, ich fange immer bei meinem Herzen an. Wenn mir etwas sehr am Herzen liegt, glaube ich, dass es eine Chance gibt, dass jemand anderes dasselbe empfindet, und wenn ich dieses Gefühl in die Choreografie einfließen lassen kann, dann hoffe ich, dass das Stück die Zuschauer berührt. Als Menschen glauben wir oft, dass wir die einzigen sind, die sich auf eine bestimmte Weise fühlen, aber wir irren uns, und wenn ich meine Choreografie präsentiere, werde ich daran erinnert.

In meinem ersten offiziellen Artikel ging es um einen engen Freund von mir, der mit 17 Jahren an Krebs verstarb. Ich hatte keine Erwartungen; Ich habe einfach choreografiert, was ich fühlte, und es dann auf die Bühne gebracht. Zu meiner Überraschung erhielt ich eine sehr starke Resonanz. Die Leute im Publikum weinten und ich erhielt so viele Nachrichten der Unterstützung, Inspiration und des Dankes. Es war unglaublich bewegend und so unerwartet; Alles, was ich getan hatte, war, etwas, das ich fühlte, in einen Tanz zu integrieren. Von diesem Moment an wusste ich, dass ich immer aus tiefstem Herzen choreografieren musste, denn dann schien es die größte Wirkung zu haben, ohne es überhaupt zu versuchen.

Ich denke, Menschen verbinden sich, wenn sie die Gefühle eines Mitmenschen spüren, und wir alle wissen, wann sich etwas falsch anfühlt und wann es echt ist. Ich versuche immer, so ehrlich und verletzlich wie möglich zu sein. Ich glaube, wenn man mutig und verletzlich ist, kann man anderen das Gefühl geben, weniger allein zu sein, und ihnen vielleicht die Erlaubnis geben, das Gleiche zu tun. Ich kann den Gedanken nicht ertragen, dass jemand etwas alleine durchmachen muss. Auch wenn es mir mit meiner Choreografie nicht darum geht, Menschen zu helfen, wurde mir doch gesagt, dass ich es tue. Abschließend möchte ich nur ehrlich sein; Es gibt derzeit so viel „Fälschung“ auf der Welt, dass die Menschen meiner Meinung nach Authentizität immer mehr zu schätzen wissen, da sie immer seltener wird.

Woher holen Sie sich die Inspiration für Ihre Choreografie und wie bleiben Sie in Ihrer Herangehensweise innovativ und frisch?

Ich lasse mich oft von Dingen inspirieren, die mir passiert sind, oder von Themen, die mir am Herzen liegen, und manchmal auch davon, welche Gefühle ein bestimmtes Musikstück in mir auslöst. Ich habe Stücke über Trauer, die Anschläge von Paris, psychische Gesundheit und sogar Ablehnung und Widerstandsfähigkeit in meiner eigenen Branche choreografiert. Wenn ich für ein Unternehmen oder einen Kunden choreografiere, passe ich natürlich ein Briefing an, aber wenn ich meine eigene künstlerische Freiheit habe, werde ich immer auf meine eigenen Erfahrungen zurückgreifen.

Ich denke, wenn man vom Leben inspirierte Choreografien macht, werden die Ideen immer frisch sein, denn das Leben verändert sich ständig und stellt uns vor Herausforderungen und Herausforderungen. Es gibt immer ein neues Kapitel zu schreiben oder einen neuen Tanz zu kreieren! Um in meinem Ansatz innovativ zu bleiben, schaue ich mir Shows an, trainiere weiter und besuche Tanzkurse und Workshops, lerne von anderen Kreativen, um immer wieder neue Inspirationen und Techniken zu finden und meine eigenen Fähigkeiten als Tänzer zu verbessern. Ich werde immer Student bleiben!

Welche Prinzipien leiten Sie als Führungskraft sowohl in der Theateraufführung als auch in der Choreografie bei der Betreuung und Inspiration anderer in Ihrem Team oder Ihrer Besetzung?

Ich glaube fest daran, ein positives, sicheres und ermutigendes Umfeld zu schaffen. Ich befand mich während des Trainings in vielen negativen Umgebungen; Es gab viele scharfe Kommentare und Kritik, die oft nicht konstruktiv war, und der Vergleich und Wettbewerb unter Kollegen wurde gefördert. Ich wurde zu einem sehr angespannten und gestressten Künstler, weil ich das Gefühl hatte, dass es mir nicht erlaubt war, Fehler zu machen und mein eigenes künstlerisches Können zu erforschen. Es gab auch viel Bevorzugung und ich wurde bei Tanzstücken oft in den Hintergrund gedrängt, was mein Selbstvertrauen noch weiter schwächte. Ich möchte nie, dass jemand, den ich unterrichte, betreue oder choreografiere, so denkt. Ich ermutige meine Kollegen immer und konzentriere mich auf ihre Stärken, mit dem Ziel, sie zu stärken, anstatt sie herabzusetzen. Ich werde auch immer ehrlich sein, aber auf konstruktive Weise, denn es ist einem Studenten gegenüber nicht fair, wenn man ihm sagt, dass er großartig ist, wenn es noch Dinge gibt, an denen er arbeiten muss und er sich verbessern möchte. Richtige Kritik ist für sie, nicht für Sie, denn Sie möchten, dass sie besser werden.

