Anita Mannings : captiver la scène et au-delà

Sous les projecteurs et dans les coulisses, Anita Mannings est une symphonie de mouvement et d'expression, harmonisant les exigences rigoureuses de la performance avec le talent artistique délicat de la chorégraphie. Dans le monde dynamique du cinéma et du divertissement, un ensemble de compétences aux multiples facettes n’est pas seulement un atout mais une nécessité. Aujourd’hui, alors que l’industrie évolue à un rythme effréné, la polyvalence en matière de danse, de chant, de théâtre, de chorégraphie et d’éducation reste cruciale. Ces disciplines sont étroitement liées, chacune alimentant et renforçant l’autre, faisant des professionnels comme Anita non seulement des participants mais aussi des façonneurs du paysage des arts du spectacle.

Le parcours d’Anita Mannings à travers les arts de la scène est aussi diversifié qu’impressionnant. Formée à l’international, sa carrière s’étend sur les continents et les disciplines. En tant que danseuse, ses pas sont à la fois un récit et une émotion ; en tant que chanteuse, sa voix est la mélodie des histoires qu'elle raconte ; en tant qu'actrice, elle incarne des personnages avec une authenticité convaincante ; en tant que chorégraphe, elle intègre ces compétences dans des performances captivantes ; et en tant qu'éducatrice, elle façonne la prochaine génération grâce à la sagesse de son expérience. Ses réalisations témoignent de ses compétences et de son dévouement, depuis ses débuts captivant le public jusqu'à ses éloges pour sa polyvalence et son travail d'équipe dans les productions théâtrales.

Ses nominations pour le « Meilleur garçon principal » et la « Meilleure troupe » dans Cendrillon avec Chaplins Pantos ne sont pas de simples distinctions mais des affirmations de son engagement envers l'excellence et la collaboration. Ces nominations reflètent sa capacité à diriger, à inspirer et à innover, faisant d'elle une figure éminente du théâtre. Parallèlement, son statut de chorégraphe vedette, mis en valeur par ses projets et une fonctionnalité YouTube notable, souligne son influence et sa créativité. Le travail d'Anita est un dialogue avec son public, chaque mouvement et la note d'un mot dans une histoire plus vaste d'émotion et d'expérience humaine.

Dans notre entretien avec Anita, nous avons approfondi les domaines de l’excellence théâtrale et du leadership chorégraphique qui définissent sa carrière. Son histoire est celle de la résilience, de l’adaptabilité et de l’innovation continue. Alors qu’elle continue de façonner l’avenir du théâtre et de la danse, Anita Mannings se présente non seulement comme une leader distinguée, mais aussi comme une force d’inspiration, repoussant les limites de ce qui est possible dans le paysage en constante évolution des arts du spectacle.

Bonjour Anita! C'est un honneur de vous avoir parmi nous aujourd'hui. Comment équilibrez-vous les deux aspects de votre carrière d’interprète et de chorégraphe, et comment ces rôles s’influencent-ils et se renforcent-ils mutuellement ?

Honnêtement, je passe par des phases : parfois, je suis plus concentré sur mon parcours chorégraphique et parfois sur le spectacle. Cela dépend de ce que je ressens et des projets ou opportunités qui se présentent actuellement dans ma vie, car j'ai beaucoup plus de contrôle sur un chemin que sur l'autre. Être chorégraphe implique de créer son propre travail, de prendre des initiatives et de créer ses propres opportunités, tandis qu'être interprète implique d'attendre en fin de compte que quelqu'un vous donne un travail. En tant qu'artiste, vous pouvez suivre des cours de danse, de chant et de théâtre tous les jours, avoir de superbes photos professionnelles, un site Web et un bon agent, mais en fin de compte, la décision de vous proposer du travail repose entièrement entre les mains de quelqu'un d'autre. . Souvent, ce n'est même pas basé sur le talent, mais plutôt sur la question de savoir si vous correspondez à ce qu'ils recherchent. Donc, si je traverse une période calme dans ma carrière d’interprète, j’en profiterai pour recommencer à créer. Puis finalement, lorsqu’une opportunité de performance se présente, je me concentrerai là-dessus. Il s'agit de donner et de recevoir et de travailler avec ce que vous pouvez contrôler ; c’est ainsi que vous restez autonome et inspiré.

