Le parcours du pianiste Xiaohe Liu à travers des performances captivantes et des collaborations internationales

Aujourd’hui, l’industrie musicale englobe une multitude de genres, une gamme de formats et un mélange d’approches traditionnelles et modernes, ce qui en fait un domaine dynamique où prospèrent le talent et l’innovation. Parmi la myriade d’expressions musicales, la musique classique occupe une place unique, avec son charme intemporel, ses émotions profondes et sa signification historique. Alors que nous plongeons dans le domaine de la musique classique, le nom Xiaohe Liu frappe certainement une note.

Xiaohe Liu est une pianiste classique d'un calibre extraordinaire, dont les performances ont trouvé un écho auprès du public du monde entier. Né en Chine, la passion de Xiaohe pour la musique s'est enflammée dès son plus jeune âge, le conduisant dans un voyage marqué par d'innombrables performances, collaborations et distinctions prestigieuses. Ses prouesses musicales l'ont amené à parcourir d'illustres scènes en Asie, en Europe et en Amérique du Nord, ce qui lui a valu une large reconnaissance et un grand respect dans le domaine de la musique classique.

La carrière de Xiaohe se caractérise à la fois par des performances en solo et en musique de chambre, illustrant sa polyvalence et son adaptabilité en tant que musicien. Le Festival de piano de Bolzano Bozen en Italie et le Festival de musique de chambre baroque de Shanghai ne sont que quelques exemples des grandes scènes qui ont fait écho à sa musique. Ses performances, empreintes de profondeur émotionnelle et de maîtrise technique, lui ont valu l'admiration de ses collègues musiciens et l'appréciation du public du monde entier.

Au Festival de piano de Bolzano Bozen, Xiaohe a donné un récital solo, captivant le public par ses interprétations mélodiques et ses prouesses techniques. En revanche, le Festival de musique de chambre baroque de Shanghai lui a offert l'opportunité de s'adonner au monde dynamique des performances d'ensemble. Les deux expériences ont mis en valeur sa diversité artistique et sa capacité à se connecter avec des publics divers.

Xiaohe a non seulement prospéré en tant qu'artiste solo, mais a également excellé dans ses collaborations avec des orchestres, notamment le prestigieux orchestre du Conservatoire de Xi'an. Ces collaborations ont encore enrichi son parcours musical, lui permettant de naviguer dans des compositions complexes et d'établir un lien profond avec ses collègues musiciens.

Récemment, nous avons eu l’honneur d’interviewer Xiaohe Liu, approfondissant sa vaste expérience de soliste et de musique de chambre. Nous avons exploré ses performances les plus mémorables, son approche de l'interprétation musicale et sa perspective unique sur le rôle de la musique classique dans la société contemporaine. La conversation a offert un aperçu fascinant du dévouement indéfectible de Xiaohe à son métier et de son parcours remarquable en tant que musicien.
Rejoignez-nous dans cette conversation extraordinaire où la musique prend sa propre vie et les rêves prennent vie sur les touches d'un piano.

Bonjour Xiaohe. Pouvez-vous nous parler de votre expérience de performance au Festival de musique de chambre baroque de Shanghai ? Quel a été pour vous le point fort de cette expérience ?

Performance de Xiaohe Liu au Festival baroque

Participer au 7e Festival de musique de chambre baroque au Conservatoire de musique de Shanghai a été une expérience transformatrice qui a eu un impact profond sur ma carrière musicale et mon développement personnel. Cet événement prestigieux est célébré pour l'accent mis sur les compositions complexes de la période baroque et les performances historiquement informées.

Le point culminant de l’expérience a été sans conteste la collaboration avec des musiciens extraordinaires unis par une passion commune pour la musique. Le festival a réuni un nombre impressionnant de maîtres de musique de chambre pour animer des masterclasses et des séminaires. Parmi eux figuraient des personnalités remarquables telles que Weicong Zhang, diplômé de la Manhattan School of Music qui s'est produit au Carnegie Hall et a collaboré avec des musiciens du monde entier, et Yingdi Sun, lauréat de la médaille d'or du 7e Concours international de piano Franz Liszt.

