Kely Pinheiro : orchestrer les collaborations et faire résonner les harmonies mondiales

Dans le monde fascinant de la musique, où chaque note et chaque rythme raconte une histoire, Kely Pinheiro se distingue comme une symphonie de dévouement, de collaboration et de prouesses inégalées.

L’industrie musicale d’aujourd’hui n’est pas seulement un champ de bataille de genres et de voix ; c'est un monde labyrinthique de collaborations, d'explorations artistiques et de récits mondiaux. La numérisation et la soif de nouvelles perspectives ont engendré des opportunités pour des artistes aux multiples facettes. L’industrie défend désormais les individus qui non seulement excellent dans leur métier, mais qui rassemblent également les gens, un peu comme les cordes d’un arrangement musical complexe.

Cette toile de fond est la scène idéale pour Kely Pinheiro, un artiste dont les références vont du violoncelliste célèbre au chef d'orchestre accompli. Elle porte actuellement deux chapeaux distingués dans la comédie musicale monumentale Hadestown lors de sa tournée américaine à Broadway. Créé par Anais Mitchell et Rachel Chavkin, ce jalon historique pour les femmes dans la création musicale a remporté de nombreuses distinctions, dont 8 Tony Awards et un Grammy pour le meilleur album de théâtre musical. En tant que violoncelliste et chef d'orchestre associé, Kely joue un rôle central dans ce chef-d'œuvre théâtral.

En 2019, Kely a tourné avec Astrid S, se produisant dans des salles aussi prestigieuses que l'Opéra d'Oslo. Cette tournée a non seulement atteint un statut complet, mais a également donné lieu à une vidéo acoustique mémorable, « Trust Issues (Tour Bus Acoustic) ». Sa polyvalence brille encore davantage en tant que joueuse de session pour « Fantasia », la chanson thème du film brésilien Netflix « Diarios de Intercambio – The Secret Diary of an Exchange Student », qui a rassemblé plus de 273 000 streams sur Spotify.

Son sens de l'éducation et du mentorat trouve son expression au New Directions Cello Festival, où elle est à la fois artiste invitée et enseignante. Ici, elle se mêle à une communauté de plus de 100 violoncellistes et groupes talentueux, collaborant également avec des sommités comme Eugene Friesen et Jaques Morelembaum. Ajoutant une autre plume à sa casquette, Kely a été l'artiste principale du Ossipee Valley Music Festival dans le Maine, se produisant avec Nebulous Quartet devant un public estimé entre 1 000 et 5 000 personnes.

Dans notre interview exclusive, les collaborations de Kely se sont imposées comme des jalons extraordinaires dans son parcours. D'Astrid S à Sondre Lerche en passant par Joao Carlos Martins, elle a partagé la scène et le studio avec un panthéon de dieux de la musique. Son travail avec Eugene Friesen, notamment pour la vidéo YouTube de Berklee « Agua de Beber », met en valeur sa capacité d'adaptation et d'innovation. De plus, ses interactions avec David Lai, producteur primé aux Grammy et Emmy, affirment sa position au sein des cercles musicaux d'élite et attestent de ses compétences exceptionnelles en matière de réseautage.

Kely Pinheiro n'est pas simplement un autre nom de l'industrie musicale ; elle est un crescendo dans une symphonie de talents – un génie collaboratif qui maîtrise l'art de porter plusieurs casquettes, de violoncelliste à chef d'orchestre, d'interprète à professeur. Qu'il s'agisse d'un festival dans le Maine ou d'un spectacle à Broadway, la présence de Kely est une incarnation de compétence artistique, d'adaptabilité et d'engagement sans précédent envers son métier. En elle, nous voyons l’avenir d’une industrie musicale véritablement mondiale, collaborative et extraordinairement polyvalente.

Salut Kely ! Quels ont été les principaux enseignements de votre collaboration avec le producteur David Lai, lauréat d'un Grammy et d'un Emmy ?

Ma collaboration avec le producteur David Lai, lauréat d'un Grammy et d'un Emmy Award, a été un chapitre transformateur de mon parcours musical. Notre premier rendez-vous, lors d’un appel Zoom animé en pleine pandémie, reste gravé dans ma mémoire. Hadestown était à la recherche d'un groupe pour sa première tournée, et j'étais là, en train de discuter de musique avec David. À partir de ce moment précis, son enthousiasme pour mon travail, ses sincères encouragements et sa profonde perspicacité ont laissé entrevoir la belle collaboration qui m’attendait.

L'approche prodigieuse de David en matière de musique, combinée à son professionnalisme impeccable, m'a servi de phare de motivation. Il m'a ouvert des portes, m'a présenté certaines des sommités de l'industrie et a noué des liens avec de brillants musiciens. Cela a non seulement élargi ma vision musicale, mais m’a également constamment poussé à affiner mon talent artistique.

Un moment charnière de notre collaboration a été une séance d’écoute approfondie. Alors que je jouais certaines de mes compositions, les commentaires de David ont résonné avec clarté et profondeur, m'offrant des conseils inestimables sur l'écriture de chansons, la production et les nuances de l'industrie. Cette séance a été tout simplement révélatrice, remodelant ma philosophie musicale.

