Die berühmtesten Gemälde von Menschen, die ein Lächeln darstellen, von renommierten Künstlern

Ein Museum ist ein geheiligter Schrein, der für jeden unwillkommen sein kann, der nicht bereit ist, die Aufrichtigkeit anzunehmen, die das Betrachten „großer Kunst“ erfordert. Es mag für viele Menschen eine beängstigende Erfahrung sein. Vielleicht strahlen die kunstvollen Marmortreppen und klassischen Säulen eine Atmosphäre prunkvoller Ernsthaftigkeit aus. Sie sehen selten ein grinsendes Gesicht, wenn Sie durch diese prächtigen Flure gehen, die von Kunstwerken umgeben sind, die Hunderte von Jahren zurückreichen.

Das breite Lächeln wurde für den größten Teil der aufgezeichneten Geschichte der Menschheit als „zutiefst unmodern“ angesehen. Es gibt jedoch viele Gemälde mit lächelnden Figuren. Schauen Sie sich einige dieser Gemälde mit lächelnden Menschen an.

Modersgladje von Anders Zorn

Dieses schöne Mutter-und-Sohn-Aquarellbild ist in Bezug auf die Handlung oder die Bedeutung seiner Farben schwer zu interpretieren. Dennoch zeichnet es sich durch den Reichtum aus, den es ausstrahlt, die Freude, die es ausstrahlt, und die Zartheit, die es vermittelt, indem es sich in einem etwas konservativen Malmedium ausdrückt. Außerdem ist Andreas Zorn Experte für königliche Malerei. So demonstriert dieses Kunstwerk bereitwillig sein Talent.

Die Einstellungen, Gesichtszüge und die fotografische Haltung der Charaktere sind einige der bemerkenswertesten Merkmale dieser berühmten Kunst der Menschen. Man muss davon ausgehen, dass die Qualität dieses Gemäldes ziemlich hoch ist. Es kann schwierig sein, sich vorzustellen, wie ein erfahrener Fotograf einen bestimmten Moment festgehalten hat, der erst seit kurzem dank Meisterfotografen einfach zu lokalisieren oder zu beobachten ist. Es ist auch erstaunlich, Maler von Zorns Kaliber zu sehen, wenn sie ihre zarten Berührungen anwenden, wie in den Augen eines Babys.

Die Verschmitztheit des Babys ist in seinem Aussehen und seinen maskulinen Gesichtszügen sichtbar, die einen Geist offenbaren, der ein wenig Aufregung um ihn herum genießt. Aufgrund der Liebe zum Detail und des Titels, der „Mutterschaft“ bedeutet, erzielt dieses hochgeschätzte Aquarellwerk einen fairen Marktpreis.

Nach landläufiger Meinung gehört das Paar auf diesem berühmten Personenbild einem schwedischen Königshaus aus dem späten 19. Jahrhundert an.

Gerrit van Honthorsts Der lustige Fiedler, 1623

Wir sind überrascht, einen Mann zu sehen, der extravagant gekleidet ist und scheinbar italienische Kleidung trägt. Er lehnt sich aus dem Fenster und kommt hinter einem Wandteppich hervor. Er bemüht sich, mit dem Publikum zu interagieren, indem er sein Glas hebt.

Honthorsts Darstellung von Menschen in einem der berühmtesten Gemälde ist so realistisch und überzeugend, dass es scheint, als hätte sich der Geiger aus dem Rahmen des Gemäldes herausgeschlichen, um sich uns anzuschließen. Gerard van Honthorsts farbenfrohes Meisterwerk von 1623 wurde vom italienischen Barockmaler Michelangelo da Caravaggio beeinflusst. Realismus, Lebendigkeit und Hell-Dunkel zeugen von Caravaggios Einfluss (dramatische Hell-Dunkel-Kontraste).

Angesichts der Tatsache, dass Van Honthorst nach einem längeren Aufenthalt in Italien, wo er mit dem neu eingeführten revolutionären Stil vertraut wurde, zurückgekehrt war, ist dies keine Überraschung. Das Bild beinhaltet auch ein starkes Bestreben, die Illusion von Tiefe zu erzeugen, die eher typisch für die nordeuropäische Tradition ist.

