ピアニスト、シャオヘ・リウの旅、魅惑的な演奏と国際コラボレーション

公開: 2023-07-15

今日、音楽業界は、多数のジャンル、さまざまなフォーマット、伝統的なアプローチと現代的なアプローチの融合を受け入れており、才能と革新が繁栄する活気に満ちた分野となっています。クラシック音楽は、無数の音楽表現の中でも、時代を超越した魅力、深い感情、歴史的重要性を備えた独自の地位を占めています。クラシック音楽の領域を深く掘り下げていくと、Xiaohe Liuという名前が確かに注目に値します。

Xiaohe Liu は並外れた才能を持つクラシックピアニストであり、その演奏は世界中の聴衆の共感を呼んでいます。中国で生まれたシャオヘの音楽への情熱は幼い頃から燃え上がり、数え切れないほどの名誉あるパフォーマンス、コラボレーション、賞賛を特徴とする旅へと彼を導きました。彼の音楽的才能により、アジア、ヨーロッパ、北米の輝かしい舞台で華々しく活躍し、クラシック音楽の分野で広く認知され、尊敬されています。

Xiaoheのキャリアはソロと室内楽の両方での演奏が特徴であり、音楽家としての多才さと順応性を示しています。イタリアのボルツァーノ・ボーゼン・ピアノ・フェスティバルや上海のバロック室内楽フェスティバルは、彼の音楽が響き渡った壮大な舞台のほんの一例にすぎません。感情の深さと技術的熟練度に満ちた彼の演奏は、ミュージシャン仲間の賞賛と世界中の聴衆の評価を獲得しました。

ボルツァーノ・ボーゼン・ピアノ・フェスティバルで、シャオヘはソロ・リサイタルを行い、メロディックな解釈と技術的卓越性で聴衆を魅了した。対照的に、上海のバロック室内楽フェスティバルは、アンサンブル演奏のダイナミックな世界に浸る機会を彼に提供しました。どちらの経験も、彼の芸術の幅広さと、多様な聴衆とつながる能力を示しました。

Xiaoheはソロアーティストとして成功しただけでなく、名門西安音楽院オーケストラを含むオーケストラとのコラボレーションでも優れた才能を発揮しました。これらのコラボレーションは彼の音楽の旅をさらに豊かにし、複雑な曲をナビゲートし、仲間のミュージシャンとの深いつながりを確立することを可能にしました。

最近、私たちはシャオヘ・リウにインタビューする機会に恵まれ、ソロと室内楽の演奏における彼の豊富な経験をさらに深く掘り下げました。私たちは彼の最も記憶に残る演奏、音楽解釈へのアプローチ、そして現代社会におけるクラシック音楽の役割についての彼のユニークな視点を探りました。この会話では、Xiaohe の技術への揺るぎない献身とミュージシャンとしての驚くべき旅について、興味深い洞察が得られました。
音楽が独自の生命を持ち、ピアノの鍵盤で夢が実現するこの素晴らしい会話にぜひご参加ください。

こんにちは、シャオヘさん。上海バロック室内楽祭に出演した経験について教えていただけますか？あなたにとってその経験のハイライトは何でしたか？

Xiaohe Liuのバロックフェスティバルでのパフォーマンス

上海音楽学院で開催された第 7 回バロック室内楽フェスティバルへの参加は、私の音楽キャリアと個人の成長に大きな影響を与えた、変革的な経験でした。この尊敬すべきイベントは、バロック時代の複雑な作品と歴史に基づいたパフォーマンスに焦点を当てていることで知られています。

この経験のハイライトは、間違いなく、音楽に対する共通の情熱によって団結した並外れたミュージシャンとのコラボレーションでした。このフェスティバルには、室内楽の巨匠たちが数多く集まり、マスタークラスやセミナーが開催されました。その中には、マンハッタン音楽学校を卒業し、カーネギーホールで演奏し、世界中の音楽家とコラボレーションしてきた張偉功氏や、第7回フランツ・リスト国際ピアノコンクールで金賞を受賞した孫英迪氏などの著名な人物が含まれています。