La chorégraphie me donne un moyen de m'exprimer en tant qu'artiste et d'avoir un certain contrôle sur ma carrière. Cela m'a vraiment aidé mentalement en tant qu'interprète, car lorsque j'ai du mal à trouver un emploi, le rappel que je peux créer et m'exprimer d'autres manières me redonne confiance et motivation. De plus, lorsque je joue, j'ai une bonne compréhension des formations et je suis toujours fasciné de voir le processus créatif du chorégraphe, donc je pourrai peut-être intégrer certaines de leurs techniques lorsque je me remets à créer. En tant que chorégraphe, j'utilise mes compétences d'interprétation pour jouer avec les pas ; Je peux expérimenter en ajoutant différents sentiments ou qualités de performance aux pas, comme la tristesse, le contact visuel ou la danse petite ou grande, pour voir comment cela change la chorégraphie. Pour moi, tant dans la performance que dans la chorégraphie, la narration est l’élément le plus important.

Pouvez-vous partager votre expérience et votre processus de préparation pour les rôles qui ont conduit à vos nominations pour le « Meilleur garçon principal » et la « Meilleure troupe » dans Cendrillon avec Chaplins Pantos ?

Je pense que l’élément le plus important qui a mené à ces nominations était le plaisir ! Au début, je me sentais un peu intimidé de jouer le rôle du Prince dans Cendrillon, car je n'avais jamais joué un personnage masculin auparavant. Pour préparer le rôle du Prince dans Cendrillon, j'ai fait quelques recherches sur les personnages joués par le célèbre groupe de comédie britannique Monty Python, comme recommandé par mon réalisateur, et j'ai basé le Prince sur Sir Robin du film « Le Saint Graal ». J'ai rendu le prince très drôle et arrogant, tellement arrogant qu'il s'aimait plus que Cendrillon et ne s'intéressait pas beaucoup à elle.

Cela rendait le rôle vraiment amusant à jouer et j'ai toujours aimé faire rire le public du ridicule du prince et de sa vanité. Je me suis vraiment senti à l'aise avec le rôle et j'ai commencé à expérimenter jusqu'où je pouvais pousser l'aspect comique tout en restant fidèle au personnage. De plus, nos acteurs s’entendaient incroyablement bien et nous riions et plaisantions toujours sur scène et en dehors. Cela nous a permis d’être vraiment à l’aise les uns avec les autres et d’expérimenter, rendant ce spectacle différent à chaque fois. Je pense que notre alchimie hors scène a été ressentie sur scène par le public ! L'art est un jeu, et comme nous ne nous prenions pas trop au sérieux, nous avons vraiment pris beaucoup de plaisir à incarner nos personnages et à laisser le jeu des acteurs se dérouler au lieu d'avoir des règles strictes pour chaque scène. Je pense que cela a aussi amusé le public !

En tant qu'interprète nominé pour l'excellence du travail d'équipe, quelle est votre approche de la collaboration avec les acteurs et l'équipe pour créer une production cohérente et réussie ?

Comme mentionné précédemment, il est important de ne pas se prendre trop au sérieux ni d'avoir des règles rigides sur la façon dont les choses « devraient » se dérouler. L'art n'a pas de règles, alors quand vous commencez à essayer de limiter la créativité des gens ou d'imposer que les choses doivent être faites d'une certaine manière, c'est là que des tensions peuvent surgir. La flexibilité et l'adaptabilité sont cruciales, car les gens se sentent différents chaque jour, et lorsque nous étions en tournée avec Chaplins, nous étions dans un lieu différent chaque jour, nous adaptant quotidiennement à de nouveaux environnements. De plus, en tant que chorégraphe, je travaille avec mon équipe, pas contre elle. Je travaille sur leurs points forts parce que je veux qu'ils se sentent bien sur scène et que mon travail soit beau ; il s'agit de travailler plus intelligemment, pas plus dur.

Je pense également qu’il est très important de laisser tout drame ou dispute de côté. Comme dans tout travail, lorsque vous franchissez la porte des répétitions ou sur scène, toute dispute ou désaccord doit être laissé de côté et vous devez rester professionnel, quoi que vous ressentiez intérieurement ! Je me base toujours sur mes deux P : poli et professionnel. Je crois beaucoup aux bonnes manières, et même si je suis ennuyé par quelqu'un, je le remercierai quand même à la fin d'un spectacle. Vous devez maintenir votre intégrité. S’il y a une confrontation, je ne jurerai jamais et je serai aussi assertif que possible, en essayant d’être responsable de tout ce que j’ai pu faire. Souvent, vous vivez avec vos acteurs et travaillez avec eux pendant des mois, et le drame est inévitable. Si un drame survient, il est indispensable d'avoir des compétences affirmées et d'être responsable.

