Anita Mannings: cautivando el escenario y más allá

En el centro de atención y detrás de escena, Anita Mannings es una sinfonía de movimiento y expresión, que armoniza las rigurosas exigencias de la interpretación con el delicado arte de la coreografía. En el dinámico mundo del cine y el entretenimiento, un conjunto de habilidades multifacéticas no es sólo una ventaja sino una necesidad. Hoy en día, a medida que la industria evoluciona a un ritmo vertiginoso, la versatilidad en el baile, el canto, la actuación, la coreografía y la educación sigue siendo crucial. Estas disciplinas están entrelazadas, cada una se alimenta y mejora la otra, lo que convierte a profesionales como Anita no sólo en participantes sino en modeladores del panorama de las artes escénicas.

El viaje de Anita Mannings a través de las artes escénicas es tan diverso como impresionante. Formada internacionalmente, su carrera abarca continentes y disciplinas. Como bailarina, sus pasos son a la vez narrativa y emoción; como cantante, su voz es la melodía de las historias que cuenta; como actriz, encarna personajes con una autenticidad convincente; como coreógrafa, entrelaza estas habilidades en actuaciones cautivadoras; y como educadora, moldea a la próxima generación con la sabiduría de su experiencia. Sus logros son un testimonio de su habilidad y dedicación, desde sus inicios cautivando al público hasta recibiendo elogios por su versatilidad y trabajo en equipo en producciones teatrales.

Sus nominaciones a “Mejor actor principal” y “Mejor compañía” en Cenicienta con Chaplins Pantos no son solo elogios sino afirmaciones de su compromiso con la excelencia y la colaboración. Estas nominaciones reflejan su capacidad para liderar, inspirar e innovar, convirtiéndola en una figura destacada del teatro. Mientras tanto, su condición de coreógrafa destacada, destacada por sus proyectos y una destacada función en YouTube, subraya su influencia y creatividad. El trabajo de Anita es un diálogo con su audiencia, cada movimiento y nota una palabra en una historia más amplia de emociones y experiencias humanas.

En nuestra entrevista con Anita, profundizamos en los ámbitos de la excelencia teatral y el liderazgo coreográfico que definen su carrera. Su historia es de resiliencia, adaptabilidad e innovación continua. Mientras continúa dando forma al futuro del teatro y la danza, Anita Mannings se erige no sólo como una líder distinguida sino también como una fuerza inspiradora, que traspasa los límites de lo que es posible en el tejido en constante evolución de las artes escénicas.

¡Hola Anita! Es un honor tenerte con nosotros hoy. ¿Cómo equilibras los aspectos duales de tu carrera como intérprete y coreógrafo, y cómo estos roles se influyen y mejoran mutuamente?

Sinceramente, paso por fases: a veces estoy más centrado en mi carrera coreográfica y otras en la interpretación. Esto depende de cómo me siento y qué proyectos u oportunidades hay actualmente en mi vida porque tengo mucho más control sobre un camino que sobre el otro. Ser coreógrafo implica crear tu propio trabajo, tomar iniciativa y crear tus propias oportunidades, mientras que ser intérprete implica, en última instancia, esperar a que alguien te dé un trabajo. Como intérprete, puedes formarte en clases de baile, canto, actuación todos los días, tener excelentes fotos profesionales, un sitio web y un buen agente, pero al final del día, la decisión de ofrecerte trabajo está completamente en manos de otra persona. . A menudo ni siquiera se basa en el talento sino en si encajas en lo que ellos buscan. Entonces, si estoy pasando por una etapa tranquila en mi carrera como intérprete, aprovecharé el tiempo para empezar a crear de nuevo. Luego, eventualmente, cuando se presente una oportunidad de desempeño, cambiaré mi enfoque hacia eso. Se trata de dar y recibir y trabajar con lo que puedes controlar; así es como te mantienes empoderado e inspirado.