上海音楽院のピアノ教授である孫氏は、2014年に習近平国家主席やその他の訪問国の首脳のために人民大会堂で演奏するよう招待された。このフェスティバルには、著名なヴァイオリニストやチェロ奏者など、才能豊かな楽器奏者のアンサンブルも招集された。、フルート奏者、ピアニスト。これらの熟練したミュージシャンとコラボレーションし、彼らのパフォーマンスを観察することは、教育的であると同時にインスピレーションを与えてくれました。

このフェスティバルで細心の注意を払って選ばれたレパートリーには、ヨハン・ゼバスティアン・バッハ、ジョージ・フレデリック・ヘンデル、アントニオ・ヴィヴァルディなどの著名なバロック作曲家だけでなく、フランツ・シューベルトやモーツァルトなどのクラシック作曲家の作品も含まれていました。これらの傑作の複雑さを探求し、歴史に基づいた方法で表現するという挑戦と計り知れない喜びは、非常に豊かなものでした。

特に思い出に残る経験の一つは、フェスティバルの閉会式でシューベルトのピアノ三重奏曲第 1 番作品 99 D 898 を演奏したことです。私たちは公演前に、この作品について張偉崇氏が指導するいくつかのマスタークラスに参加し、コメントや提案を熟考し、実践するために 2 日間の時間が与えられました。

私たち3人は緊密に協力し、私たちの独特の声と解釈を維持しながら、シューベルトの音楽と古典派の時代を要約する完璧なサウンドを発見するために、数多くのアイデアを実験しました。マエストロの指導の下、私たちの最終的なパフォーマンスは、私たちの成長と発展を反映して顕著な改善を示しました。

イタリアのボルツァーノ・ボーゼン・ピアノ・フェスティバルでのソロ・リサイタルに向けてどのように準備しましたか? 準備の過程で直面した具体的な課題はありましたか?

イタリアのボルツァーノ・ボーゼンピアノフェスティバルでのソロリサイタルの準備は、激しくスリリングな旅でした。記憶に残るパフォーマンスを実現するために、洗練された芸術的に魅力的なプレゼンテーションを実現するために多大な時間と労力を費やしました。

最初のステップは、私の音楽的能力を際立たせるだけでなく、フェスティバルのテーマと調和するレパートリーを注意深く厳選することでした。これには、さまざまな作曲家とその作品を研究し、最終的には妙技、感情の深さ、文体の多様性を融合させたプログラムを設計するという包括的な研究が必要でした。 J.S.バッハのパルティータ第2番、F.シューベルトの放浪幻想曲、F.ショパンのスケルツォ第3番、ポロネーズ幻想曲など、選ばれた曲は数百年に及び、3つの時代をカバーしており、音楽の進化を示す素晴らしいショーケースとなっている。

準備プロセス中の特に課題の 1 つは、パフォーマンスの不安に対処することでした。初めてイタリアに旅行し、世界中から集まった巨匠の音楽家に出会うと、何もかもが慣れないものに感じられ、ストレスレベルが高まりました。このような状況下で良い演奏をするために、私は選んだ曲の技術的要件を習得することに集中しました。各曲は、複雑なパッセージ、難しい運指、複雑な音楽構造の独自のセットを提示しました。

これらの課題を克服するために、より高い精度とコントロールを目指して、スケール、アルペジオ、練習曲の練習に熱心に取り組み、技術力を高めました。さらに、数え切れないほどの時間に及ぶ練習と注意深いリスニングを通じて音楽に完全に慣れ親しんだことで、多少気が散った状況でも、プレッシャーの下でも質の高いパフォーマンスを維持することができました。

もう 1 つの課題は、技術的な精度と芸術的表現の間の適切なバランスを見つけることでした。音符を完璧に演奏するだけでなく、それぞれの曲に固有の感情的な深さと音楽性を表現することが重要でした。この探求には、さまざまな解釈の選択を行い、さまざまなフレージングやダイナミクスを試し、それぞれの作品のユニークな特徴を引き出すよう努めることが含まれていました。

