Schnitt für den Erfolg: Ein Einblick in die Karriere des Filmredakteurs Herrn Ju

Schnitt für den Erfolg: Ein Einblick in die Karriere des Filmredakteurs Herrn Ju

Die Film- und Unterhaltungsindustrie hat in den letzten Jahrzehnten einen erheblichen Wandel durchgemacht. Es hat sich von einem Nischensektor zu einem großen globalen Kraftpaket entwickelt, das täglich Milliarden von Leben berührt. Die kreative, wirtschaftliche und soziale Bedeutung der Branche ist nicht zu unterschätzen, denn ihr Einfluss reicht weit über die Unterhaltung hinaus. Im heutigen digitalen Zeitalter prägt es nicht nur die Popkultur und gesellschaftliche Narrative, sondern treibt auch technologische Innovation und Wirtschaftswachstum voran.

Das Herzstück dieser einflussreichen Branche sind die talentierten Menschen, die Geschichten Leben einhauchen, und einer dieser Menschen ist Haoyu Ju. Als renommierter Filmeditor hat sich Ju durch sein herausragendes Werk einen Namen in den Annalen des zeitgenössischen Kinos gemacht. Aufgrund seiner kreativen Vision und seines technischen Könnens arbeitete er an einer Reihe von Filmen, von denen mehrere auf angesehenen Filmfestivals weltweit gelobt wurden.

Jus Geschichte begann am Konservatorium des American Film Institute, wo er seine Fähigkeiten verfeinerte und ein scharfes Auge für die Konstruktion von Erzählungen entwickelte. Seitdem ist seine Karriere ein Beweis für sein Handwerk, wobei Filme wie „CHORUS“ und „AND I MISS YOU LIKE A LITTLE KID“ von der Kritik hoch gelobt und auf Festivals anerkannt wurden. Seine Schnittkompetenz hat nicht nur diese Filme geprägt, sondern auch zum breiteren Diskurs über filmisches Geschichtenerzählen beigetragen.

Seine Arbeit in „CHORUS“ wurde für seine erzählerische Klarheit und emotionale Resonanz ausgezeichnet, ein Beweis für Jus Fähigkeit, Erzählungen zu formen, die den Zuschauer zutiefst fesseln. In ähnlicher Weise hat seine Arbeit in „AND I MISS YOU LIKE A LITTLE KID“ seine Fähigkeit unter Beweis gestellt, komplexe Themen mit Sensibilität und Finesse zu behandeln. Die Erfolge dieser Filme auf renommierten Plattformen wie dem New York Shorts International Film Festival, CAA Moebius und dem AFI Fest unterstreichen Jus Branchenstatus und seine anhaltende Relevanz im zeitgenössischen Kino.

Wir hatten die einmalige Gelegenheit, mit Haoyu Ju zu sprechen und einen Einblick in seinen kreativen Prozess, seine berufliche Laufbahn und sein Verständnis der Branche zu geben. Im Laufe unserer Diskussion haben wir uns mit seinen Philosophien, Methoden und Visionen für das Geschichtenerzählen im 21. Jahrhundert befasst. Von seinen kreativen Inspirationen über seine Herangehensweise an den Schnitt bis hin zu seinen Gedanken über die Zukunft der Filmindustrie lieferte unser Gespräch mit Ju faszinierende Einblicke in die Denkweise eines der versiertesten Filmeditoren der Gegenwart.

Du bist für viele Menschen eine große Inspiration. Erzählen Sie uns, was hat Sie dazu bewogen, Redakteurin in der Filmbranche zu werden, und wie kam es dazu?

Ähnlich wie Filmemacher, die ihre ersten Erfahrungen mit dem Filmemachen machen, wenn sie eine Kamera in die Hand nehmen und die Aufnahmetaste drücken, begann meine Reise in die Welt des Schnitts, als ich meine Finger auf die Tastatur meines Laptops legte. Das geschah während eines Videokurses während meiner Studienzeit an der UCLA, wo ich die Gelegenheit hatte, das erste Video zu schneiden, das ich jemals selbst gedreht hatte.

