Meister vieler Leinwände: Duc Trung Hos bahnbrechende Reise im globalen Filmemachen und in der multidisziplinären Kunst

In einer Zeit, in der Spezialisierung oft das A und O ist, gilt Duc Trung Ho – in manchen Kreisen besser bekannt als Jacob Ho – als Inbegriff polymathischer Fähigkeiten. Seine Geschichte ist eine Geschichte, die sich über alle Normen hinwegsetzt und das Bild eines Schöpfers zeichnet, dessen künstlerisches Arsenal keine Grenzen kennt.

Die Film- und Unterhaltungsindustrie ist heute ein globaler Gigant, der ein breites Spektrum an Fachleuten beschäftigt und ein Publikum in allen Teilen der Welt erreicht. Mit dem Aufkommen digitaler Technologien und einer steigenden Nachfrage nach qualitativ hochwertigen, emotional ansprechenden Inhalten ist die Relevanz der Branche in der zeitgenössischen Kultur unbestritten. Es ist jedoch ein Bereich, der in der Regel eine Spezialisierung begünstigt, in dem sich Einzelpersonen oft in einem Aspekt auszeichnen und auf diesem Weg im Laufe ihrer Karriere bleiben.

Auftritt Duc Trung Ho. Mit einem beeindruckenden Lebenslauf mit Titeln wie Multiinstrumentalist, Künstler für visuelle Effekte, 3D-Modellierer und Grafikdesigner passt Jacob nicht in das typische Muster der Branche. Seine bisher bemerkenswerteste Leistung ist seine Arbeit als Cutter bei „Impermanence“, einem Film, der beim WorldFest Houston International Film Festival – einem der ältesten und unabhängigsten Filmfestivals Nordamerikas – mit einem Gold Remi Award ausgezeichnet wurde. Darüber hinaus erhielt er eine Nominierung als bester junger Filmemacher beim Prague International Film Fest und sicherte sich die offizielle Auswahl bei renommierten Festivals, darunter dem Los Angeles Short Film Fest, dem Brisbane International Film Fest, dem Norwich International Film Fest, dem San Jose International Film Fest und den Academy Awards Qualifizierendes HollyShorts Film Festival. Diese Auszeichnungen unterstreichen nicht nur Herrn Hos außergewöhnliches Talent und Potenzial als aufstrebender Star, sondern unterstreichen auch seine hohen Standards und sein Fachwissen im Filmschnitt.

Seine kinematografischen Fähigkeiten sind gleichermaßen lobenswert, was durch seine Arbeit an „Maayanagri“ unter Beweis gestellt wird, einem Projekt, das ihm eine Halbfinalistenauswahl beim Flicker Rhode Island International Film Festival einbrachte. Seine außergewöhnlichen Fähigkeiten in der Kinematographie haben es ihm ermöglicht, visuelles Geschichtenerzählen auf einer internationalen Plattform zu artikulieren.

Unser aktuelles Interview mit Duc Trung Ho bot einen tieferen Einblick in seine vielfältigen Talente. Jacob ist nicht nur Filmemacher; Er ist ein Meister mehrerer kreativer Disziplinen und verleiht jedem Projekt, an dem er beteiligt ist, eine einzigartige Tiefe und Textur. Seine fließenden Sprachkenntnisse in Vietnamesisch und Englisch, gepaart mit seiner Anpassungsfähigkeit an verschiedene Filmkulturen, machen ihn zu einem wirklich globalen Kreativen. In Jacobs eigenen Worten wirken seine vielfältigen Fähigkeiten als „mächtiger Katalysator“ in seiner bereits aufstrebenden Filmkarriere und machen ihn zum Inbegriff eines modernen, vielseitigen Kreativprofis.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Duc Trung Ho eine Kraft ist, mit der man rechnen muss – eine multitalentierte, multikulturelle Koryphäe in einer Branche, die nur von seinen vielfältigen Fähigkeiten und seiner innovativen Denkweise profitieren kann. Während sich die Welt der Unterhaltung weiter weiterentwickelt, kann man nur erahnen, welche grenzüberschreitenden Beiträge Herr Ho zweifellos einbringen wird.

Danke, dass du uns hast, Jacob. Sie sind nicht nur Filmemacher, sondern auch Multiinstrumentalist, Künstler für visuelle Effekte und vieles mehr. Können Sie uns ein Projekt vorstellen, bei dem diese vielfältigen Talente zusammenkamen, um etwas Einzigartiges zu schaffen?

Ich filme und schneide die meisten Musikvideos meiner Band – Cham Trang. Wir arbeiten oft mit einem begrenzten Budget, ohne Zugang zu hochwertiger Ausrüstung oder einer erfahrenen Crew. Diese Einschränkungen zwingen mich dazu, die Fähigkeiten anzuwenden, die ich mir im Laufe der Zeit angeeignet habe. Da ich die Songs gemeinsam mit meinen Bandkollegen kreiert habe, kenne ich jeden Titel bis ins kleinste Detail. Dieses tiefe Verständnis fließt in unsere Brainstorming-Sitzungen ein und ermöglicht es mir, Bearbeitungen zu visualisieren, die auf bestimmte Beats abgestimmt sind.

