La virtuose du jazz Karen Shiraishi : relier les racines classiques et les sons modernes

Dans un monde musical en constante évolution, le jazz occupe une place notable en tant que genre qui se réinvente dans le respect de son héritage. Dans ce paysage de créativité, Karen Shiraishi se démarque, incarnant l'esprit du jazz contemporain.

L’industrie musicale d’aujourd’hui est une tapisserie de genres divers, chacun contribuant au récit culturel et artistique de notre époque. Le jazz, avec ses racines profondes et sa portée étendue, reste une partie essentielle de ce récit. C'est un genre qui respecte son histoire et embrasse l'avenir, servant de plateforme d'expérimentation. Des musiciens comme Karen Shiraishi jouent un rôle important dans l’élaboration du jazz, mêlant tradition et sensibilités contemporaines.

Le parcours de Karen Shiraishi dans le jazz est remarquable. Née dans un environnement riche en musique, sa formation classique a jeté les bases de sa carrière dans le jazz. Sa transition du classique au jazz a été déclenchée par un amour pour le genre, enflammé à 14 ans en entendant le trio d'Oscar Peterson. Elle a étudié le jazz à la World Heart Beat Music Academy et à la Julian Joseph Jazz Academy, encadrée par Julian Joseph OBE et Tony Kofi.

Les résultats académiques de Shiraishi l'ont conduite au Berklee College of Music grâce à une bourse d'études complète, où elle a affiné son art auprès de professionnels du jazz tels que les maîtres de jazz de la NEA JoAnne Brackeen et Terri Lyne Carrington et le regretté grand Ralph Peterson Jr. Son séjour à Berklee comprenait la reconnaissance, comme le Countess of Munster Musical Trust Award for Jazz en 2021.

Karen s'est produite sur les scènes du monde entier, en tête d'affiche au Jazz Club de Ronnie Scott à Londres, au DC Jazz Festival et au Dizzy's Jazz Club NYC avec le GenNext Big Band de Ralph Peterson. Elle s'est produite au Festival de Jazz de Berne avec le Jazz and Gender Justice Institute de Terri Lyne Carrington, au Festival de Jazz de Novossibirsk en Russie et au Festival de Jazz de Lionel Hampton avec le Grammy Museum Collective. Elle a également enregistré avec des artistes comme Donald Harrison Jr, Herlin Riley et Shannon Powell.

Dans une récente interview, nous avons exploré l'expertise de Karen Shiraishi, son parcours artistique de la musique classique au jazz, sa passion pour la musique live et sa nature collaborative. Les contributions de Karen au jazz mettent en valeur son talent et son rôle dans l'évolution du genre. Son histoire montre le pouvoir du dévouement, de la polyvalence et de l’attrait de la musique jazz.

Allons-y directement, Karen. Pouvez-vous nous parler de votre transition de votre formation classique vers le jazz ?

J'ai commencé le piano à l'âge de trois ans et j'ai suivi une formation classique jusqu'au lycée. En grandissant, mes parents écoutaient souvent des disques de Stevie Wonder à la maison, et j'ai d'abord commencé par apprendre des chansons que j'aimais à l'oreille, juste pour m'amuser. J'ai toujours apprécié le fait de m'asseoir au piano et de comprendre comment mes chansons préférées sont construites. De cette façon, je suppose qu’on pourrait dire que j’étais préparé à l’apprentissage auditif.

Quand j’avais 14 ans, mon père m’a montré un disque d’Oscar Peterson et je suis immédiatement tombé amoureux de son jeu de piano. Il y a une intention rythmique tellement forte et captivante dans sa façon de jouer. Après avoir découvert Oscar Peterson, j'avais envie d'en apprendre davantage sur le jazz. J'ai donc fait des recherches et trouvé la World Heart Beat Music Academy. De là, j’ai découvert leur école partenaire, la Julian Joseph Jazz Academy. J'ai fréquenté les deux académies tout au long de mes études secondaires et pendant cette période, j'ai été exposé à beaucoup de musique.

Mes mentors m'ont encouragé à postuler au Berklee College of Music et j'ai eu la chance de recevoir une bourse d'études complète. À Berklee, j'ai eu l'occasion d'étudier avec des personnes comme JoAnne Brackeen, Ralph Peterson et Terri Lyne Carrington, des personnes qui ont joué aux côtés de certaines des figures les plus importantes de l'histoire du jazz.

Êtes-vous entièrement concentré sur le jazz dans votre carrière, ou avez-vous continué à explorer d’autres genres et styles ?

Quand j'étais adolescent à la World Heart Beat Music Academy, je donnais des concerts en jouant d'autres genres musicaux noirs américains. Mon apprentissage du jazz s'est toujours fait en tandem avec l'apprentissage du R&B, de la soul et du funk, donc je ne les vois pas comme des genres distincts mais comme de multiples branches du même arbre. Je ne fais pas de distinction entre les genres car ils font tous partie d'une lignée plus large et ils ont tous continué à interagir et à s'influencer les uns les autres.

