Jazz-Virtuosin Karen Shiraishi: Brücke zwischen klassischen Wurzeln und modernen Klängen

In der sich ständig verändernden Welt der Musik nimmt Jazz als Genre, das sich unter Wahrung seines Erbes neu erfindet, einen bemerkenswerten Platz ein. In dieser Landschaft der Kreativität sticht Karen Shiraishi hervor, die den Geist des zeitgenössischen Jazz verkörpert.

Die heutige Musikindustrie ist ein Geflecht verschiedener Genres, die jeweils zum kulturellen und künstlerischen Narrativ unserer Zeit beitragen. Der Jazz bleibt mit seinen tiefen Wurzeln und seiner weitreichenden Reichweite ein wichtiger Teil dieser Erzählung. Es ist ein Genre, das seine Geschichte respektiert, die Zukunft annimmt und als Plattform für Experimente dient. Musiker wie Karen Shiraishi spielen eine wichtige Rolle bei der Gestaltung des Jazz, indem sie Tradition mit zeitgenössischen Sensibilitäten verbinden.

Karen Shiraishis Weg im Jazz ist bemerkenswert. In ein musikreiches Umfeld hineingeboren, legte ihre klassische Ausbildung den Grundstein für ihre Karriere im Jazz. Ihr Übergang von der Klassik zum Jazz wurde durch die Liebe zum Genre ausgelöst, die sich im Alter von 14 Jahren entzündete, als sie das Oscar-Peterson-Trio hörte. Sie studierte Jazz an der World Heart Beat Music Academy und der Julian Joseph Jazz Academy, betreut von Julian Joseph OBE und Tony Kofi.

Shiraishis akademische Leistungen führten sie mit einem Vollstipendium an das Berklee College of Music, wo sie ihr Handwerk bei Jazzprofis wie den NEA-Jazzmeistern JoAnne Brackeen und Terri Lyne Carrington sowie dem verstorbenen großen Ralph Peterson Jr. verfeinerte. Ihre Zeit in Berklee beinhaltete Anerkennung, wie zum Beispiel den Countess of Munster Musical Trust Award für Jazz im Jahr 2021.

Karen ist weltweit auf Bühnen aufgetreten, unter anderem als Headlinerin im Ronnie Scott’s Jazz Club in London, beim DC Jazz Festival und im Dizzy’s Jazz Club NYC mit Ralph Petersons GenNext Big Band. Sie trat beim Bern Jazz Festival mit Terri Lyne Carringtons Jazz and Gender Justice Institute auf, trat beim Novosibirsk Jazz Festival in Russland und beim Lionel Hampton Jazz Festival mit dem Grammy Museum Collective auf. Sie hat auch mit Künstlern wie Donald Harrison Jr., Herlin Riley und Shannon Powell aufgenommen.

In einem aktuellen Interview haben wir Karen Shiraishis Fachwissen, ihren künstlerischen Weg von der klassischen Musik zum Jazz, ihre Leidenschaft für Live-Musik und ihre kollaborative Art untersucht. Karens Beiträge zum Jazz unterstreichen ihr Talent und ihre Rolle in der Entwicklung des Genres. Ihre Geschichte zeigt die Kraft der Hingabe, Vielseitigkeit und den Reiz der Jazzmusik.

Lass uns gleich darauf eingehen, Karen. Können Sie uns etwas über Ihren Übergang von Ihrer klassischen Ausbildung zum Jazz erzählen?

Mit drei Jahren begann ich Klavier zu spielen und erhielt bis zur Oberschule eine klassische Ausbildung. Als ich aufwuchs, hörten meine Eltern oft zu Hause Stevie-Wonder-Platten, und ich begann zunächst nur zum Spaß damit, Lieder, die mir gefielen, nach Gehör zu lernen. Es hat mir immer Spaß gemacht, am Klavier zu sitzen und herauszufinden, wie meine Lieblingslieder aufgebaut sind. Auf diese Weise könnte man wohl sagen, dass ich auf das Hörlernen vorbereitet war.