Nach dieser ersten Erfahrung folgte eine dreijährige Residenz. Diese Zeit war geprägt von intensiver Praxis und Studium des Filmemachens und -schnitts. Ich hatte die Gelegenheit, mit zahlreichen Filmemachern zusammenzuarbeiten und meine Fähigkeiten durch das Schneiden verschiedener Filme zu verbessern. In dieser intensiven Wachstums- und Entwicklungsphase konnten meine Qualifikationen, Kenntnisse und Fähigkeiten als Redakteur exponentiell reifen.

Jetzt befinde ich mich in der Reihe Tausender anderer Redakteure in Hollywood, die alle durch unsere gemeinsame Leidenschaft für das Geschichtenerzählen verbunden sind. Aber wie bei jedem künstlerischen Handwerk ist auch das Bearbeiten eine Reise, die sich über ein ganzes Leben erstreckt. Ich habe gerade meine ersten Schritte gemacht und bin gespannt und gespannt auf den Weg, der vor mir liegt.

Was sind Ihrer Meinung nach die wichtigsten Eigenschaften eines Redakteurs und wie haben Sie diese Eigenschaften im Laufe Ihrer Karriere entwickelt?

Der renommierte Oscar-prämierte Redakteur Richard Halsey besuchte einmal meine Schnittklasse am AFI-Konservatorium. Während seiner Aufklärungssitzung skizzierte er drei Schlüsselprinzipien eines Redakteurs: Organisation, Vertrauen in seine Instinkte und Wahrheitsfindung. Diese Worte dienen seitdem als Leitprinzipien in meiner Redaktionspraxis.

Wir beschreiben den Schnitt oft als den endgültigen Entwurf eines Films, was auf die enorme Verantwortung hinweist, die er mit sich bringt. Ein Redakteur verwebt Bilder und Töne und formt so die Geschichte in ihrer fesselndsten Form. Die Aufgabe ist heikel; Der Schnitt kann einen Film entweder aufwerten oder zu seinem Untergang führen. Die Wahl eines Redakteurs, sei es die Länge eines Schnitts, die Art der Aufnahme eines Beats oder die Wahl zwischen einem klassischen Musikstück oder einem Rocksong, kann erhebliche Konsequenzen haben.

Diese herausfordernde Aufgabe erfordert einen Redakteur mit scharfem Scharfsinn, akribischer Liebe zum Detail, überlegenen technischen Kenntnissen im Umgang mit NLE-Programmen, einem unbezähmbaren Geist für Versuch und Irrtum und vor allem einem umfassenden Verständnis der Geschichte und ihrer Charaktere.

Interessanterweise hängt das Schicksal eines Films oft von der Dynamik im Schnittraum ab. Als erstes Publikum des Films muss ein Redakteur in Zusammenarbeit mit dem Regisseur, Produzenten oder den Führungskräften ehrliches Feedback über die Wirksamkeit der Darstellung der Geschichte geben. Das Endergebnis eines Films ist immer eine Frage der Ungewissheit. Durch diplomatische Zusammenarbeit, effektive Kommunikation mit anderen Filmemachern, Vertrauen auf die eigenen Instinkte und die Verpflichtung, im Schnittraum die Wahrheit zu sagen, kann ein Film jedoch seinen vielversprechendsten Weg finden.

Sie haben an mehreren Filmen mitgearbeitet, die auf renommierten Filmfestivals auf der ganzen Welt gezeigt wurden. Welchen Rat würden Sie angehenden Redakteuren geben?

Als Redakteur, der in einer „Below-the-Line“-Rolle arbeitet, besteht meine Hauptaufgabe darin, die Geschichten anderer zum Blühen zu bringen. Es ist zutiefst erfüllend, zu einem Projekt beizutragen, das man wirklich bewundert und das einem am Herzen liegt. Unabhängig davon, in welcher Phase ich in eine Produktion einsteige, sei es während der Entwicklung oder nach den Dreharbeiten, besteht die erste entscheidende Aufgabe darin, die Geschichte gründlich zu verstehen und auf jede erdenkliche Weise dazu beizutragen.