Essentiellement, mon alliance avec David Lai a été un privilège précieux. Cela a façonné ma vision artistique, m’a insufflé une confiance renouvelée et revigoré mes aspirations dans le vaste espace de la musique.

Pourriez-vous décrire votre expérience de travail avec Astrid S lors de sa tournée européenne ? Comment cette collaboration a-t-elle influencé votre perspective musicale ?

Rejoindre Astrid S lors de sa tournée européenne a été pour moi une odyssée de profonde croissance artistique. L’un des aspects les plus instructifs a été le processus de répétition. La minutie d'Astrid et de son ensemble était remarquable. Ils possédaient une capacité innée à accentuer nos forces, tout en fournissant des retours incisifs qui rehaussaient notre performance collective. Leur quête incessante de perfection a souligné l’essence de l’excellence artistique.

Cette collaboration annonçait un nouveau chapitre de mon évolution musicale. La leçon la plus cruciale a été de comprendre la dynamique complexe de l’harmonisation avec un chanteur. En ajustant la tonalité de mon violoncelle pour qu'elle se fonde avec la voix d'Astrid, j'ai découvert une synergie qui a ajouté une couche riche à notre musique.

L'ampleur de cette transformation est devenue palpable lors de notre dernier concert. Alors que je regardais la mer de visages extatiques, l’euphorie de livrer une performance impeccable m’a submergé. Les vrilles familières du doute et de l’anxiété étaient absentes, remplacées par un profond sentiment d’accomplissement. Ce voyage a non seulement perfectionné mon art, mais m'a également imprégné d'une vigueur et d'une confiance renouvelées, refaçonnant à jamais mon horizon musical.

En tant qu’artiste, quelle a été l’importance de ces collaborations dans l’élaboration de votre parcours musical et comment ont-elles influencé votre approche de votre propre musique ?

Collaborer avec des sommités comme Astrid S et le producteur David Lai, récompensé aux Grammy Awards, a catalysé des moments cruciaux dans mon évolution musicale. Ces expériences enrichissantes transcendent la simple collaboration musicale, m’introduisant dans une compréhension plus holistique de mon métier.

Être témoin de leur maîtrise a augmenté mes prouesses techniques, mais peut-être plus important encore, cela m'a permis d'acquérir une vision perspicace du paysage complexe de l'industrie. Leurs conseils m'ont incité à m'aventurer au-delà des voies conventionnelles, à défier les frontières de mon expression artistique et à accueillir une créativité audacieuse.

Leur empreinte sur mon voyage n'est pas simplement gravée dans les rythmes et les harmonies que nous avons évoqués ensemble. Grâce à leur mentorat, j'ai saisi l'essence de l'écoute active et j'ai assimilé des stratégies inestimables pour évoluer dans le monde de la musique. Leur influence a renforcé ma détermination à affirmer ma place en tant qu'artiste, garantissant que ma voix créative résonne avec clarté et respect.

Au cœur de ces expériences se trouve un zèle revigoré pour partager ma personnalité musicale distincte. Je suis maintenant ravi de parcourir des chemins intrépides dans mes efforts artistiques, insufflant à mes compositions une verve et une vision uniques. À mesure que j’avance, la sagesse et l’inspiration glanées dans ces collaborations remarquables me servent de boussole et me guident vers un avenir riche en confiance et en authenticité.

Pouvez-vous partager un cas particulier où travailler avec l’un de ces artistes renommés vous a mis au défi et comment vous avez grandi à partir de cette expérience ?

Travailler aux côtés d'Astrid S et de son équipe a présenté des défis uniques qui ont catalysé ma croissance en tant que musicienne. L'un des principaux défis était les délais serrés associés à la préparation de mes pièces, ce qui m'a poussé à trouver des moyens plus rapides et plus efficaces d'être prêt à performer. Être le seul instrument d’orchestre à cordes de l’ensemble a accru ma visibilité. Par conséquent, maintenir une intonation impeccable était essentiel pour produire un son harmonieux et captivant.

De plus, le programme de tournée exigeant, qui impliquait de voyager et de dormir dans un bus de tournée, était une expérience nouvelle pour moi. Cependant, j’ai accepté cette aventure de tout cœur, la trouvant à la fois amusante et exaltante. Cela m'a servi de leçon d'adaptabilité et m'a montré comment m'épanouir dans des environnements divers.

Dans votre collaboration avec Joao Carlos Martins, quels éléments de son style ou de son approche musicale avez-vous trouvé les plus inspirants ?

Collaborer avec Joao Carlos Martins a été une expérience transformatrice. Son style musical, empreint de sensibilité et de soin, m'a profondément marqué. Notre prestation inaugurale a été particulièrement touchante, car je me suis émerveillé devant son interprétation sincère et sa passion pour chaque note. Être témoin de son immersion totale dans la performance m'a non seulement inspiré, mais m'a également incité à élever mes propres performances live.