Als ich 14 war, zeigte mir mein Vater eine Schallplatte von Oscar Peterson und ich verliebte mich sofort in sein Klavierspiel. In seiner Spielweise steckt eine so starke, fesselnde rhythmische Absicht. Nachdem ich Oscar Peterson entdeckt hatte, wollte ich unbedingt mehr über Jazz lernen, also recherchierte ich und stieß auf die World Heart Beat Music Academy. Von dort aus wurde ich ihrer Partnerschule, der Julian Joseph Jazz Academy, vorgestellt. Ich besuchte während meiner gesamten Schulzeit beide Akademien und kam in dieser Zeit viel mit Musik in Kontakt.

Meine Mentoren ermutigten mich, mich am Berklee College of Music zu bewerben, und ich hatte das Glück, ein Vollstipendium zu erhalten. In Berklee lernte ich bei Leuten wie JoAnne Brackeen, Ralph Peterson und Terri Lyne Carrington, Leuten, die neben einigen der wichtigsten Persönlichkeiten der Jazzgeschichte aufgetreten sind.

Konzentrieren Sie sich in Ihrer Karriere ausschließlich auf Jazz oder haben Sie sich weiterhin mit anderen Genres und Stilen beschäftigt?

Als ich als Teenager die World Heart Beat Music Academy besuchte, trat ich bei Auftritten mit anderen schwarzen amerikanischen Musikgenres auf. Mein Jazz-Lernen erfolgte immer parallel zum Erlernen von R&B, Soul und Funk, sodass ich sie nicht als separate Genres betrachte, sondern als mehrere Zweige desselben Baums. Ich mache keinen Unterschied zwischen den Genres, weil sie alle Teil einer größeren Abstammungslinie sind und alle weiterhin miteinander interagieren und sich gegenseitig beeinflussen.

Als ich zum Beispiel zusammen mit dem verstorbenen großen Ralph Peterson in seiner GenNext Big Band im Dizzy's Jazz Club und beim DC Jazz Festival auftrat, führten wir ein Arrangement von JoAnne Brackeens „Egyptian Dune Dance“ auf. Das Arrangement enthält einen Rap-Abschnitt über einer ungeraden Taktart. Die Aufführung von Musik, die ungerade Jazz-, Hip-Hop- und Avantgarde-Einflüsse kombiniert, zeigte mir die Möglichkeiten des Genre-Mashings, um etwas Frisches und Aufregendes zu schaffen.

Jetzt, wo ich in New Orleans lebe, dem Geburtsort des Jazz, habe ich weitere Zweige des Musikbaums erforscht und mich mit ihnen vertraut gemacht. In der Stadt können Sie traditionelle Musik aus New Orleans, Blaskapellen, geradlinigen Jazz, Funk und Volksmusik hören; Jedes dieser Genres hat seine eigene Geschichte und kann in mehrere Untergenres kategorisiert werden. Es gibt unendlich viel Musik, von der man lernen kann, und das ist einer der Gründe, warum ich hierher gezogen bin. Diese Stadt hat eine sehr lebendige Musikszene, die auf eine starke Tradition zurückgeht.

Es hat viel Spaß gemacht, regelmäßig als Teil der Trumpet Mafia in New Orleans aufzutreten, und ich war sehr aufgeregt, zusammen mit ihnen beim New Orleans Jazz and Heritage Festival aufzutreten. Sie haben gerade den Best of the Beat Award des Offbeat Magazine als bester Nachwuchskünstler 2017 gewonnen. Es ist wirklich eine Ehre, Teil eines preisgekrönten Kollektivs zu sein und bei einem so großen Festival aufzutreten. Unsere Setlist bietet eine Mischung aus Jazz-, Jazz-Fusion-, R&B-, Funk- und Hip-Hop-Stücken. Es ist wahrscheinlich einer der wenigen Acts in der Stadt, bei dem man am selben Set Songs von Andre 3000 und Dizzy Gillespie hören kann.

Darüber hinaus pflege ich in meiner Praxis auch mein klassisches Klavierspiel. Ich arbeite derzeit an Beethovens Sonate Pathetique Nr. 8 c-Moll op. 13.

Welche Rolle spielen Ihre Einflüsse heute in Ihrer Arbeit? Sind Sie sich Ihrer Einflüsse bewusst, wenn Sie arrangieren oder live spielen?