Bei der Aufnahmeliste für diese Projekte konzentriere ich mich darauf, visuell interessante Elemente als Aufmerksamkeitserreger zu verwenden. Da ich über einen Hintergrund in visuellen Effekten verfüge, weiß ich, wie wir auch mit unseren begrenzten Ressourcen wirkungsvolle visuelle Effekte erstellen können. So einfache Techniken wie das Klonen des Leadsängers oder das Timing eines Übergangs zum Beat können einem Musikvideo Leben einhauchen. In diesen Momenten, in denen ich alle meine Fähigkeiten integrieren kann, glaube ich, dass ich mein einzigartigstes Werk erschaffe.

Wie beeinflusst Ihr musiktheoretischer Hintergrund die Art und Weise, wie Sie den Ton und die Musik in Ihren Filmen angehen?

Normalerweise werden Partitur und Ton von einer separaten Abteilung verwaltet und erst hinzugefügt, nachdem die Bearbeitung abgeschlossen ist. Wenn ich jedoch den Kontext der Geschichte verstehe und weiß, wo die Musik eingefügt wird, kann ich meine Bearbeitungen in gewisser Weise beschleunigen das die Arbeit des Sounddesigners und Komponisten ergänzt. Ich finde einen inneren Rhythmus in den Dialogen und Handlungen der Charaktere, der sie so ausrichtet, dass ein unbewusster Rhythmus entsteht.

Mein Verständnis der Musiktheorie ist auch von unschätzbarem Wert, wenn ich selbst Musik beschaffen muss. Wenn ich die strukturellen Komponenten der Musik kenne, gelingt es mir, fließende Übergänge innerhalb verschiedener Abschnitte eines Songs zu schaffen, insbesondere wenn ich die Länge des Songs an die Schnitte anpassen muss.

Wie beeinflussen diese Fähigkeiten als Visual-Effects-Künstler und 3D-Modellierer Ihr Geschichtenerzählen, insbesondere wenn es darum geht, die Szene in Szene zu setzen oder Atmosphäre zu schaffen?

Visuelle Effekte sind heute ein fester Bestandteil der Film- und Unterhaltungsindustrie. Ich betrachte VFX sowohl als kreative Möglichkeit für künstlerisches Schaffen als auch als wertvolles Werkzeug, um mein Geschichtenerzählen über das hinauszugehen, was mit praktischen Effekten erreichbar ist. Da sich die Kreativbranche an die fortschreitende Technologie anpasst, ist es für uns und unsere Fähigkeiten von entscheidender Bedeutung, uns ebenfalls weiterzuentwickeln. VFX bietet grenzenlose Möglichkeiten, von der Korrektur von Unvollkommenheiten am Set bis hin zur Erschaffung völlig neuer Welten, die bisher nicht in bewegten Bildern festgehalten werden konnten.

Inwiefern hilft Ihnen Ihr Fachwissen im Bereich Grafikdesign in der Vorproduktions- und Postproduktionsphase des Filmemachens?

Die Möglichkeit, ein Projekt vor der Aufnahme oder Bearbeitung zu visualisieren, trägt wesentlich dazu bei, die Vision dafür zu kristallisieren. Diese Klarheit hilft mir auch dabei, effektiver mit dem Direktor und meinem Team zu kommunizieren. Mit einem Hintergrund in Grafikdesign und Zeichnen kann ich genaue Vorabvisualisierungen und Storyboards erstellen. Diese Fähigkeit ist besonders nützlich, wenn Sie Arbeiten an verschiedene Postproduktionsabteilungen übergeben, z. B. für visuelle Effekte und Farbkorrektur. Ich kann Moodboards und Designelemente erstellen, die prägnant vermitteln, was der Regisseur und ich mit dem endgültigen Film erreichen wollen.

Sie sprechen fließend Vietnamesisch und Englisch. Wie helfen Ihnen Ihre sprachlichen Fähigkeiten in der globalen Unterhaltungsbranche, insbesondere beim Schreiben von Drehbüchern und bei der Regie?

Ich hatte das Glück, in einer Umgebung aufzuwachsen, in der Englisch leicht zugänglich war. Schon in jungen Jahren wurde ich zweisprachig und verwendete in meinem täglichen Leben sowohl Englisch als auch Vietnamesisch. Diese Doppelkompetenz bot mir nicht nur mehr Möglichkeiten, sondern erleichterte mir auch die Anpassung, als ich in die Vereinigten Staaten zog.

