Maître de nombreuses toiles : le parcours pionnier de Duc Trung Ho dans la réalisation cinématographique mondiale et l'art multidisciplinaire

À une époque où la spécialisation est souvent le maître mot, Duc Trung Ho – mieux connu dans certains cercles sous le nom de Jacob Ho – se présente comme un modèle de prouesse polymathique. Son histoire défie les normes, dressant le portrait d’un créateur dont l’arsenal artistique ne connaît pas de limites.

L’industrie du cinéma et du divertissement est aujourd’hui un géant mondial, employant un large éventail de professionnels et touchant des publics aux quatre coins du monde. Avec l’avènement des technologies numériques et la demande croissante de contenus de haute qualité à forte résonance émotionnelle, la pertinence de l’industrie dans la culture contemporaine est incontestable. Cependant, il s'agit d'un domaine qui favorise généralement la spécialisation, dans lequel les individus excellent souvent dans un aspect et restent dans cette voie tout au long de leur carrière.

Entre Duc Trung Ho. Avec un CV impressionnant vantant des titres tels que multi-instrumentiste, artiste d'effets visuels, modeleur 3D et graphiste, Jacob ne correspond pas au moule typique de l'industrie. Sa réalisation la plus remarquable à ce jour est son travail en tant que monteur sur « Impermanence », un film qui a remporté un Gold Remi Award au WorldFest Houston International Film Festival, l'un des festivals de films les plus anciens et les plus indépendants d'Amérique du Nord. De plus, il a été nominé pour le meilleur jeune cinéaste au Festival international du film de Prague et a obtenu des sélections officielles dans des festivals réputés, notamment le Los Angeles Short Film Fest, le Brisbane International Film Fest, le Norwich International Film Fest, le San Jose International Film Fest et les Oscars. Festival du film HollyShorts de qualification. Ces distinctions mettent non seulement en valeur le talent exceptionnel et le potentiel d'étoile montante de M. Ho, mais soulignent également ses normes rigoureuses et son expertise en matière de montage cinématographique.

Ses prouesses cinématographiques sont tout aussi louables, en témoigne son travail sur « Maayanagri », un projet qui lui a valu une sélection demi-finaliste au Flicker Rhode Island International Film Festival. Ses compétences exceptionnelles en cinématographie lui ont permis d’articuler une narration visuelle sur une plateforme internationale.

Notre récent entretien avec Duc Trung Ho nous a permis de mieux comprendre ses talents aux multiples facettes. Jacob n'est pas simplement un cinéaste ; il est un maestro de multiples disciplines créatives, apportant une profondeur et une texture uniques à chaque projet qu'il touche. Sa maîtrise du vietnamien et de l'anglais, associée à son adaptabilité aux différentes cultures cinématographiques, font de lui un créateur véritablement international. Selon les propres mots de Jacob, son éventail de compétences agit comme un « puissant catalyseur » dans sa carrière cinématographique déjà naissante, le plaçant à part comme l'incarnation d'un professionnel créatif moderne et complet.

En résumé, Duc Trung Ho est une force avec laquelle il faut compter : une sommité aux multiples talents et multiculturelle dans une industrie qui ne peut que bénéficier de ses compétences diversifiées et de son esprit innovant. Alors que le monde du divertissement continue d’évoluer, on ne peut qu’anticiper les contributions révolutionnaires que M. Ho apportera sans aucun doute.

Merci de nous recevoir, Jacob. Vous n'êtes pas seulement un cinéaste mais un multi-instrumentiste, un artiste d'effets visuels et bien plus encore. Pouvez-vous partager un projet où ces multiples talents se sont réunis pour créer quelque chose d'unique ?

Je filme et monte la plupart des clips de mon groupe – Cham Trang. Nous opérons souvent avec un budget limité, sans accès à des équipements sophistiqués ni à un équipage expérimenté. Ces contraintes m'obligent à appliquer les compétences que j'ai perfectionnées au fil du temps. Ayant co-créé les chansons avec mes camarades du groupe, je connais intimement chaque morceau, dans chaque mesure. Cette compréhension approfondie éclaire nos séances de brainstorming, me permettant de visualiser des modifications qui correspondent à des rythmes spécifiques.