Lorsque vous êtes présenté en tant que chorégraphe, comment conceptualisez-vous et créez-vous des pièces de danse qui non seulement engagent mais laissent également un impact durable sur votre public ?

Aussi ringard que cela puisse paraître, je pars toujours de mon cœur. Si quelque chose me tient à cœur, je crois qu'il y a une chance que quelqu'un d'autre ressente la même chose, et si je peux mettre ce sentiment dans une chorégraphie, alors j'espère que la pièce émeut les gens qui la regardent. En tant qu'humains, nous pensons souvent que nous sommes les seuls à ressentir une certaine chose, mais nous avons tort, et lorsque je présente ma chorégraphie, cela me le rappelle.

Mon premier article officiel parlait d’un de mes amis proches décédé d’un cancer à 17 ans. Je n’avais aucune attente ; J'ai juste chorégraphié ce que je ressentais et je l'ai ensuite mis sur scène. À ma grande surprise, j'ai reçu une réponse très forte. Les gens pleuraient dans le public et j'ai reçu tellement de messages de soutien, d'inspiration et de remerciements. C'était incroyablement émouvant et tellement inattendu ; tout ce que j'avais fait, c'était mettre quelque chose que je ressentais dans une danse. À partir de ce moment-là, j'ai su que je devais toujours chorégraphier avec mon cœur, car c'est à ce moment-là que cela semblait avoir le plus grand impact, sans même essayer.

Je pense que les humains se connectent lorsqu'ils ressentent les sentiments d'un autre humain, et nous savons tous quand quelque chose semble faux et quand c'est authentique. J'essaie toujours d'être aussi honnête et vulnérable que possible. Je crois qu'en étant courageux et vulnérable, cela peut permettre aux autres de se sentir moins seuls et leur donner la permission de faire de même. Je ne peux pas supporter l'idée que quelqu'un traverse quelque chose seul. Même si mon objectif n'est pas d'aider les gens à travers mes chorégraphies, on me l'a dit. Pour conclure, je veux juste être honnête ; Il y a tellement de « faux » dans le monde en ce moment, je pense que les gens apprécient de plus en plus l’authenticité car elle devient rare.

D’où tirez-vous votre inspiration pour votre chorégraphie et comment restez-vous innovant et frais dans votre approche ?

Je m'inspire souvent de choses qui me sont arrivées ou de sujets qui me tiennent à cœur, et parfois de ce que me fait ressentir un certain morceau de musique. J'ai chorégraphié des pièces sur le deuil, les attentats de Paris, la santé mentale et même le rejet et la résilience dans ma propre industrie. Bien sûr, si je chorégraphie pour une compagnie ou un client, je m'adapterai alors à un brief, mais lorsque j'aurai ma propre liberté artistique, je m'inspirerai toujours de mes propres expériences.

Je pense que lorsque vous chorégraphiez en s'inspirant de la vie, vos idées seront toujours fraîches car la vie change constamment et nous lance des défis et des défis. Il y a toujours un nouveau chapitre à écrire ou une nouvelle danse à créer ! Pour rester innovante dans mon approche, je vais voir des spectacles et je continue de m'entraîner et de suivre des cours et des ateliers de danse, d'apprendre auprès d'autres créateurs pour continuer à trouver de nouvelles inspirations, de nouvelles techniques et améliorer mes propres compétences en tant que danseur. Je resterai toujours étudiant !

En tant que leader en matière de représentation théâtrale et de chorégraphie, quels principes vous guident pour encadrer et inspirer les autres membres de votre équipe ou de votre distribution ?

Je crois fermement à la création d’un environnement positif, sûr et encourageant. Je me suis retrouvé dans de nombreux environnements négatifs pendant l'entraînement ; il y a eu beaucoup de commentaires et de critiques sévères, souvent peu constructives, et la comparaison et la compétition entre pairs ont été encouragées. Je suis devenu un artiste très tendu et stressé parce que je sentais que je n'avais pas le droit de faire des erreurs et d'explorer mon propre talent artistique. Il y avait aussi beaucoup de favoritisme, et j'étais souvent mis à l'arrière des morceaux de danse, ce qui réduisait encore plus ma confiance en moi. Je ne veux jamais que quiconque à qui j’enseigne, que j’encadre ou que je chorégraphie ressente cela. J'encourage toujours mes pairs et je me concentre sur leurs points forts, dans le but de les responsabiliser au lieu de les rabaisser. Je serai toujours honnête aussi, mais de manière constructive car ce n'est pas juste envers un élève si vous lui dites qu'il est formidable alors qu'il y a encore des choses à travailler et qu'il veut s'améliorer. La critique correcte est pour eux, pas pour vous, parce que vous voulez qu'ils soient meilleurs.