Wenn ich während der Entwicklungsphase hinzugezogen werde, biete ich dem Autor oder Regisseur Drehbuchnotizen an, unabhängig davon, ob sie diese akzeptieren. Manchmal kann ein Redakteur tiefgreifende Drehbuchnotizen liefern, die den Verlauf einer Geschichte grundlegend verändern können. Wenn ich an der Vorproduktionsphase beteiligt bin, helfe ich bei der Gestaltung von Aufnahmelisten und bearbeite Video-Storyboards, um eine Vorschau auf den Film zu ermöglichen.

Wenn ich während der Produktionsphase beginne, überprüfe ich die Tageszeitungen sorgfältig nach jedem Drehtag. Ich beginne sofort mit dem Schnitt, experimentiere mit Szenen, entdecke Kontinuitätsprobleme oder Lücken in der Berichterstattung und leite diese Beobachtungen an den Regisseur weiter, damit dieser die Aufnahmen planen kann.

Steven Spielberg sagte bekanntlich: „Schnitt ist gleichbedeutend mit Regie.“ Auch wenn es oft wie ein einsamer und autonomer Job erscheint, sind sein Einfluss und seine Macht erheblich, insbesondere wenn man schon früh in die Entwicklung einbezogen wird.

Obwohl es oft außerhalb meiner Kontrolle liegt, wie viel Einfluss ich außerhalb meiner Redaktionsrolle ausüben kann, motivieren mich meine Leidenschaft und mein Engagement, die bestmögliche Arbeit zu leisten, so viel beizutragen, wie ich kann. Meine Erfahrung hat mir gezeigt, dass diese Beiträge, unabhängig von ihrem Umfang, sowohl dem Film als auch der Show erheblich zugute kommen können.

Wenn es um die Bearbeitung geht, folge ich immer meinem Herzen und sage mir selbst und meinen Mitarbeitern gegenüber die Wahrheit. Es ist jedoch wichtig, das Ego loszulassen, das Sie glauben lässt, dass Ihre Entscheidungen ausnahmslos richtig sind. Auch wenn Sie davon überzeugt sind, dass die Idee eines Regisseurs oder Produzenten für einen Schnitt falsch oder lächerlich ist, seien Sie immer offen dafür, sie auszuprobieren.

Überraschenderweise können sich viele Notizen, die zunächst unsicher erscheinen, als großartige Noten herausstellen. Wenn sich der Vorschlag als wirklich wirkungslos erweist, wird der Regisseur oder Produzent dies in der Regel erkennen und sich davon überzeugen lassen, Ihre Wahl in Betracht zu ziehen. Die Aufrechterhaltung einer sensiblen Diplomatie im Schnittraum ist entscheidend für den reibungslosen Ablauf und die Langlebigkeit des Postproduktionsprozesses.

Wie gehen Sie als Redakteur an Ihre Arbeit heran und was unterscheidet Ihre Arbeit Ihrer Meinung nach von anderen in der Branche?

Wie ich oft betone, besteht die erste Pflicht eines Redakteurs darin, die Geschichte gründlich zu verstehen. Die Rolle eines Redakteurs lässt sich mit der eines Orchesterdirigenten vergleichen: Er führt das Ensemble dazu, harmonische Musik zu liefern. Wenn ein Redakteur die Geschichte nicht vollständig versteht, ist das so, als ob ein Dirigent die Noten falsch liest und das Orchester unkonventionell anführt, was die gesamte Aufführung stört.

Ohne ein umfassendes Verständnis der Geschichte kann der Bearbeitungsprozess zu einer Vielzahl von Problemen führen – der Ton könnte falsch sein, das Tempo und der Rhythmus könnten zu schnell oder zu langsam sein, die Wahl der Berichterstattung könnte falsch sein, die Musik könnte nicht passen , und so weiter. Letztendlich entspricht der Film möglicherweise nicht den Vorstellungen der Filmemacher.