Oscar Peterson war meine erste Liebe in Sachen Klavier. Ich würde sagen, dass er, Phineas Newborn Jr., Cedar Walton und Mulgrew Miller einige meiner Einflüsse auf dem Klavier sind. Was die Komposition angeht, lasse ich mich von Stevie Wonder und Wayne Shorter inspirieren.

Ich würde sagen, dass ich ein praktischer Lerner bin. Ich lerne gerne, wie man etwas spielt, bevor ich anfange, die Theorie dahinter zu analysieren, sodass ich das Gefühl habe, dass ich meine Einflüsse organisch durch Osmose gewinne. All die Musik, die ich im Laufe meines Lebens gehört und gespielt habe, hat meinen Geschmack geprägt und ist zu einem Teil von mir geworden.

Es erforderte auch viel aktives Zuhören und Übung, um an diesen Punkt zu gelangen. Ich würde also sagen, dass ich mir bewusst bin, wie ich meine Einflüsse wähle, aber sie kommen in meiner Improvisation und Komposition unbewusst zum Ausdruck. Je mehr Musik ich kenne, desto mehr entwickelt sich mein Geschmack. Es ist ein spannender, lebenslanger Prozess. Deshalb macht es so viel Spaß, mit Älteren in der Musikbranche zu sprechen. Sie haben so viel Musik kennengelernt und können auf jahrzehntelange Erfahrung zurückgreifen.

Gibt es einen bestimmten Aspekt, der Sie zu Live-Auftritten hinzieht, sei es als Künstler oder als Mitglied des Publikums?

Was mich an Live-Musik fasziniert, ist die Möglichkeit, die Erfahrung mit anderen Menschen zu teilen. Ich lasse mich auch gerne von Künstlern inspirieren, die großartig darin sind, eine Verbindung zum Publikum herzustellen. Als Künstler ist es immer toll, die Reaktionen des Publikums in Echtzeit zu sehen. Manchmal kann es leicht passieren, dass ich mich beim isolierten Üben verliere, und wenn ich das Material live aufführe, kann ich gut einschätzen, ob die Musik so rüberkommt, wie ich es möchte.

Mir ist aufgefallen, dass einige der besten Shows, die ich je gesehen habe, dort stattfinden, wo das Publikum aktiv an der Aufführung teilnimmt. Ich denke, Musiker sollten immer in erster Linie das Publikum im Blick haben. Ich liebe es, dass jeder Live-Auftritt anders ist, besonders wenn es um Musik geht, die eine improvisatorische Komponente hat. Es gibt ein gewisses Maß an Ungewissheit in der Musik, das sie spannend macht, und das ist es, was ich sowohl an der Aufführung als auch an der Live-Aufführung liebe.

Ich trat 2019 beim Bern Jazz Festival im Rahmen von Terri Lyne Carringtons Jazz and Gender Justice Institute auf. Ich war begeistert, dort zu spielen, weil einige der besten Musiker aller Zeiten, Leute wie Fats Domino, Ella Fitzgerald und BB King, alle dort aufgetreten sind und das Festival jedes Jahr über 30.000 Menschen anzieht. Ich habe dort fünf aufeinanderfolgende Abende gespielt, also hatte ich das Gefühl, einen Schritt zu machen und die Chance zu bekommen, herauszufinden, was das Publikum am meisten ansprach. Ein denkwürdiger Moment für mich war, als wir eines Abends „God Bless the Child“ aufführten, eine wunderschöne Ballade von Billie Holiday, und ich sah, wie ein Paar in der Menge näher beieinander saß und anfing, sich an den Händen zu halten. Ich liebe es, solche Momente zu erleben.

Ich trat 2019 im Dizzy's Club in Jazz im Lincoln Center in New York als Teil der GenNext Big Band von Ralph Peterson auf. Es war für die Albumveröffentlichung der Big Band. Das war ein großer Meilenstein für mich, denn es ist ein so ikonischer Veranstaltungsort, der einige ziemlich treue Jazzfans aus der ganzen Welt anzieht. Es war eine wahre Ehre, mit Ralph auf der Bühne stehen zu dürfen.

