アニタ・マニングス: ステージとその先を魅了する

公開: 2024-01-10

脚光を浴びても舞台裏でも、アニタマニングスは動きと表現の交響曲であり、パフォーマンスの厳しい要求と振付の繊細な芸術性を調和させています。映画やエンターテインメントのダイナミックな世界では、多面的なスキルセットは単なる資産ではなく、必須です。今日、業界が猛烈なペースで進化する中、ダンス、歌、演技、振り付け、教育にわたる多用途性が依然として重要です。これらの分野は相互に絡み合っており、それぞれが他方に影響を及ぼし、強化することで、アニタのような専門家を単なる参加者ではなく、舞台芸術の世界を形作る者にしています。

アニタ・マニングスの舞台芸術における旅は、印象的であると同時に多様性に富んでいます。国際的に訓練を受けた彼女のキャリアは大陸や分野に及びます。ダンサーとして、彼女のステップは物語であると同時に感情でもあります。歌手としての彼女の声は、彼女が語る物語のメロディーです。俳優として、彼女は説得力のある真実味を持ってキャラクターを体現しています。振付師として、彼女はこれらのスキルを魅力的なパフォーマンスに織り込んでいます。そして教育者として、彼女は自分の経験から得た知恵を使って次世代を形作ります。彼女の功績は、観客を魅了した初期の頃から、演劇作品での多才さとチームワークで賞賛を受けるまで、彼女のスキルと献身的な努力の証です。

チャップリンのパントスと共演した『シンデレラ』で彼女が「最優秀ボーイ・プリンシパル賞」と「最優秀劇団賞」にノミネートされたことは、単なる称賛ではなく、卓越性とコラボレーションに対する彼女の取り組みの裏付けでもあります。これらのノミネートは、彼女を導き、インスピレーションを与え、革新する能力を反映しており、彼女を劇場で著名な人物としてマークしています。一方、注目の振付師としての彼女の地位は、彼女のプロジェクトや注目すべき YouTube の特集によって強調され、彼女の影響力と創造性を強調しています。アニタの作品は、観客との対話であり、人間の感情と経験のより大きな物語のそれぞれの動きと言葉に注目します。

アニタへのインタビューでは、彼女のキャリアを特徴づける演劇の卓越性と振付のリーダーシップの領域をさらに深く掘り下げました。彼女の物語は、回復力、適応力、継続的な革新の物語です。演劇とダンスの未来を形作り続けるアニタ・マニングスは、傑出したリーダーとしてだけでなく、常に進化する舞台芸術のタペストリーの中で可能性の限界を押し上げる、インスピレーションを与える力としても立っています。

こんにちは、アニタ！本日はご一緒できて光栄です。パフォーマーと振付師としてのキャリアの二面性のバランスをどのように取っていますか?また、これらの役割はどのように影響し合い、高め合っていますか?

正直に言うと、私には段階があります。振付のキャリアに集中することもあれば、パフォーマンスに集中することもあります。これは、私の気分と、現在私の人生にどのようなプロジェクトや機会があるかによって異なります。なぜなら、私は一方の道を他方の道よりもはるかにコントロールできるからです。振付家になるには、自分で作品を作成し、率先してチャンスを自ら作り出す必要がありますが、パフォーマーになるには、最終的には誰かから仕事を与えられるのを待つ必要があります。パフォーマーとして、毎日ダンス、歌、演技のクラスでトレーニングし、素晴らしいプロの写真、ウェブサイト、優れたエージェントを持つことはできますが、結局のところ、仕事をオファーするかどうかの決定は完全に他人の手にかかっています。。多くの場合、それは才能に基づくものではなく、彼らが求めているものにあなたが適合するかどうかによって決まります。ですから、もし私が演奏家としてのキャリアの中で静かな時期を過ごしているなら、その時間を使って再び創作を始めるつもりです。そして最終的にパフォーマンスの機会が訪れたら、そこに焦点を移します。すべてはギブアンドテイクであり、自分がコントロールできるものを使って作業することです。そうすることで、力を与え、インスピレーションを得ることができます。