Können Sie über einen besonders herausfordernden Moment in Ihrer Karriere sprechen, sei es auf der Bühne oder hinter den Kulissen, und wie Sie ihn gemeistert haben?

Meine Zeit als Choreografin und Solotänzerin für Siblu Villages war eine besondere Herausforderung; Es war während der Pandemie und wir mussten die Shows jeden Tag aufgrund von Besetzungsverletzungen, Krankheiten oder sogar Entlassungen anpassen. Ich hatte drei 1,5-stündige Shows choreografiert und kreiert, und jede Woche kamen neue Darsteller zum Team, die hinzugefügt werden mussten, und alte Darsteller, die verletzt waren, erkrankten, entlassen wurden oder aus diesem Grund nicht auftreten konnten Stress. Es war eine sehr herausfordernde Zeit, denn als Choreograf musste ich oft am Tag der Show die Abstände ganzer Shows anpassen und ändern und meinem Team, das keine professionellen Tänzer war, die neuen Formationen auf klare und ruhige Weise beibringen Als Haupttänzer aufzutreten und mein Leistungsniveau auf einem hohen Niveau zu halten. Ich habe das überwunden, indem ich ehrlich gesagt einfach „mit der Arbeit weitergemacht“ habe; Ich hatte keine Wahl, da ich keine Zeit hatte, gestresst oder verärgert zu sein. Ich denke, wenn man sich in solchen Situationen befindet, muss man sich einfach darauf konzentrieren, professionell zu bleiben und auf das Publikum und das, was es will: unterhalten zu werden. Ja, es gab Schritte, die vergessen wurden und die Choreografie war nicht so sauber, wie ich es mir gewünscht hätte, aber das Publikum war zufrieden, und das war das Wichtigste. Manchmal muss man sich einfach auf das Gesamtziel konzentrieren und nicht auf die Details, wenn die Zeit begrenzt ist.

Schließlich habe ich versucht, für meine Arbeit bei Siblu dankbar zu bleiben; Ich hatte das große Glück, während der Pandemie als Tänzerin und Choreografin zu arbeiten und gleichzeitig in einer absolut wunderschönen Gegend in Südfrankreich zu leben. Dankbarkeit hat mir geholfen, den Überblick zu behalten und die Momente, die ich mit meiner Besetzung hatte, zu genießen. Ich habe dort einige schöne Erinnerungen gesammelt.

Welche zukünftigen Projekte oder Ambitionen streben Sie angesichts Ihres etablierten Rufs in den Bereichen Performance und Choreografie an und wie wollen Sie sich in Ihrem Handwerk weiterentwickeln?

Ich habe ausgiebig in Großbritannien und Europa gearbeitet und mein nächstes Ziel sind die USA. Mein Traum ist es, als Performer und Choreograf in New York City zu arbeiten. Dort habe ich meine Tanzausbildung absolviert und war von der Tanzszene und der Stadt selbst zutiefst inspiriert. Ich hoffe, dass ich die Gelegenheit bekomme, meine Arbeit dort einzubringen.

Ich glaube, dass man, um sein Handwerk weiterzuentwickeln, immer ein Student bleiben und offen für das Erlernen neuer Stile, Techniken und Ideologien sein muss. Um mich inspirieren zu lassen, besuche ich regelmäßig Tanzkurse bei etablierten Choreografen und Kreativen und lese auch Bücher. Wissen ist Macht, und ich glaube wirklich, dass wir als Künstler unseren Geist erweitern und unsere Ideen ständig hinterfragen sollten. Einige Bücher, die mich zutiefst inspiriert haben, sind „Big Magic“ von Elizabeth Gilbert, „The War of Art“ von Steven Pressfield und „The Practice“ von Seth Godin. Ich lese gerade „The Power of Now“ von Eckhart Tolle, in dem es mehr um den Geist geht, aber alles miteinander verbunden ist. Wenn mein Geist gesund ist, kann ich mehr schaffen und meine Kunst weiterhin mit der Welt teilen.

Am Ende unserer Erkundung der dynamischen Karriere von Anita Mannings sind wir von ihrer unermüdlichen Leidenschaft, Belastbarkeit und Vielseitigkeit in der darstellenden Kunst inspiriert. Von ihren fesselnden Darbietungen bis hin zu ihren tiefgründigen choreografischen Erzählungen hat Anita immer wieder die Grenzen der Kreativität überschritten und sich als eine beeindruckende Kraft in der Branche erwiesen. Ihre Reise ist für Künstler und Enthusiasten gleichermaßen ein Leuchtturm der Inspiration und eine Erinnerung an die transformative Kraft von Hingabe und künstlerischer Innovation.

Wir laden Sie, unsere Leser, ein, tiefer in Anitas Welt einzutauchen. Verfolgen Sie ihre Reise, erleben Sie ihre Auftritte und lassen Sie sich von der Kunstfertigkeit berühren, die sie zu einer herausragenden Figur in der darstellenden Kunst gemacht hat. Feiern Sie mit uns Anita Mannings, eine wahre Meisterin der Bühne und darüber hinaus, in deren Geschichte es nicht nur um Erfolg geht, sondern auch um die Kunst, Herausforderungen in Triumphe zu verwandeln.