Par exemple, lorsque je me suis produit au Dizzy's Jazz Club et au DC Jazz Festival aux côtés du regretté grand Ralph Peterson dans son GenNext Big Band, nous avons interprété un arrangement de «Egyptian Dune Dance» de JoAnne Brackeen. L'arrangement comprend une section rap sur une signature rythmique impaire. Interpréter une musique qui combine des influences étranges de jazz, de hip-hop et d'avant-garde m'a montré les possibilités du mélange des genres pour créer quelque chose de nouveau et d'excitant.

Maintenant que je vis à la Nouvelle-Orléans, berceau du jazz, j'ai étudié et me suis familiarisé avec d'autres branches de l'arbre musical. Dans la ville, vous pouvez entendre de la musique traditionnelle de la Nouvelle-Orléans, une fanfare, du jazz pur, du funk et de la musique folk ; chacun de ces genres a sa propre histoire et peut être classé en plusieurs sous-genres. Il y a une infinité de musiques dont on peut apprendre, et c'est en grande partie pourquoi j'ai déménagé ici. Cette ville possède une scène musicale très dynamique liée à une lignée solide.

Jouer régulièrement dans le cadre de Trumpet Mafia à la Nouvelle-Orléans a été très amusant, et j'étais très excité de me produire à leurs côtés au New Orleans Jazz and Heritage Festival. Ils viennent de remporter le Best of the Beat Award du meilleur artiste émergent du magazine Offbeat en 2017. C'est vraiment un honneur de faire partie d'un collectif primé et de se produire dans un festival aussi énorme. Notre setlist propose un mélange de morceaux de jazz, de jazz fusion, de R&B, de funk et de hip-hop. C'est probablement l'un des rares groupes de la ville où l'on peut entendre les chansons d'Andre 3000 et de Dizzy Gillespie sur le même plateau.

En dehors de cela, je maintiens également mon jeu de piano classique dans ma pratique. Je travaille actuellement sur la Sonate Pathétique n°8 en do mineur, Op 13 de Beethoven.

Quel rôle jouent vos influences dans votre travail aujourd’hui ? Êtes-vous conscient de vos influences lorsque vous organisez ou jouez en live ?

Oscar Peterson a été mon premier amour en matière de piano. Je dirais que lui, Phineas Newborn Jr, Cedar Walton et Mulgrew Miller font partie de mes influences au piano. En termes de composition, je m'inspire de Stevie Wonder et de Wayne Shorter.

Je dirais que je suis un apprenant pratique. J'aime apprendre à jouer quelque chose avant de commencer à analyser la théorie qui se cache derrière, donc j'ai l'impression d'acquérir mes influences de manière organique, par osmose. Toute la musique que j'ai entendue et jouée tout au long de ma vie a influencé mes goûts et est devenue une partie de moi.

Il a également fallu beaucoup d'écoute active et de pratique pour en arriver là, donc je dirais que je suis conscient de la façon dont je choisis mes influences, mais elles s'expriment inconsciemment dans mon improvisation et ma composition. Plus je suis exposé à la musique, plus mes goûts évolueront. C'est un processus passionnant qui dure toute la vie. C'est pourquoi c'est si amusant de parler en musique avec les aînés. Ils ont été exposés à tellement de musique et peuvent s’appuyer sur des décennies d’expérience.

Y a-t-il un aspect spécifique qui vous attire vers les performances live, que ce soit en tant qu'interprète ou membre du public ?

Ce qui m’attire à voir de la musique live, c’est de partager cette expérience avec d’autres personnes. J’aime aussi être inspiré par des artistes qui savent très bien communiquer avec le public. En tant qu'artiste, c'est toujours formidable de voir les réactions du public en temps réel. Parfois, il peut être facile de se perdre en pratiquant seul, et donc jouer du matériel en live me donne une bonne idée de si la musique est perçue comme je le souhaite.

J'ai remarqué que certains des meilleurs spectacles que j'ai vus sont ceux où les membres du public participent activement à la représentation. Je pense que les musiciens doivent toujours penser avant tout au public. J'aime le fait que chaque performance live soit différente, surtout lorsqu'il s'agit de musique qui comporte une composante d'improvisation. Il y a un certain degré d'incertitude dans la musique qui la rend excitante, et c'est ce que j'aime à la fois dans le fait de la jouer et de la voir jouée en live.