Lors de la liste des plans de ces projets, je me concentre sur l’utilisation d’éléments visuellement intéressants pour attirer l’attention. Parce que j'ai une formation en effets visuels, je sais comment créer des visuels percutants même avec nos ressources limitées. Des techniques aussi simples que cloner le chanteur principal ou synchroniser une transition vers le rythme peuvent donner vie à un clip vidéo. C'est dans ces moments, où je peux intégrer toutes mes compétences, que je crois créer mon œuvre la plus unique.

Comment votre formation en théorie musicale influence-t-elle la façon dont vous abordez le son et la musique de vos films ?

Habituellement, la partition et le son sont gérés par un département distinct et ne sont ajoutés qu'une fois le montage verrouillé. Cependant, comprendre le contexte de l'histoire et savoir où la musique sera insérée me permet de rythmer mes modifications d'une manière qui complète le travail du concepteur sonore et du compositeur. Je trouve un rythme interne dans les dialogues et les actions des personnages, les alignant pour créer un rythme inconscient.

Ma compréhension de la théorie musicale est également inestimable lorsque j'ai besoin de trouver moi-même de la musique. Connaître les composants structurels de la musique aide à effectuer des transitions fluides au sein des différents segments d'une chanson, en particulier lorsque je dois ajuster la longueur de la chanson pour qu'elle corresponde aux coupes.

En tant qu'artiste d'effets visuels et modélisateur 3D, comment ces compétences influencent-elles votre narration, notamment lorsqu'il s'agit de planter le décor ou de créer une atmosphère ?

Les effets visuels font aujourd’hui partie intégrante de l’industrie du cinéma et du divertissement. Je considère les effets visuels à la fois comme un débouché créatif pour le talent artistique et comme un outil précieux pour étendre ma narration au-delà de ce qui est réalisable avec des effets pratiques. À mesure que les industries créatives s’adaptent aux avancées technologiques, il est crucial pour nous et nos compétences d’évoluer également. Les effets visuels offrent des possibilités illimitées, depuis la correction des imperfections sur le plateau jusqu'à la création de mondes entièrement nouveaux qui ne pouvaient auparavant pas être capturés dans des images animées.

De quelle manière votre expertise en conception graphique vous aide-t-elle dans les phases de pré-production et de post-production du cinéma ?

Être capable de visualiser un projet avant le tournage ou le montage aide grandement à cristalliser la vision de celui-ci. Cette clarté m'aide également à communiquer plus efficacement avec le directeur et mon équipe. Avec une formation en graphisme et en dessin, je peux créer des prévisualisations et des storyboards précis. Cette compétence est particulièrement utile lors du transfert de tâches vers différents départements de post-production, comme les effets visuels et l'étalonnage des couleurs. Je peux créer des mood boards et des éléments de conception qui traduisent succinctement ce que le réalisateur et moi cherchons à réaliser dans le film final.

Vous parlez couramment le vietnamien et l'anglais. Comment vos capacités linguistiques vous aident-elles dans l’industrie mondiale du divertissement, en particulier dans l’écriture de scénarios et la réalisation ?

J'ai eu la chance de grandir dans un environnement où l'anglais était facilement accessible. Dès mon plus jeune âge, je suis devenue bilingue, utilisant à la fois l'anglais et le vietnamien dans ma vie quotidienne. Cette double compétence m'a non seulement offert davantage d'opportunités, mais m'a également facilité mon adaptation lorsque j'ai déménagé aux États-Unis.

À l’été 2019, j’ai eu la chance de collaborer sur un projet de film ambitieux intitulé « Impermanence ». Réalisé par Pham Gia Quy, un ami vietnamien basé aux États-Unis, le film visait à exposer nos collègues américains à la culture vietnamienne. Le scénario était entièrement en vietnamien et rempli de cascades et de chorégraphies. L’une de mes responsabilités sur le plateau était de servir de traductrice, facilitant la communication entre les membres anglophones et vietnamiens de la distribution et de l’équipe. Cela exigeait une grande attention aux détails et la capacité de penser rapidement dans les deux langues.