Pouvez-vous nous parler d’un moment particulièrement difficile de votre carrière, que ce soit sur scène ou dans les coulisses, et de la manière dont vous l’avez surmonté ?

Mon travail en tant que chorégraphe et danseur principal pour Siblu Villages a été particulièrement difficile ; c'était pendant la pandémie, et nous avons dû adapter les émissions chaque jour en raison d'une blessure, d'une maladie ou même d'un licenciement. J'avais chorégraphié et créé trois spectacles d'une heure et demie, et chaque semaine, de nouveaux membres de la distribution rejoignaient l'équipe et devaient être ajoutés, ainsi que d'anciens membres de la distribution qui étaient blessés, tombaient malades, étaient licenciés ou incapables de jouer en raison de stresser. Ce fut une période très difficile car, en tant que chorégraphe, je devais souvent adapter et modifier l'espacement de spectacles entiers le jour même et enseigner les nouvelles formations de manière claire et calme à mon équipe qui n'était pas des danseurs professionnels, tout en jouer en tant que danseur principal et maintenir mon niveau de performance à un niveau élevé. Honnêtement, j'ai surmonté ce problème simplement en « me remettant au travail » ; Je n’avais pas le choix car je n’avais pas le temps de me stresser ou de m’énerver. Je pense que lorsque vous êtes dans ces situations, vous devez simplement vous concentrer sur votre professionnalisme, sur le public et sur ce qu'il veut : se divertir. Oui, il y a eu des étapes qui ont été oubliées et la chorégraphie n'était pas aussi nette que je l'aurais souhaité, mais le public était content, et c'était ce qui était important. Parfois, il suffit de se concentrer sur l’objectif global et non sur les détails lorsque le temps est limité.

Enfin, j'ai essayé de rester reconnaissant pour mon travail chez Siblu ; J’ai eu beaucoup de chance de travailler comme danseuse et chorégraphe pendant la pandémie et de vivre dans une région absolument magnifique du sud de la France. La gratitude m'a aidé à garder une certaine perspective et aussi à profiter des moments que j'ai passés avec mes acteurs. J'y ai fait de beaux souvenirs.

Enfin, avec votre réputation établie dans le domaine de la performance et de la chorégraphie, quels projets ou aspirations futurs visez-vous et comment comptez-vous continuer à évoluer dans votre métier ?

J'ai beaucoup travaillé au Royaume-Uni et en Europe, et mon prochain objectif est les États-Unis. Mon rêve est de travailler comme interprète et chorégraphe à New York. J'y ai suivi une formation en tant qu'étudiante en danse et j'ai été profondément inspirée par la communauté de la danse et la ville elle-même. J'espère que j'aurai l'occasion d'y apporter mon travail.

Je crois que pour faire évoluer votre métier, vous devez toujours rester étudiant et être ouvert à l'apprentissage de nouveaux styles, techniques et idéologies. Je participe régulièrement à des cours de danse avec des chorégraphes et des créatifs confirmés pour rester inspiré, et je lis également des livres. La connaissance, c'est le pouvoir, et je crois vraiment qu'en tant qu'artistes, nous devrions élargir notre esprit et remettre constamment en question nos idées. Quelques livres qui m'ont profondément inspiré sont « Big Magic » d'Elizabeth Gilbert, « The War of Art » de Steven Pressfield et « The Practice » de Seth Godin. Je lis actuellement « The Power of Now » d'Eckhart Tolle, qui est plus axé sur l'esprit, mais tout est lié. Si mon esprit est sain, je pourrai alors créer davantage et continuer à partager mon art avec le monde.

Alors que nous concluons notre exploration de la carrière dynamique d'Anita Mannings, nous sommes inspirés par sa passion incessante, sa résilience et sa polyvalence dans les arts de la scène. De ses performances captivantes à ses récits chorégraphiques profonds, Anita a constamment repoussé les limites de la créativité, se révélant être une force formidable dans l'industrie. Son parcours est une source d'inspiration pour les artistes et les passionnés, un rappel du pouvoir transformateur du dévouement et de l'innovation artistique.

Nous vous invitons, nos lecteurs, à approfondir le monde d'Anita. Suivez son parcours, assistez à ses performances et laissez-vous émouvoir par le talent artistique qui a fait d'elle une figure marquante des arts de la scène. Rejoignez-nous pour célébrer Anita Mannings, une véritable maestro de la scène et au-delà, dont l'histoire n'est pas seulement une question de succès mais aussi l'art de transformer les défis en triomphes.