振付はアーティストとして自分を表現し、自分のキャリアをある程度コントロールする手段を私に与えてくれます。仕事を予約するのに苦労しているとき、他の方法で自分を創造し表現できることを思い出させることで、自信とモチベーションが再び満たされるので、これはパフォーマーとしての精神的に本当に助けになりました。さらに、パフォーマンスをしているとき、私はフォーメーションをよく理解しており、振付師の創造的なプロセスを見ることにいつも魅了されているので、創作に戻ったときに彼らのテクニックの一部を取り入れることができるかもしれません。振付師として、私はパフォーマンススキルを使ってステップで遊んでいます。悲しみ、アイコンタクト、大小のダンスなど、さまざまな感情やパフォーマンスの質をステップに追加して、振り付けがどのように変化するかを試してみることもあります。私にとって、パフォーマンスと振付の両方において、ストーリーテリングは最も重要な要素です。

チャップリン・パントス主演の『シンデレラ』で「最優秀ボーイ・プリンシパル賞」と「最優秀劇団賞」にノミネートされた役柄の経験と準備プロセスを教えていただけますか？

これらのノミネートにつながった最も重要な要素は、楽しさだったと思います。最初は、これまで男性キャラクターを演じたことがなかったので、『シンデレラ』の王子役を演じることに少し気が遠くなりました。『シンデレラ』の王子役を準備するために、監督の勧めに従ってイギリスの有名コメディグループ、モンティ・パイソンが演じるキャラクターについてリサーチし、王子は映画『聖杯』のロビン卿をベースにしました。私は王子をとても面白くて傲慢で、あまりにも傲慢なので、シンデレラよりも自分自身を愛し、彼女にはあまり興味を示さなかったのです。

そのおかげでこの役は演じるのが本当に楽しくなり、王子のばかばかしさやうぬぼれ具合で観客を笑わせるのがいつも好きでした。私はその役に本当に慣れて、キャラクターに忠実でありながらコメディの側面をどこまで押し上げることができるかを実験し始めました。さらに、キャストたちはとても仲が良くて、ステージの内外でいつも笑って冗談を言い合っていました。そのおかげで、私たちはお互いにとても安心して実験することができ、このショーを毎回違ったものにすることができました。オフステージでの僕らのケミストリーがステージ上でもお客さんに伝わったと思います！アートは遊びであり、私たちはあまり真剣に考えすぎなかったので、各シーンに厳密なルールを設ける代わりに、キャラクターを演じて、ただ自然に演技をするのが本当に楽しかったです。視聴者の方も楽しんでいただけたと思います！

優れたチームワークでノミネートされたパフォーマーとして、キャストやスタッフと協力して、一貫性のある成功した作品を作成するためのアプローチは何ですか?

前に述べたように、自分自身をあまり真剣に受け止めたり、物事がどのように「あるべき」かについて厳格なルールを設けたりしないことが重要です。アートにはルールがないので、人々の創造性を制限したり、物事は特定の方法で行われるべきであると押し付けたりし始めると、緊張が生じる可能性があります。人は毎日違う感じ方をするので、柔軟性と順応性が非常に重要です。チャップリンと一緒にツアーしていたとき、私たちは毎日違う会場にいて、毎日新しい環境に適応していました。さらに、振付師として、私はチームに敵対するのではなく、チームと協力して仕事をします。私は彼らの長所を活かして仕事をしています。なぜなら、彼らがステージ上で気分良くなって、私の作品が良く見えるようにしたいからです。それは、より賢く働くことではなく、より賢く働くことです。

また、ドラマや口論を一旦終わらせることも非常に重要だと思います。他の仕事と同じように、リハーサルのドアを通ってステージに上がるときは、議論や意見の相違はすべて残して、内心どんな感情であってもプロフェッショナルであり続けなければなりません。私は常に、「丁寧」と「プロフェッショナル」という 2 つの P を大切にしています。私はマナーを大切にしているので、たとえ誰かにイライラしていても、ショーの終わりには必ず感謝します。誠実さを維持しなければなりません。対立が生じた場合、私は決して悪態をつきませんし、できる限り自己主張をし、自分がしたことに対して責任をとろうと努めます。多くの場合、キャストと一緒に生活し、何か月も一緒に仕事をすることになりますが、ドラマは避けられないため、ドラマが発生した場合には、積極的なスキルと責任感を持っていることが必須です。

あなたが振付師として取り上げられるとき、観客を魅了するだけでなく、永続的な影響を残すダンス作品をどのように概念化して作成しますか?