Au cours de notre collaboration, Joao a partagé une perspective perspicace qui me reste. Il a comparé sa vie à un mélange de discipline d'athlète et d'âme de poète. Cette philosophie faisait écho à ma philosophie musicale, soulignant l’importance à la fois du dévouement et de l’expression émotionnelle.

L'influence de Joao s'étend bien au-delà de nos coentreprises. Il a souligné l'importance d'être à l'écoute de la musique, de la laisser couler à travers vous comme si vous en étiez le conduit. Cette sagesse a profondément influencé ma création musicale, nourrissant un lien plus intime avec les pièces que je joue et favorisant mon évolution artistique. En un mot, la profondeur de l'émotion, la discipline et l'engagement inébranlable de Joao envers la musique ont façonné pour toujours ma philosophie musicale.

Vous avez travaillé avec un large éventail d’artistes et de producteurs, issus d’horizons et de genres différents. Comment adaptez-vous votre style musical à ces différentes collaborations ?

Trouver le bon équilibre et garantir qu’une collaboration reste fidèle aux deux artistes est primordial. Typiquement, ceux qui me contactent pour des collaborations apprécient déjà mon style musical. Cette familiarité engendre une confiance, me permettant de mélanger ma voix tout en respectant leur vision artistique.

Un témoignage de cette synergie est ma collaboration avec mon ami et producteur nominé aux Grammy Awards, Rodrigo Martins. Notre approche est intrinsèquement spontanée ; nous commençons les séances sans parties prédéfinies. Au fur et à mesure que la musique se déroule, Rodrigo peut vocaliser des mélodies ou élucider des textures. Ce processus organique témoigne de notre relation ; il comprend mon lexique musical, favorisant un échange fluide et vivant.

À la base, ces collaborations élargissent mes horizons créatifs. Ils me mettent au défi de transcender mes frontières et de découvrir de nouvelles facettes de mon style. En entrelaçant mon identité musicale avec divers genres, j’évolue perpétuellement, apportant un point de vue singulier qui amplifie le talent artistique commun que nous créons ensemble.

Pourriez-vous nous expliquer le processus créatif lorsque vous avez collaboré avec Eugene Friesen sur la vidéo YouTube à succès de Berklee, Agua de Beber ?

Ma collaboration avec Eugene Friesen sur la célèbre vidéo YouTube de Berklee, « Agua de Beber », était un mélange extraordinaire de créativité, de mentorat et d'adaptabilité. L’idée est née de mon aventure avec une nouvelle technique : chanter en jouant du violoncelle. Cette approche était nouvelle pour moi et pour beaucoup de mes pairs violoncellistes. La magie a commencé lors d’un cours particulier lorsque j’ai trouvé le courage de présenter mon arrangement naissant.

La réponse d'Eugène fut encourageante. Son véritable enthousiasme et ses encouragements ont alimenté en moi une nouvelle confiance. Malgré mes appréhensions initiales, il a reconnu en moi un réservoir de créativité et m'a encouragé à explorer davantage. Cela est devenu le catalyseur de l'intégration de mon arrangement avec l'ensemble Berklee World Strings, qu'Eugene dirigeait et dont j'étais membre. Alors que la vision originale était une performance live, la pandémie imprévue nous a incités à la repenser en une vidéo poignante, unissant les membres de l’ensemble au-delà des distances.

Travailler avec Eugène a été enrichissant. Notre amour mutuel pour la musique brésilienne a favorisé une connexion profonde et il a abordé notre collaboration avec humilité, réceptif à mes idées et interprétations. Ses conseils ont enrichi mon talent musical et suscité une confiance en mes capacités que je n'avais pas pleinement adoptée auparavant. Avec le recul, « Agua de Beber » illustre la beauté de la collaboration, de la résilience et de la profonde influence d’un mentor qui défend sans réserve votre potentiel.

Pour l’avenir, y a-t-il des artistes ou des entités avec lesquels vous aspirez à collaborer, et pourquoi trouvez-vous ces collaborations potentielles passionnantes ?

Un jour, j'aspire à collaborer avec des artistes comme Esperanza Spalding et Rosa Passos. J’admire profondément leur confiance inébranlable et leur immense talent. Leurs compositions convaincantes et leur style de chant authentique m'incitent à affiner mes compétences et à forger un lien émotionnel plus profond avec ma musique.

Alors que je regarde vers l’avenir, mon parcours musical prend des tournures intrigantes. Je suis en train de coproduire et de co-mixer le premier album du Nebulous Quartet – une aventure pleine d'expérimentation et d'éléments d'avant-garde. Cela promet d'être l'un des projets les plus audacieux dans lesquels je me suis lancé avec un ensemble à cordes, ponctué d'une production, d'un chant et de synergies passionnants.

Pour moi, les collaborations sont plus que de simples efforts communs ; ils sont une passerelle vers la croissance personnelle et artistique. En mêlant à d’autres artistes, j’obtiens de nouvelles perspectives et une sagesse inestimable. Je suis ancré dans la conviction que chaque artiste a une leçon unique à transmettre. Grâce à ces alliances artistiques, je me consacre à une croissance perpétuelle – musicalement et personnellement.