Van Honthorst unternahm zahlreiche Versuche, die Grenzen des zweidimensionalen Raums zu überschreiten. Er versteckte das Bild in halber Länge hinter einem Fenster oder einer anderen Struktur, um Tiefe zu implizieren. Der fröhliche Musiker taucht scheinbar aus einer Ecke des eher dunstigen Hintergrunds auf und zeigt sich uns, indem er den dicken Perserteppich wegschiebt.

Sein ausgestreckter Arm mit dem Weinglas scheint den Bildraum zu verlassen und in unseren einzudringen und lädt uns ein, mit ihm zu feiern und seiner Geige zu lauschen.

Der heilige Johannes der Täufer von Leonardo

Der Louvre in Paris beherbergt dieses Hochrenaissance-Ölgemälde von Leonardo da Vinci, Johannes dem Täufer. Durch die Verwendung der Chiaroscuro-Technik isoliert das Stück das Bild von Johannes dem Täufer und lässt es so erscheinen, als würde es aus einem dunklen Hintergrund hervortreten.

Die Heilige ähnelt Leonardos berühmter Mona Lisa, da sie Pelze trägt, langes, lockiges Haar hat und rätselhaft lächelt. Wie Saint Anne in Leonardos Burlington House Cartoon hat er ein rotes Kreuz in seiner linken Hand und hält seine rechte Handfläche zum Himmel, während er lächelt.

Kenneth Clark beobachtete das „Gefühl des Unbehagens“, das das Gemälde hervorruft, und sagte, dass Saint John für Da Vinci „das ewige Fragezeichen, die Seltsamkeit der Schöpfung“ bedeutete. Leonardo betont deutlich die Verwischung der Grenzen zwischen Geist und Fleisch. Die überaus erotisch aufgeladene Eleganz von Leonardos Figur trägt dennoch eine spirituelle Konnotation, auf die der heilige Johannes anspielt, wenn er von der Fülle der Gnade Gottes spricht.

Kerry James Marshalls A Portrait of the Artist – Shadow of His Former Self

Es ist wirklich dunkel in diesem Kunstwerk, buchstäblich. Die einzigen Merkmale, die Sie aus der Nähe deutlich sehen können, sind ein Paar Augen, ein strahlendes Lächeln mit einem abgebrochenen Zahn und ein Teil von etwas, das wie ein Hemd aussieht. In einem Meer aus Schwarz sind dies die einsamen weißen Kontraste.

Davon abgesehen ist es etwas ätherisch. Wir könnten dies möglicherweise nicht als Person identifizieren, wenn wir keinen Titel hätten, der uns leitet. Sie können anfangen, alles ein bisschen besser zu machen, wenn Sie näher und näher kommen. Wie Sie sehen können, gibt es zwei verschiedene Farben von Schwarz. Ein Mann mit Hut und Blazer über seinem weißen Hemd ist in tieferem Schwarz umrandet.

Der Hintergrund ist heller schwarz. Noch näher kann man erkennen, dass das Zahnfleisch des Mannes rosa ist. Das Bild wechselt von einer abstrakten Darstellung verschwommener menschlicher Züge zu Echos einer Person zu einem vollständigen Mann, je nachdem, wie weit Sie entfernt sind. Im Wesentlichen ist es das, was Marshall durch dieses Selbstporträt zu vermitteln versucht.

Fazit

Viele bedeutende Künstler haben dank ihrer übertriebenen Selbstporträts, die immer von einem wahnsinnigen Grinsen geprägt sind, eine blühende Karriere hinter sich. Hinter diesem eingefrorenen Lächeln verbergen sich hinter Masken tiefgreifende soziale und politische Statements. Bei aller Kritik an wunderschönen Gemälden von lächelnden Menschen wissen wir Kunstliebhaber, wie einzigartig diese lächelnden Gemälde sind.