Viele Schnittanfänger konzentrieren sich auf die Schnitttechniken und -stile, um den Film „cool“ aussehen oder klingen zu lassen. Aber wenn der Schnitt des Films nicht stimmt, liegt das meist nicht daran, dass ein oder zwei Schnitte falsch sind. Häufiger liegt es daran, dass der Redakteur die Geschichte nicht vollständig verstanden hat, was wiederum die korrekte Ausführung der gesamten Bearbeitung bestimmt.

Bei jedem Projekt, das ich übernehme, ob es sich nun um einen Werbespot, einen Kurzfilm oder einen Spielfilm handelt, besteht mein Ansatz darin, zunächst das Drehbuch zu lesen, den Ton zu analysieren und die Geschichte zu analysieren und zu verdauen. Dieser Prozess gleicht einer Aufnahme der DNA des Projekts, wodurch potenzielle Probleme bei zukünftigen Bearbeitungen vermieden werden können. Außerdem bevorzuge ich eine enge Kommunikation mit dem Direktor und anderen Mitarbeitern.

Während der Schnitt oft eine autonome Aufgabe sein kann, bleibt er beim Filmemachen Teil einer Teamarbeit. Ich glaube, dass die Harmonie zwischen Redakteur und Regisseur, sowohl in den Ideen als auch in der Kommunikation, der Schlüssel zur Effizienz und zum letztendlichen Erfolg der Bearbeitungs- und Postproduktionsprozesse ist. Wenn der Redakteur die Anmerkungen des Regisseurs schnell verstehen und umsetzen kann und der Regisseur die Ratschläge des Redakteurs leicht verdauen und annehmen kann, werden sie zu einem leistungsstarken Team. Dieses dynamische Duo, vergleichbar mit erfahrenen Scharfschützen, kann effektiv zielen und schießen, um die Mission zu erfüllen.

Die Werke, die ich herausgegeben habe, variieren in Stil und Tonalität, aber sie beschäftigen sich alle mit menschlichen Themen wie Trauma, Trauer, Wachstum oder Erlösung, oft verbunden mit einem sozialen Anliegen. Ich glaube, dass das Filmemachen die Verantwortung trägt, den gesellschaftlichen Fortschritt und die öffentliche Aufklärung voranzutreiben, indem es die Menschheit in verschiedenen Situationen darstellt. Das ist mein Credo für die Art von Filmen und Inhalten, die ich erstellen möchte.

Wenn meine Filme jemanden dazu inspirieren können, das Kino mit verändertem Herzen zum Besseren zu verlassen, dann habe ich das Gefühl, meine Pflicht erfüllt zu haben.

Wie bleiben Sie über die neuesten Technologien, Techniken und Trends in der Filmbranche auf dem Laufenden und wie wichtig ist es Ihrer Meinung nach, sich als Redakteur weiterzubilden und weiterzuentwickeln?

Als Redakteur lebe ich in einer sich schnell entwickelnden Technologiegesellschaft, in der es mehr als nur ein Vorteil ist, über Fortschritte und Trends in der Filmindustrie auf dem Laufenden zu bleiben. Es ist eine Notwendigkeit. Die Werkzeuge unseres Handwerks – NLE-Software, Computer und andere zugehörige Geräte – bilden das Rückgrat unserer Kreations- und Arbeitsprozesse. Jeder, der mit der Branche vertraut ist, weiß, wie Änderungen und Aktualisierungen der Technologie unseren Arbeitsablauf grundlegend verändern können. Insbesondere der rasante Aufstieg der KI könnte erhebliche Auswirkungen auf die Zukunft unseres Arbeitsplatzes und unserer Branche haben.

In der vergangenen Ära des traditionellen Films war der Schnitt eine analoge und mechanische Aufgabe. Heute können wir mit der leistungsstarken Kreativsoftware, die uns zur Verfügung steht, unzählige Aufgaben mit deutlich höherer Effizienz erledigen. Diese Entwicklung hat die Qualifikationen und Anforderungen unseres Berufs im Vergleich zu früheren Generationen von Redakteuren verändert. Das Filmemachen war schon immer eine Mischung aus Kunst und Wissenschaft, und wie jedes andere menschliche Unterfangen entwickelt es sich ständig unter der Dynamik unaufhaltsamer Kräfte weiter.