La coreografía me da una salida para expresarme como artista y tener cierto control sobre mi carrera. Esto realmente me ha ayudado mentalmente como intérprete porque cuando tengo dificultades para conseguir trabajos, el recordatorio de que puedo crear y expresarme de otras maneras me llena de confianza y motivación. Además, cuando actúo, entiendo bien las formaciones y siempre me fascina ver el proceso creativo del coreógrafo, por lo que tal vez pueda incorporar algunas de sus técnicas cuando vuelva a crear. Como coreógrafo, utilizo mis habilidades interpretativas para jugar con pasos; Puedo experimentar agregando diferentes sentimientos o cualidades de interpretación a los pasos, como tristeza, contacto visual o baile pequeño o grande, para ver cómo cambia la coreografía. Para mí, tanto en la interpretación como en la coreografía, la narración es el elemento más importante.

¿Puedes compartir tu experiencia y tu proceso de preparación para los papeles que te llevaron a ser nominado a “Mejor actor principal” y “Mejor grupo” en Cenicienta con Chaplins Pantos?

¡Creo que el elemento más importante que llevó a estas nominaciones fue la diversión! Al principio, me sentí un poco intimidado por interpretar el papel del Príncipe en Cenicienta, ya que nunca antes había interpretado a un personaje masculino. Para prepararme para el papel del Príncipe en Cenicienta, investigué un poco sobre los personajes interpretados por el famoso grupo de comedia británico Monty Python, como me recomendó mi director, y basé al Príncipe en Sir Robin de la película "El Santo Grial". Hice al príncipe muy divertido y arrogante, tan arrogante que se amaba a sí mismo más que a Cenicienta y no estaba tan interesado en ella.

Esto hizo que el papel fuera realmente divertido de interpretar y siempre me encantó hacer reír al público por la ridiculez del Príncipe y lo engreído que era. Me sentí muy cómodo con el papel y comencé a experimentar hasta dónde podía llevar el aspecto de la comedia sin dejar de ser fiel al personaje. Además, nuestro elenco se llevaba increíblemente bien y siempre estábamos riendo y bromeando dentro y fuera del escenario. Esto nos permitió sentirnos muy cómodos unos con otros y experimentar, haciendo que este espectáculo sea diferente cada vez. ¡Creo que el público sintió nuestra química fuera del escenario en el escenario! El arte es juego, y como no nos tomamos demasiado en serio, realmente nos divertimos mucho interpretando a nuestros personajes y dejando que la actuación simplemente ocurriera en lugar de tener reglas estrictas para cada escena. ¡Creo que esto también hizo que la audiencia se divirtiera!

Como intérprete nominado por excelencia en trabajo en equipo, ¿cuál es su enfoque a la hora de colaborar con el elenco y el equipo para crear una producción cohesiva y exitosa?

Como se mencionó anteriormente, es importante no tomarse a sí mismo demasiado en serio ni tener reglas rígidas sobre cómo “deberían” ser las cosas. El arte no tiene reglas, así que cuando empiezas a intentar limitar la creatividad de las personas o imponer que las cosas deben hacerse de cierta manera, es cuando puede surgir tensión. La flexibilidad y la adaptabilidad son cruciales, ya que la gente se sentirá diferente cada día, y cuando estábamos de gira con Chaplins, estábamos en un lugar diferente cada día, adaptándonos a nuevos entornos diariamente. Además, como coreógrafo trabajo con mi equipo, no contra ellos. Trabajo en sus puntos fuertes porque quiero que se sientan bien en el escenario y que mi trabajo luzca bien; se trata de trabajar de forma más inteligente, no más intensa.

También creo que dejar cualquier drama o discusión en la puerta es muy importante. Como en cualquier trabajo, cuando cruzas la puerta del ensayo o subes al escenario, cualquier discusión o desacuerdo debe quedar atrás y debes seguir siendo profesional, sin importar lo que sientas por dentro. Siempre me dirijo a mis dos P: Cortés y Profesional. Creo firmemente en los modales, e incluso si estoy molesto con alguien, le daré las gracias al final del espectáculo. Tienes que mantener tu integridad. Si hay una confrontación, nunca juraré y seré lo más asertivo posible, tratando de rendir cuentas por cualquier cosa que haya hecho. A menudo, vives con tu elenco y trabajas con ellos durante meses y el drama es inevitable, por lo que si surge un drama, es imprescindible tener habilidades asertivas y ser responsable.