安っぽく聞こえるかもしれませんが、私は常に心からの気持ちから始めます。自分が強く思ったことは、きっと他の人にも同じように感じてもらえると思うので、その気持ちを振付に込められたら、観てくださる方の心を動かす作品になればいいなと思っています。人間として、私たちはある感情を抱いているのは自分だけだと思いがちですが、それは間違いであり、自分の振り付けを披露するとき、そのことを思い出させられます。

私の最初の公式作品は、17 歳でがんで亡くなった親友についてのものでした。私はまったく期待していませんでした。自分が感じたものを振り付けして、ステージ上で披露しただけです。驚いたことに、非常に強い反響をいただきました。客席では泣いている人もいて、たくさんの応援、感動、感謝のメッセージをいただきました。それは信じられないほど感動的で、とても予想外でした。私がやったことは、自分の感じたことをダンスに落とし込んだだけでした。その瞬間から、私は常に心を込めて振り付けをしなければならないことを知っていました。なぜなら、努力しなくても最も大きな影響を与えるように見えるときだからです。

人間は、同じ人間の感情を感じたときに心を通わせることができると思います。そして、何かが偽物に感じられるときとそれが本物に感じられるときは誰でも知っています。私は常に、できるだけ正直で、できるだけ傷つきやすいように努めています。勇気を出して傷つきやすくすることで、他の人も孤独を感じなくなり、同じようにする許可が与えられるかもしれないと私は信じています。誰かが一人で何かを経験しているのを考えると耐えられません。私は振り付けを通じて人々を助けることを目的としていませんが、そうしていると言われてきました。結論として、私はただ正直に言いたいと思います。現在、世界には「偽物」がたくさんありますが、本物が希少なものになりつつあるため、人々はますます本物を高く評価するようになっていると思います。

振り付けのインスピレーションはどこから得ていますか?また、アプローチにおいて革新的で新鮮さを保つにはどうすればよいですか?

私は自分の身に起こったことや強く感じているテーマからインスピレーションを受けることが多く、時には特定の音楽が私にどのような感情をもたらすかからもインスピレーションを得ます。私は悲しみ、パリ同時多発テロ、メンタルヘルス、さらには自分の業界における拒絶や立ち直りについての作品を振付してきました。もちろん、会社やクライアントのために振り付けをする場合は、ブリーフに合わせることになりますが、自分の芸術的自由があるときは、常に自分の経験をもとにしています。

人生は常に変化し、変化球や課題を投げかけてくるので、人生にインスピレーションを得て振り付けをするとき、あなたのアイデアは常に新鮮なものになると思います。新しい章を書くか、新しいダンスを作成する必要が常にあります。自分のアプローチを革新的であり続けるために、私はショーを見に行き、トレーニングを続け、ダンスクラスやワークショップに参加し、新しいインスピレーションやテクニックを見つけ、ダンサーとしての自分のスキルを向上させ続けるために仲間のクリエイターから学び続けています。私はずっと学生のままです！

演劇パフォーマンスと振付の両方のリーダーとして、チームやキャストの他の人を指導し、鼓舞する際にどのような原則を指針としていますか?

私は、ポジティブで安全で励みになる環境を作り出すことが大切だと強く信じています。トレーニング中、私は多くのネガティブな環境にいることに気づきました。多くの厳しいコメントや批判がありましたが、それは建設的ではないことが多く、仲間間の比較や競争が奨励されました。間違いを犯したり、自分の芸術性を探求したりすることは許されないと感じたため、私は非常に緊張し、ストレスを感じるパフォーマーになりました。贔屓も多くて、ダンス作品では後ろに追いやられることも多くて、さらに自信がなくなってしまいました。私が教えたり、指導したり、振り付けをしたりする人には決してそのような思いをしてほしくありません。私は常に同僚を励まし、彼らの長所に焦点を当て、彼らを貶めるのではなく力を与えることを目指しています。私も常に正直であり続けますが、建設的な方法で話します。なぜなら、まだ取り組むべきことがあり、改善したいと思っているのに、生徒が素晴らしいと言うのは生徒にとって不公平だからです。正しい批判はあなたではなく彼らのためのものであり、彼らがより良くなってほしいからです。

ステージ上または舞台裏で、あなたのキャリアの中で特に困難な瞬間と、それをどのように克服したかについて話していただけますか?