Une fois le tournage terminé, je suis retourné aux États-Unis pour assumer le rôle de monteur. En tant que seul locuteur vietnamien dans l'équipe de post-production, j'avais la responsabilité de veiller à ce que l'essence du scénario soit conservée dans le montage final. Il était crucial pour moi de communiquer efficacement les nuances de l’histoire aux autres services de post-production. En fin de compte, « Impermanence » a été réalisé avec succès par notre équipe multilingue et a remporté un Gold Remi Award au WorldFest Houston International Film Festival. Il a également obtenu une nomination pour le meilleur jeune cinéaste au Festival international du film de Prague.

Être adaptable à différentes cultures cinématographiques est une qualité rare. Pouvez-vous raconter une expérience où votre adaptabilité a été cruciale pour la réussite du projet ?

En décembre 2021, je me suis rendu en Inde pour tourner un court thriller d'action intitulé « Maayanagri ». À mon arrivée, j'ai été confronté à une barrière linguistique : je ne parlais pas hindi, je n'avais que trois jours pour me préparer, et la plupart des acteurs et de l'équipe étaient des locuteurs hindi avec peu ou pas de maîtrise de l'anglais. Le scénario était également entièrement en hindi. Cela a nécessité une approche différente du projet.

Au lieu de m'appuyer sur des dialogues ou des indices traditionnels, j'ai dû tourner le film en me basant sur l'émotion, en saisissant intuitivement les sentiments des acteurs et le ton de la scène. Le défi s'est avéré enrichissant ; « Maayanagri » a remporté un prix du jury pour l'excellence artistique au SCAD Savannah Film Festival 2022 et est également devenu demi-finaliste au Festival international du film de Rhode Island 2022 de Flickers.

Vous êtes clairement un touche-à-tout dans le domaine créatif. Comment parvenez-vous à rester compétent dans autant de domaines différents et comment cette approche multidisciplinaire profite-t-elle à votre travail ?

Je me considère comme une personne naturellement curieuse, un trait qui m'a poussé à explorer de multiples voies créatives. Ces explorations commencent souvent comme des passe-temps mais évoluent rapidement vers des facettes de ma carrière. Lorsque je tombe sur un nouvel intérêt créatif, je plonge tête première, et avant de m'en rendre compte, je suis complètement immergé dans cette forme d'art. Je crois qu'étant donné l'évolution rapide du paysage des industries créatives d'aujourd'hui, il est essentiel d'être polyvalent. Heureusement pour moi, ces diverses « disciplines » ne sont pas seulement des exigences professionnelles ; ce sont mes passe-temps et mes passions. Ma volonté de créer est fondamentale pour qui je suis et elle alimente toutes mes activités artistiques.

Dans le monde globalisé d’aujourd’hui, la compréhension de multiples perspectives culturelles est inestimable. Pouvez-vous partager un cas spécifique où votre conscience culturelle a eu un impact significatif sur un projet ?

Un projet où ma perspective multiculturelle a été cruciale est « La Terre Promise ». Bien que le film se déroule à la fois aux États-Unis et en Thaïlande, les contraintes budgétaires nous ont obligés à tourner l'intégralité du projet à Savannah, en Géorgie. Le réalisateur, originaire de Thaïlande, et moi-même avons compris l'importance de distinguer de manière convaincante les deux décors, même lors du tournage dans la même ville.

Au cours du processus de production, l'équipe s'est procurée des souvenirs thaïlandais pour décorer les décors et a effectué des repérages approfondis pour trouver une végétation locale qui pourrait imiter la flore d'Asie du Sud-Est. En tant que directeur de la photographie et monteur, il était essentiel pour moi de porter une attention particulière à ces détails afin de maintenir une distinction claire entre les deux décors, tant en production qu'en post-production.