Cuando apareces como coreógrafo, ¿cómo conceptualizas y creas piezas de danza que no sólo atraigan sino que también dejen un impacto duradero en tu audiencia?

Por cursi que parezca, siempre empiezo desde mi corazón. Si siento algo fuerte por algo, creo que existe la posibilidad de que alguien más sienta lo mismo, y si puedo plasmar ese sentimiento en una coreografía, entonces espero que la pieza conmueva a las personas que la miran. Como seres humanos, a menudo creemos que somos los únicos que sentimos de cierta manera, pero estamos equivocados, y cuando muestro mi coreografía, lo recuerdo.

Mi primer artículo oficial fue sobre un amigo mío cercano que falleció de cáncer a los 17 años. No tenía expectativas; Simplemente coreografié lo que sentía y luego lo puse en escena. Para mi sorpresa, recibí una respuesta muy fuerte. La gente lloraba entre el público y recibí muchos mensajes de apoyo, inspiración y agradecimiento. Fue increíblemente conmovedor y muy inesperado; Todo lo que había hecho era poner algo que sentía en un baile. A partir de ese momento supe que siempre tenía que coreografiar desde el corazón porque era entonces cuando parecía tener mayor impacto sin siquiera intentarlo.

Creo que los humanos se conectan cuando sienten los sentimientos de otro ser humano, y todos sabemos cuándo algo se siente falso y cuándo es genuino. Siempre trato de ser lo más honesto y vulnerable posible. Creo que ser valiente y vulnerable puede permitir que otros se sientan menos solos y darles permiso para hacer lo mismo. No puedo soportar la idea de que alguien esté pasando por algo solo. Aunque no pretendo ayudar a la gente a través de mi coreografía, me han dicho que sí. Para concluir, sólo quiero ser honesto; Hay tanta “falsedad” en el mundo en este momento que creo que la gente está apreciando cada vez más la autenticidad a medida que se vuelve rara.

¿De dónde te inspiras para tu coreografía y cómo te mantienes innovador y fresco en tu enfoque?

A menudo me inspiro en cosas que me han sucedido o en temas que me interesan mucho y, a veces, en cómo me hace sentir una determinada pieza musical. He coreografiado piezas sobre el duelo, los ataques de París, la salud mental e incluso el rechazo y la resiliencia en mi propia industria. Por supuesto, si estoy coreografiando para una empresa o un cliente, entonces me adaptaré a un encargo, pero cuando tengo mi propia libertad artística, siempre aprovecharé mis propias experiencias.

Creo que cuando haces una coreografía inspirada en la vida, tus ideas siempre serán frescas porque la vida cambia constantemente y nos lanza desafíos y desafíos. ¡Siempre hay un nuevo capítulo que escribir o un nuevo baile que crear! Para seguir siendo innovador en mi enfoque, voy a ver espectáculos y sigo capacitándome y asistiendo a clases y talleres de baile, aprendiendo de compañeros creativos para seguir encontrando nueva inspiración, técnicas y mejorando mis propias habilidades como bailarina. ¡Siempre seré un estudiante!

Como líder tanto en representación teatral como en coreografía, ¿qué principios lo guían para orientar e inspirar a otros en su equipo o elenco?

Creo firmemente en la creación de un entorno positivo, seguro y alentador. Me encontré en muchos ambientes negativos mientras entrenaba; Hubo muchos comentarios y críticas duras, que a menudo no eran constructivas, y se fomentó la comparación y la competencia entre pares. Me convertí en una intérprete muy tensa y estresada porque sentía que no se me permitía cometer errores y explorar mi propio arte. También había mucho favoritismo y a menudo me ponía detrás de las piezas de baile, lo que hacía que mi confianza disminuyera aún más. Nunca quiero que nadie a quien enseño, asesoro o coreografíe se sienta así. Siempre animo a mis compañeros y me concentro en sus fortalezas, con el objetivo de empoderarlos en lugar de menospreciarlos. Siempre seré honesto también, pero de manera constructiva porque no es justo para un estudiante si le dices que es increíble cuando todavía hay cosas en las que trabajar y quiere mejorar. La crítica correcta es para ellos, no para ti, porque quieres que sean mejores.