Ich liebe es, dass jeder Live-Auftritt anders ist, besonders wenn es um Musik geht, die eine improvisatorische Komponente hat. Es gibt ein gewisses Maß an Ungewissheit in der Musik, das sie spannend macht, und das ist es, was ich sowohl an der Aufführung als auch an der Live-Übertragung liebe.

Wie sieht der durchschnittliche Tag für Sie aus? Arbeiten Sie oft an verschiedenen Projekten gleichzeitig oder wechseln Sie von einem Projekt zum anderen?

Da ich die meiste Zeit abends arbeite, genieße ich es, den Tag frei zu haben. Ich wache auf, dusche, koche Frühstück, lese vielleicht ein Buch und übe. Je nach Tag gehe ich vielleicht mit ein paar Freunden zum Mittagessen aus. Ich würde sagen, ein arbeitender Musiker zu sein bedeutet, an mehreren Projekten gleichzeitig zu arbeiten. Es kann zwar viel mentalen Raum beanspruchen, aber ich habe die Freiheit, das zu tun, was mir gefällt, und an Dingen zu arbeiten, die mich persönlich interessieren.

In meiner Praxis lerne ich Musik für Auftritte, die mir bevorstehen, aber auch Musik, auf die ich neugierig war oder die ich zum Spaß lernen möchte, nur weil ich sie erfüllend finde. Wenn ich von meinen Auftritten nach Hause komme, nehme ich mir immer einen Moment Zeit zum Entspannen, und wenn ich Zeit habe, mache ich gerne Dehnübungen oder mache Yoga, bevor ich schlafen gehe.

Mit welchen Künstlern arbeiten Sie am liebsten zusammen?

Als ich bei Ronnie Scott als Headliner auftrat, hatte ich viel Spaß daran, mit Tony Kofi und Jas Kayser zu spielen. Jas und ich sind beide als Teenager an der World Heart Beat Music Academy und der Julian Joseph Jazz Academy aufgewachsen. Die beiden Schulen sind miteinander verflochten. Viele meiner Kommilitonen haben beide Akademien besucht und die Kombination aus beiden fördert wirklich ein Umfeld, in dem sich vielseitige Musiker hervorbringen können. Wir durften dort bei einigen der weltbesten Jazzmusikern studieren. Der Unterricht bei Julian Joseph und Tony Kofi hat mir wirklich dabei geholfen, mein Klavierspiel und mein Selbstvertrauen zu entwickeln. Jas und ich gingen auch beide nach Berklee. Wir sind alle Teil einer musikalischen Gemeinschaft zu Hause in London, daher war es eine echte Freude, wieder mit ihnen zu spielen, als wir uns während der Pandemie wieder trafen.

Auch die Zusammenarbeit mit Terri Lyne Carringtons Jazz and Gender Justice Institute hat mir Spaß gemacht. Das Institut würdigt den Beitrag von Frauen zur Entwicklung des Jazz und möchte gerechtere Bedingungen für alle schaffen, die eine Karriere in der Kunstform anstreben. Ihr Slogan lautet „Jazz ohne Patriarchat“, was ein interessantes Konzept ist, weil Jazz ohne ihn nie existiert hat, und deshalb gefällt mir, dass das Institut eine Welt anstrebt, in der es kein Patriarchat gibt, und mir vorstelle, wie Musik als Ergebnis klingen würde. Ich liebe es, mit anderen Musikerinnen zusammenzuarbeiten, weil wir eine gemeinsame Erfahrung haben und daher ein grundlegendes Verständnis und Einfühlungsvermögen füreinander herrscht. Das Jazz and Gender Justice Institute bietet uns eine sichere und fördernde Umgebung zum Schaffen von Kunst und hinterlässt auf diesem Gebiet einen bleibenden Eindruck.

Außerdem ist Ralph Peterson jemand, den ich nie vergessen werde. Ich war sehr dankbar, dass ich vor seinem Tod im März 2021 an seiner Seite auftreten durfte.

Haben Sie abschließend noch bevorstehende Projekte, von denen Sie uns erzählen können?

Ich spiele in der Davenport Lounge im Ritz Carlton im Quintett von Jeremy Davenport als Hauspianist. Ich arbeite auch daran, später in diesem Jahr eine EP zu veröffentlichen, also seien Sie Ausschau!