最後に、さまざまなピアノに適応すること自体が課題でした。しかし、徹底した練習と柔軟性により、楽器の特有の特性に関係なく、一貫した魅力的な演奏を提供できるようになりました。

西安音楽院オーケストラなどのオーケストラとの思い出に残るコラボレーションについて教えていただけますか? 交響楽団と演奏するのはどのような感じでしたか、またそれがあなたの音楽表現をどのように高めましたか?

Xiaohe Liuと西安音楽院管弦楽団の共演

交響楽団と共演するという経験は比類のないものです。音楽表現を高め、演奏に深みを与えます。西安音楽院管弦楽団とのコラボレーションは、私の芸術性と完全な交響楽アンサンブルの総合的な輝きと豊かさを組み合わせることができる素晴らしい機会でした。このオーケストラは高度に熟練した音楽家で構成されており、強固な基盤と鮮やかな色彩のスペクトルを提供し、私の音楽解釈を際立たせてくれました。

交響楽団の演奏に参加することは、インスピレーションを与えると同時に謙虚な気持ちになります。指揮者の隣に座ったとき、音の大きさ、アンサンブルの正確な同期性、明白なエネルギーが、言葉の明瞭さを超えた体験を生み出しました。

オーケストラと演奏する際の主な課題の 1 つは、特にピアノ協奏曲の場合、ピアニストが果たす重要な役割です。エラーや矛盾があると、オーケストラに混乱が生じ、混乱が生じる可能性があります。指揮者と仲間の音楽家の団結した努力に敬意を表するには、ショパンのピアノ協奏曲第１番を細心の注意を払って準備することが私にとって不可欠でした。

この準備は自分のパートを暗記するだけではなく、曲の各セクションでオーケストラがいつ入ったり出たりするのかを正確に理解することも必要でした。さらに、私の解釈を指揮者のビジョンと一致させることが極めて重要でした。このパフォーマンスの協力的な性質により、共通の音楽的目標に向かって進んでいく中で、相互の信頼と敬意の感覚が育まれました。

西安音楽院管弦楽団との演奏で最も注目すべき点の一つは、ピアノ協奏曲中の音楽的な対話でした。ピアノとオーケストラのさまざまなセクションの間の相互作用は、それぞれが互いの音楽的アイデアに応答し、それを基礎にして構築され、計り知れない喜びとインスピレーションの源でした。弦楽器、金管楽器、木管楽器のメロディーとピアノの声が絡み合い、爽快かつ深い感動をもたらす複雑な音のタペストリーを生み出しました。

さらに、交響楽団でのこの経験は私の音楽的視野を広げました。これにより、オーケストレーションの微妙なニュアンス、声の微妙なバランス、そして個々の貢献を調和のとれた全体にブレンドする技術を理解することができました。この出会いにより、オーケストラのレパートリーへの理解が深まり、音楽的感性が大きく豊かになりました。

室内楽の演奏中に演奏したレパートリーについて説明していただけますか? 室内楽に惹かれた理由は何ですか?また、ソリストとして演奏することとどう違うのですか?

2023 コンサートアーティスト国際コンクール

2016年西安音楽学院ピアノ芸術祭のオープニングコンサートで演奏した経験を教えてください。このような名誉あるイベントに参加してどう感じましたか?また、あなたのパフォーマンスに対する聴衆の反応はどうでしたか?