J'ai joué au Bern Jazz Festival en 2019 dans le cadre du Jazz and Gender Justice Institute de Terri Lyne Carrington. J'avais hâte d'y jouer parce que certains des meilleurs musiciens de tous les temps, comme Fats Domino, Ella Fitzgerald et BB King, s'y sont tous produits, et le festival attire plus de 30 000 personnes chaque année. J'y ai joué cinq soirs consécutifs, donc j'avais l'impression d'avoir pris un rythme soutenu et d'avoir eu l'occasion de mesurer ce à quoi la foule était le plus connectée. Un moment mémorable pour moi a été lorsqu'un soir, nous avons interprété « God Bless the Child », une belle ballade écrite par Billie Holiday, et j'ai vu un couple dans la foule s'asseoir plus près l'un de l'autre et a commencé à se tenir la main. J'adore vivre ce genre de moments.

J'ai joué au Dizzy's Club in Jazz au Lincoln Center à New York en 2019 dans le cadre du GenNext Big Band de Ralph Peterson. C'était pour la sortie de l'album du big band. Ce fut une étape importante pour moi car c'est un lieu tellement emblématique qui attire des fans de jazz très dévoués du monde entier. Partager la scène avec Ralph a été un véritable honneur.

J'aime le fait que chaque performance live soit différente, surtout lorsqu'il s'agit de musique qui comporte une composante d'improvisation. Il y a un certain degré d'incertitude dans la musique qui la rend excitante, et c'est ce que j'aime dans le fait de la jouer et de la voir en live.

À quoi ressemble une journée moyenne pour vous ? Vous travaillez souvent sur différents projets à la fois ou vous passez d'un projet à un autre ?

La plupart du temps, mon travail se déroule le soir, j'apprécie donc d'avoir ma journée libre. Je me réveille, je prends une douche, je prépare le petit-déjeuner, je lis peut-être un livre et je m'entraîne. Selon le jour, je peux sortir déjeuner avec des amis. Je dirais qu'être musicien signifie travailler sur plusieurs projets simultanément. Même si cela peut prendre beaucoup d'espace mental, j'ai la liberté de faire ce que j'aime et de travailler sur des choses qui m'intéressent personnellement.

Dans ma pratique, j'apprends la musique pour les concerts que j'ai à venir ainsi que la musique qui m'intéresse ou qui m'intéresse ou que je veux apprendre pour m'amuser simplement parce que je la trouve enrichissante. Quand je rentre de mes concerts, je prends toujours une seconde pour me détendre, et si j'ai le temps, j'aime m'étirer ou faire du yoga avant de m'endormir.

Quels sont vos artistes préférés avec lesquels collaborer ?

Quand j'étais en tête d'affiche de Ronnie Scott, j'ai eu beaucoup de plaisir à jouer avec Tony Kofi et Jas Kayser. Jas et moi avons tous deux fréquenté la World Heart Beat Music Academy et la Julian Joseph Jazz Academy lorsque nous étions adolescents. Les deux écoles sont liées. Beaucoup de mes pairs ont fréquenté les deux académies et la combinaison des deux crée vraiment un environnement propice à la création de musiciens complets. Nous y avons étudié avec certains des meilleurs musiciens de jazz du monde. Étudier avec Julian Joseph et Tony Kofi m'a vraiment aidé à développer mon jeu de piano et ma confiance en moi. Jas et moi sommes également allés à Berklee. Nous faisons tous partie d'une communauté musicale chez nous à Londres, donc c'était une vraie joie de jouer à nouveau avec eux lorsque nous nous sommes réunis pendant la pandémie.

J'ai également aimé travailler avec le Jazz and Gender Justice Institute de Terri Lyne Carrington. L'Institut célèbre la contribution des femmes au développement du jazz et vise à créer des conditions plus équitables pour tous ceux qui poursuivent une carrière dans cette forme d'art. Leur slogan est « du jazz sans patriarcat », ce qui est un concept intéressant car le jazz n’a jamais existé sans lui, et j’aime donc que l’institut s’efforce de créer un monde dans lequel il n’y a pas de patriarcat et d’imaginer à quoi ressemblerait la musique en conséquence. J'aime collaborer avec d'autres musiciennes parce que nous avons une expérience commune, il y a donc une compréhension et une empathie de base que nous avons tendance à avoir les unes envers les autres. Le Jazz and Gender Justice Institute nous offre un environnement sûr et stimulant pour créer de l'art, et ils ont un impact durable dans le domaine.

De plus, Ralph Peterson est quelqu'un que je n'oublierai jamais. J’étais très reconnaissant d’avoir pu me produire à ses côtés avant son décès en mars 2021.

Pour finir, avez-vous des projets à venir dont vous pourriez nous parler ?

Je me produis au Davenport Lounge du Ritz Carlton dans le quintette de Jeremy Davenport en tant que pianiste résident. Je travaille également sur la sortie d'un EP plus tard cette année, alors soyez à l'affût !