Nur wenn man mit den neuesten Technologien und Techniken auf dem Laufenden bleibt und sich an Trends anpasst, kann man auf dieser Welle mitreiten, anstatt sich von ihr überwältigen zu lassen. Schließlich müssen wir, wie jeder Künstler im Laufe der Geschichte, zunächst unsere Werkzeuge beherrschen, um etwas schaffen zu können.

Können Sie über ein besonders herausforderndes Projekt sprechen, an dem Sie als Redakteur gearbeitet haben, und wie Sie die Herausforderungen gemeistert haben?

Mein Abschlussfilm am AFI Conservatory, CHORUS, erwies sich als herausforderndes, aber letztendlich lohnendes Projekt. Ich habe eng mit dem Regisseur zusammengearbeitet und den Film so verfeinert, dass er optimal zum Drehbuch passt. Wir überprüften unsere Arbeit für unsere Kohorten und Mentoren und erhielten überwiegend positives Feedback. Allerdings wurde immer wieder darauf hingewiesen, dass zwei Szenen zu lang oder überflüssig seien. Unsere Hauptaufgabe bestand darin, diese Szenen zu thematisieren. Die Geschichte des Films dreht sich um einen Vater und einen Sohn, die in einem Flugzeug vom 11. September den Abschiedsanruf ihrer Frau/Mutter verpasst haben, und erkunden ihre anschließende Reise voller Trauer und Heilung.

Die problematischen Szenen waren eine, in der der Vater in eine Konditorei geht, um eine Geburtstagstorte für den Geburtstag seiner Frau abzuholen, und eine andere, in der er und sein Sohn mit seinen Schwiegereltern in seinem Haus feiern. Unsere erste Strategie bestand darin, diese Szenen zu kürzen. Wir haben sorgfältige Änderungen vorgenommen und unnötige Teile oder Beats entfernt, ohne die Erzählung zu beeinträchtigen. Doch selbst nach dieser chirurgischen Beschneidung fühlten sich neue Zuschauer immer noch von diesen Szenen abgekoppelt.

Dann mussten wir einige schwierige Entscheidungen treffen und Teile der Geschichte streichen, die sich nicht gut vom Drehbuch auf die Leinwand übertragen ließen. Der Regisseur war mit der Gesamtwirkung der Konditorei-Szene unzufrieden und beschloss, die Szene komplett zu entfernen. Es ist immer schwer, „deine Lieblinge zu töten“, aber manchmal ist es ein notwendiger Teil des Bearbeitungsprozesses. Diese Entscheidung erwies sich als fruchtbar, da die Erzählung ohne diese Szene natürlich ablief und wir etwa drei Minuten Leinwandzeit einsparten.

Die Szene mit den Großeltern erforderte aufgrund ihrer Rolle in der Darstellung und im Erzählverlauf eine differenziertere Bearbeitung. Wir haben diese Szene akribisch reduziert und uns dabei mit meinem Schnitt-Mentor beraten, der uns einen wertvollen Einblick gab: „Man muss nicht die gesamte Szene oder den gesamten Dialog preisgeben, um die Informationen zu vermitteln.“ Aus dieser Perspektive entschieden sich der Regisseur und ich dafür, den Hauptdialog zu halbieren und den gesamten Dialog aus der ersten Hälfte der Szene zu eliminieren. Obwohl es zunächst radikal schien, funktionierte der Ansatz außerordentlich gut.

Bei späteren Vorführungen dieses überarbeiteten Schnitts stellten die Zuschauer keine Probleme mehr mit Tempo oder Redundanz fest. Durch die Präsentation der Hälfte des Dialogs wurden effektiv genauso viele Informationen vermittelt wie durch die gesamte Szene, allerdings auf prägnantere und direktere Weise. Bei der Bearbeitung ist weniger oft mehr. Mit dieser Philosophie und diesem Ansatz ist es uns gelungen, die Laufzeit des Films von einem anfänglichen 30-minütigen Schnitt auf einen 20-minütigen Bildsperrschnitt zu verkürzen und so eine transformative Reduzierung um 10 Minuten zu erreichen, die unseren Film deutlich verbessert hat.