西安国際ピアノ芸術祭での演奏への招待は私にとって光栄であり、刺激的な経験でした。ピアニストであれば誰もが証言するように、このような名誉あるイベントへの参加は、中国の芸術界における重要なマイルストーンを意味します。

西安芸術センターのような評判の高い大規模な会場で演奏したり、世界中の著名な音楽家が指揮するマスタークラスに参加したりすることは、成長、学習、ネットワーキングのための貴重な機会を提供しました。このフェスティバルには、中国音楽家協会ピアノ協会会長のイン・ウー氏をはじめ、ダン・シャオイー、ウー・ユンジエ、ウェイ・ダンウェンなどの著名人を含む世界クラスの音楽家が揃った。

このような名誉あるイベントに参加することは、自分のスキルを磨き、新しい学習経験を吸収することができた光栄なことでした。聴衆は信じられないほど温かく、受け入れてくれました。彼らの拍手と評価は私の自信を高め、私の絶え間ない熟練の追求と音楽への取り組みが評価され、評価されていることを確認しました。

当然のことながら、このような注目度の高いイベントでパフォーマンスを行うには、特有の緊張が伴います。潜在的な間違いや事故に対する恐怖が常に心の片隅にあります。しかし、パフォーマンスは素晴らしく、観客からも温かく迎えられ、とてもうれしく思いました。

フェスティバルのハイライトの 1 つは、シャオイーダン氏が指揮するマスタークラスに参加したことです。このクラスは、貴重な洞察とフィードバックを得る機会を提供し、フェスティバルでの全体的な経験を豊かにしました。この名誉あるイベントに参加できたことは本当に特別で、私の音楽の旅への献身をさらに強化するのに役立ちました。

アジア、ヨーロッパ、北米のさまざまな国でパフォーマンスを行った際、観客の関与における文化の違いに気づきましたか? これらの違いにどのように適応しましたか?また、それらはあなたのパフォーマンススタイルに影響を与えましたか?

クラシック音楽は、他の芸術と同様に、独特の文化的重要性を持ち、さまざまな地域にわたる明確な歴史的発展を体現しています。こうした地域格差は、音楽に対する聴衆の態度とその評価を形作る上で重要な役割を果たしています。それぞれの地域にはライブパフォーマンスに対する独自の規範、期待、反応があり、それらは常に私の演奏スタイルやレパートリーの選択に影響を与えます。

アジア、特に中国のような国では、観客はパフォーマンス中により控えめで注意深い傾向があります。彼らはアーティストへの敬意と集中して聴く文化を強調しています。リサイタル中は曲間の拍手は控えめになるかもしれませんが、技術的な熟練度に焦点を当てた鑑賞が深く感じられます。

それどころか、ヨーロッパの聴衆はクラシック音楽鑑賞の豊かな文化遺産を実証することがよくあります。クラシック音楽がその文化に深く根ざした起源を持っていることを考えると、聴衆はそのレパートリーに知識があり、情熱を持っています。彼らの熱心な取り組みは、頻繁に行われる熱狂的な拍手や声高な感謝の表現からも明らかです。ヨーロッパの聴衆はクラシック音楽のニュアンスに精通していることが多く、提示される解釈や音楽性に積極的に反応します。

北米のコンサート文化は活気に満ちており、多様性に富んでいます。ここの聴衆は、拍手や声の反応を通じて熱意と感謝の気持ちをより積極的に表現する傾向があります。この雰囲気は、多くの場合、パフォーマーと観客の間に、より非公式でインタラクティブなつながりの感覚を育みます。また、より自由な解釈がより受け入れられるようです。

こうした文化の違いは、私の演奏スタイルに微妙に影響を与えています。たとえば、聴衆がより控えめな地域では、音楽が独自の表現でコミュニケーションできるように、繊細さや感情的なニュアンスを伝えることに重点を置くかもしれません。一方、より表現力豊かな聴衆がいる地域では、ダイナミックなコントラストを強調し、リスナーとより直接的なコミュニケーションを図るかもしれません。最終的に、私の目標は、自分の芸術的解釈に忠実でありながら、それぞれの特定の地域の文化的規範にも対応することのバランスを取ることです。

ソロ演奏中に作曲家の意図の解釈と自分自身の芸術的表現を加えるバランスをとるためのアプローチは何ですか? 自分の解釈が聴衆の共感を呼ぶようにするにはどうすればよいですか?