シブル・ビレッジズで振付師兼プリンシパル・ダンサーとして働いていた頃は特に大変でした。パンデミックの最中だったので、キャストの怪我や病気、さらには人員削減のため、毎日ショーを調整しなければなりませんでした。私は 1.5 時間のショーを 3 つ振付して作成しましたが、毎週、チームに追加する必要がある新しいキャストメンバーがチームに加わり、古いキャストメンバーが怪我をしたり、病気になったり、解雇されたり、あるいは次のような理由で出演できなくなったりしていました。ストレス。振付師として、当日は頻繁にショー全体の間隔を調整したり変更したり、プロのダンサーではないチームに新しいフォーメーションを明確かつ冷静に教えなければならなかったので、非常に挑戦的な時間でした。リードダンサーとしてパフォーマンスし、パフォーマンスレベルを高い水準に維持しています。私は正直に「仕事を続ける」だけでこの問題を克服しました。ストレスを感じたりイライラしている暇はなかったので仕方がありませんでした。このような状況に陥ったときは、プロフェッショナルであり続けることと、観客と彼らが望んでいること、つまり楽しませることに集中する必要があると思います。はい、忘れられているステップもありましたし、振り付けは私が望んでいたほどきれいではありませんでしたが、観客は満足していました、そしてそれが重要でした。時間が限られている場合、詳細ではなく全体的な目標だけに集中する必要がある場合があります。

最後に、私は Siblu での仕事に感謝し続けるように努めました。パンデミックの最中にダンサー兼振付師として仕事ができ、しかも南フランスの本当に美しい地域に住んでいたことはとても幸運でした。感謝のおかげで、ある程度の視点を保つことができ、キャストと過ごす時間を楽しむこともできました。そこでいくつかの美しい思い出を作りました。

最後に、パフォーマンスと振付で確立された評判を踏まえて、今後どのようなプロジェクトや願望を目指しているのか、また自分の技術をどのように進化させ続けるつもりですか？

私はイギリスとヨーロッパで幅広く仕事をしてきましたが、次の目標はアメリカです。私の夢は、ニューヨークでパフォーマー兼振付師として働くことです。私はそこでダンスの学生として訓練を受け、ダンスコミュニティと街自体に深いインスピレーションを受けました。そこに自分の作品を持ち込む機会があればいいなと思っています。

自分の技術を進化させるには、常に学生であり続け、新しいスタイル、テクニック、イデオロギーを学ぶことにオープンでなければならないと私は信じています。私はインスピレーションを得るために、著名な振付師やクリエイターのダンスクラスに定期的に参加し、本も読みます。知識は力であり、アーティストとして私たちは常に視野を広げ、自分のアイデアに挑戦する必要があると私は心から信じています。私に深いインスピレーションを与えた数冊の本は、エリザベス・ギルバート著『ビッグ・マジック』、スティーブン・プレスフィールド著『ザ・ウォー・オブ・アート』、セス・ゴーディン著『ザ・プラクティス』です。私は今、エックハルト・トール著『The Power of Now』を読んでいますが、これはより心に焦点を当てていますが、すべてはつながっています。私の心が健康であれば、より多くの作品を創作し、自分のアートを世界と共有し続けることができます。

アニタ・マニングスのダイナミックなキャリアの探求を終えるにあたり、私たちは舞台芸術における彼女の絶え間ない情熱、回復力、多才さにインスピレーションを与えられます。魅惑的なパフォーマンスから奥深い振り付けの物語まで、アニタは常に創造性の限界を押し広げ、業界で恐るべき力であることを証明しています。彼女の旅は、アーティストや愛好家にとって同様にインスピレーションの灯台として機能し、献身と芸術的革新が変革をもたらす力を思い出させます。

読者の皆さんも、アニタの世界をさらに深く掘り下げてみませんか。彼女の旅をたどり、彼女のパフォーマンスを目撃し、彼女を舞台芸術界で傑出した人物にした芸術性に感動してください。ステージのみならずそれ以外の真のマエストロであるアニタマニングスを讃えましょう。彼の物語は、単なる成功ではなく、課題を勝利に変える芸術についてのものです。