¿Puedes hablarnos de un momento particularmente desafiante de tu carrera, ya sea en el escenario o detrás de escena, y cómo lo superaste?

Mi tiempo trabajando como coreógrafo y bailarín principal para Siblu Villages fue particularmente desafiante; Fue durante la pandemia y tuvimos que adaptar los programas todos los días debido a lesiones del elenco, enfermedades o incluso despidos. Había coreografiado y creado tres espectáculos de 1,5 horas, y cada semana, se unían al equipo nuevos miembros del elenco que necesitaban ser agregados y miembros antiguos del elenco que se lesionaban, enfermaban, eran despedidos o no podían actuar debido a estrés. Fue un momento muy desafiante porque, como coreógrafo, tuve que adaptar y cambiar el espaciamiento de espectáculos completos a menudo el día de la presentación y enseñar las nuevas formaciones de una manera clara y tranquila a mi equipo que no eran bailarines profesionales, todo mientras actuar como bailarina principal y mantener mi nivel de actuación a un alto nivel. Honestamente, superé esto simplemente “seguindo adelante con el trabajo”; No tuve otra opción ya que no había tiempo para estresarme o enojarme. Creo que cuando estás en estas situaciones, sólo tienes que concentrarte en seguir siendo profesional y en la audiencia y lo que quieren: entretenerse. Sí, hubo pasos que se olvidaron y la coreografía no fue tan limpia como me hubiera gustado, pero el público estaba contento y eso era lo importante. A veces sólo hay que centrarse en el objetivo general y no en los detalles cuando el tiempo es limitado.

Por último, traté de estar agradecido por mi trabajo en Siblu; Tuve mucha suerte de trabajar como bailarina y coreógrafa durante la pandemia y también de vivir en una zona absolutamente hermosa del sur de Francia. La gratitud me ayudó a mantener cierta perspectiva y también a disfrutar los momentos que tuve con mi elenco. Allí hice algunos recuerdos hermosos.

Por último, con su reputación establecida en interpretación y coreografía, ¿a qué proyectos o aspiraciones futuras apunta y cómo planea continuar evolucionando en su oficio?

He trabajado extensamente en el Reino Unido y Europa, y mi próximo objetivo es Estados Unidos. Mi sueño es trabajar como intérprete y coreógrafo en la ciudad de Nueva York. Me formé allí como estudiante de danza y me inspiré profundamente en la comunidad de danza y la ciudad misma. Espero tener la oportunidad de llevar mi trabajo allí.

Creo que para evolucionar tu oficio, siempre debes seguir siendo un estudiante y estar abierto a aprender nuevos estilos, técnicas e ideologías. Asisto regularmente a clases de baile con coreógrafos y creativos consagrados para mantenerme inspirada, y también leo libros. El conocimiento es poder y realmente creo que, como artistas, deberíamos expandir nuestras mentes y desafiar nuestras ideas constantemente. Algunos libros que me han inspirado profundamente son "Big Magic" de Elizabeth Gilbert, "The War of Art" de Steven Pressfield y "The Practice" de Seth Godin. Actualmente estoy leyendo “El poder del ahora” de Eckhart Tolle, que se centra más en la mente, pero todo está conectado. Si mi mente está sana, podré crear más y seguir compartiendo mi arte con el mundo.

Al concluir nuestra exploración de la dinámica carrera de Anita Mannings, nos sentimos inspirados por su incesante pasión, resiliencia y versatilidad en las artes escénicas. Desde sus cautivadoras actuaciones hasta sus profundas narrativas coreográficas, Anita ha superado constantemente los límites de la creatividad, demostrando ser una fuerza formidable en la industria. Su viaje sirve como un faro de inspiración tanto para artistas como para entusiastas, un recordatorio del poder transformador de la dedicación y la innovación artística.

Los invitamos a ustedes, nuestros lectores, a profundizar en el mundo de Anita. Sigue su viaje, presencia sus actuaciones y déjate conmover por el arte que la ha convertido en una figura destacada de las artes escénicas. Únase a nosotros para celebrar a Anita Mannings, una verdadera maestra del escenario y más allá, cuya historia no se trata solo de éxito sino también del arte de convertir los desafíos en triunfos.