作曲家の意図を尊重することと、個人の創造性を表現することとの間のバランスを取ることは、まさに芸術を表します。作曲家の本来のビジョンを尊重しながらも、音楽を個人的な表現のパイプとして機能させることが重要です。

このバランスを達成するための私の最初のステップは、構成の包括的な研究を行うことです。これには、その歴史的背景を研究し、作曲家の人生と影響を理解し、その曲が作曲された時代に流行していた音楽スタイルに慣れることが含まれます。この理解により、作曲家の意図や音楽を通して伝えようとしたメッセージを理解することができます。

この研究段階の後、私は音楽を深く内面化し、曲の感情的な内容と結びつき、その根底にある物語を特定し、スコアの表現の可能性を受け入れます。このプロセスにより、私は音楽と感情的につながり、個人的な関係を築くことができます。

作曲家の意図を尊重しながらも、私なりの解釈を音楽に落とし込むよう努めています。これには、フレージング、ダイナミクス、テンポのさまざまな可能性を探求し、さまざまなニュアンスや色を試して、私のユニークな音楽の声を引き出すことが含まれます。この探求により、音楽との個人的なつながりが促進され、私の感情的な旅を聴衆に伝えることができます。ただし、これらの個人的な表現や芸術的な選択は、常にスコアにすでに存在しているものから生じます。たとえば、曲のハーモニーが明らかに暗い色を帯びている場合、私はよりソフトなタッチで演奏したり、低音を強調したりすることを選択して、作曲家の意図に沿った解釈を行うことがあります。

ミュージシャン仲間やマスターからのフィードバックも、私の解釈を洗練させる上で重要な役割を果たします。特定の作品についてより深く理解している人もおり、その洞察は非常に貴重であることがわかります。かなりの数のリスナーが、私の解釈が当初の意図から大きく逸脱しすぎている、または個人的なセンスに欠けていると示唆した場合、私は自分のアプローチを再評価して調整する用意があります。

最終的には、作曲家の意図を尊重し尊重しながら、個人的なタッチを加えて音楽を強化し、それを私独自のものにすることが目的です。それは確かに微妙なバランスですが、それを達成することで、深い意味のある魅力的なパフォーマンスが得られます。

特に難しい音楽作品に直面した例と、その困難をどのように克服したかについて教えていただけますか? 学習プロセスにどのように取り組み、確実に成果を上げましたか?

挑戦的な側面を持たない音楽はないので、これは実に興味深い質問です。作曲が簡単で、最初の試行で完璧に演奏できるという考えは誤解です。最もシンプルに見える作品にも、挑戦的な要素が含まれていることがよくあります。各作品、各作曲家は、独自の一連の課題を提示します。

ある作曲家のサウンドと他の作曲家のサウンドの違いは何なのか、よく考えてみます。これらの違いは本質的に音楽的なものですか、それとも技術的なものですか? したがって、音楽的または技術的な問題に直面したとき、私の最初のステップは常に作曲家を調べることです。次に、難しいパッセージをマスターするための重要なツールとして繰り返しを使用して、ゆっくりと注意を払った練習に取り組みます。

課題が音楽面にある場合は、その作品を声に出して、さまざまな演奏家によるさまざまな解釈を探求します。この演習により、作品を解釈するための可能性の範囲を理解することができ、作品に対する独自の解釈を発展させるのに役立ちます。

次に、フレージング、ダイナミクス、テンポなどの要素を含めて、曲をどのように形成するかについての計画を作成します。この計画を完成させたら、楽譜に注釈を付けて、曲を演奏するたびに覚えて一貫性を維持できるようにします。

音楽を演奏するということは単に演奏するという行為だけではありません。また、音楽をどのように鳴らしたいのか、そしてその望ましいサウンドをどのように達成するのかを徹底的に研究し、探求することも必要です。作品におけるすべての課題は、ミュージシャンとしての私の成長と発展を助ける新しい学習の機会です。