Im Sommer 2019 hatte ich die Chance, an einem ehrgeizigen Filmprojekt namens „Impermanence“ mitzuarbeiten. Unter der Regie von Pham Gia Quy, einem in den USA lebenden vietnamesischen Freund, zielte der Film darauf ab, unsere amerikanischen Kollegen mit der vietnamesischen Kultur vertraut zu machen. Das Drehbuch war vollständig auf Vietnamesisch und voller Stunts und Choreografien. Eine meiner Aufgaben am Set bestand darin, als Übersetzerin zu fungieren und die Kommunikation zwischen den englischsprachigen und vietnamesischsprachigen Mitgliedern der Besetzung und Crew zu erleichtern. Dies erforderte viel Liebe zum Detail und die Fähigkeit, in beiden Sprachen schnell zu denken.

Nachdem die Dreharbeiten abgeschlossen waren, kehrte ich in die USA zurück, um die Rolle des Redakteurs zu übernehmen. Als einziger vietnamesischer Sprecher im Postproduktionsteam war ich dafür verantwortlich, dass die Essenz des Drehbuchs im endgültigen Schnitt erhalten blieb. Für mich war es von entscheidender Bedeutung, die Nuancen der Geschichte effektiv an andere Postproduktionsabteilungen zu kommunizieren. Letztendlich wurde „Impermanence“ von unserem mehrsprachigen Team erfolgreich fertiggestellt und beim WorldFest Houston International Film Festival mit einem Gold Remi Award ausgezeichnet. Außerdem erhielt er beim Prager Internationalen Filmfestival eine Nominierung als bester junger Filmemacher.

Anpassungsfähigkeit an unterschiedliche Filmkulturen ist eine seltene Eigenschaft. Können Sie von einer Erfahrung erzählen, bei der Ihre Anpassungsfähigkeit entscheidend für den Erfolg des Projekts war?

Im Dezember 2021 reiste ich nach Indien, um einen kurzen Action-Thriller namens „Maayanagri“ zu drehen. Bei meiner Ankunft stieß ich auf eine Sprachbarriere: Ich sprach kein Hindi, hatte nur drei Tage Zeit, mich vorzubereiten, und die meisten Darsteller und Crewmitglieder waren Hindi-Sprecher mit geringen bis gar keinen Englischkenntnissen. Auch das Drehbuch war komplett auf Hindi. Dies erforderte eine andere Herangehensweise an das Projekt.

Anstatt mich auf Dialoge oder traditionelle Hinweise zu verlassen, musste ich den Film auf der Grundlage von Emotionen drehen und die Gefühle der Schauspieler und den Ton der Szene intuitiv erfassen. Die Herausforderung erwies sich als lohnend; „Maayanagri“ gewann beim SCAD Savannah Film Festival 2022 einen Preis der Jury für künstlerische Exzellenz und wurde außerdem Halbfinalist beim Rhode Island International Film Festival 2022 von Flickers.

Du bist eindeutig ein Alleskönner im kreativen Bereich. Wie schaffen Sie es, in so vielen verschiedenen Bereichen kompetent zu bleiben, und welchen Nutzen bringt dieser multidisziplinäre Ansatz für Ihre Arbeit?

Ich halte mich für einen von Natur aus neugierigen Menschen, eine Eigenschaft, die mich dazu veranlasst hat, mehrere kreative Wege zu erkunden. Diese Erkundungen beginnen oft als Hobby, entwickeln sich aber bald zu Aspekten meiner Karriere. Wenn ich auf ein neues kreatives Interesse stoße, stürze ich mich kopfüber hinein und bevor ich es merke, bin ich völlig in diese Kunstform versunken. Ich glaube, dass es angesichts der sich schnell verändernden Landschaft der heutigen Kreativbranchen wichtig ist, vielseitig zu sein. Zum Glück für mich sind diese verschiedenen „Disziplinen“ nicht nur berufliche Anforderungen; Es sind meine Hobbys und Leidenschaften. Mein Schaffensdrang ist für mich von grundlegender Bedeutung und treibt alle meine künstlerischen Bemühungen an.

In der heutigen globalisierten Welt ist das Verständnis mehrerer kultureller Perspektiven von unschätzbarem Wert. Können Sie einen konkreten Fall nennen, bei dem Ihr kulturelles Bewusstsein einen erheblichen Einfluss auf ein Projekt hatte?

Ein Projekt, bei dem meine multikulturelle Perspektive entscheidend war, ist „The Promised Land“. Obwohl der Film sowohl in den USA als auch in Thailand spielt, mussten wir das gesamte Projekt aus Budgetgründen in Savannah, Georgia, drehen. Der aus Thailand stammende Regisseur und ich haben beide verstanden, wie wichtig es ist, die beiden Schauplätze überzeugend zu unterscheiden, selbst wenn in derselben Stadt gedreht wird.

Während des Produktionsprozesses beschaffte das Team thailändische Erinnerungsstücke, um die Sets zu dekorieren, und führte eine umfangreiche Standortsuche durch, um lokale Vegetation zu finden, die die südostasiatische Flora nachahmen könnte. Als Kameramann und Redakteur war es für mich wichtig, genau auf diese Details zu achten, um sowohl während der Produktion als auch in der Postproduktion eine klare Unterscheidung zwischen den beiden Einstellungen zu gewährleisten.