Sun, professeur de piano au Conservatoire de musique de Shanghai, a été invité à se produire au Grand Palais du Peuple pour le président Xi Jinping et d'autres chefs d'État en visite en 2014. Le festival a également réuni un ensemble d'instrumentistes talentueux, dont des violonistes et violoncellistes célèbres. , flûtistes et pianistes. Collaborer avec ces musiciens accomplis et observer leurs performances était à la fois éducatif et inspirant.

Le répertoire méticuleusement sélectionné du festival comprenait non seulement des œuvres d'éminents compositeurs baroques tels que Johann Sebastian Bach, George Frederic Handel et Antonio Vivaldi, mais également des compositeurs classiques comme Franz Schubert et Mozart. Le défi et l'immense joie d'explorer la complexité de ces chefs-d'œuvre et de les rendre d'une manière historiquement informée ont été profondément enrichissants.

Une expérience particulièrement mémorable a été notre interprétation du Trio avec piano n° 1 op 99 D 898 de Schubert lors de la cérémonie de clôture du festival. Nous avons assisté à plusieurs masterclasses dirigées par Weicong Zhang sur cette pièce avant la représentation, ce qui nous a laissé deux jours pour réfléchir et mettre en œuvre les commentaires et suggestions.

Nous avons travaillé tous les trois en étroite collaboration, expérimentant de nombreuses idées pour découvrir le son parfait qui résume la musique de Schubert et la période classique, tout en préservant nos voix et interprétations distinctes. Sous la direction du maestro, notre performance finale a montré une amélioration notable, reflétant notre croissance et notre développement.

Comment avez-vous préparé votre récital solo au Bolzano Bozen Piano Festival en Italie ? Avez-vous rencontré des difficultés spécifiques au cours du processus de préparation ?

La préparation de mon récital solo au Bolzano Bozen Piano Festival en Italie a été un voyage intense et passionnant. Pour offrir une performance dont on se souviendra, j'ai consacré beaucoup de temps et d'efforts pour assurer une présentation raffinée et artistiquement attrayante.

La première étape consistait à sélectionner soigneusement un répertoire qui non seulement mettait en valeur mes capacités musicales mais qui s'harmonisait également avec le thème du festival. Cela a nécessité des recherches approfondies, l'étude d'une variété de compositeurs et de leurs œuvres, et finalement la conception d'un programme offrant un mélange de virtuosité, de profondeur émotionnelle et de variété stylistique. Les pièces choisies, dont la Partita n°2 de JS Bach, la Fantaisie errante de F. Schubert, le Scherzo n°3 de F. Chopin et la Fantaisie polonaise, s'étendaient sur des centaines d'années et couvraient trois périodes, offrant une excellente vitrine de l'évolution musicale.

L’un des défis particuliers au cours du processus de préparation consistait à gérer l’anxiété liée à la performance. Voyager en Italie pour la première fois et rencontrer des maîtres musiciens du monde entier m'a rendu tout inconnu, ce qui a augmenté mon niveau de stress. Pour bien performer dans ces circonstances, je me suis concentré sur la maîtrise des exigences techniques des pièces choisies. Chaque pièce présentait son ensemble unique de passages complexes, de doigtés difficiles et de structures musicales complexes.

Pour surmonter ces défis, j'ai pratiqué avec diligence des gammes, des arpèges et des études pour améliorer mes compétences techniques, dans le but d'atteindre un niveau plus élevé de précision et de contrôle. De plus, acquérir une familiarité absolue avec la musique grâce à d'innombrables heures de pratique et d'écoute attentive m'a permis de maintenir une performance de haute qualité sous pression, même dans des situations quelque peu distraites.

Un autre défi consistait à trouver le juste équilibre entre précision technique et expression artistique. Il était crucial non seulement d’exécuter les notes de manière impeccable, mais également d’exprimer la profondeur émotionnelle et la musicalité inhérentes à chaque morceau. Cette exploration impliquait de faire divers choix interprétatifs, d'expérimenter différentes formulations et dynamiques et de s'efforcer de faire ressortir le caractère unique de chaque pièce.

Enfin, s’adapter à différents pianos présentait son propre défi. Cependant, grâce à une pratique approfondie et à une certaine flexibilité, je me suis assuré de pouvoir offrir une performance cohérente et engageante quelles que soient les caractéristiques distinctes de l'instrument.

Pourriez-vous partager une collaboration mémorable que vous avez eue avec un orchestre, tel que l'orchestre du Conservatoire de Xi'an ? Comment était-ce de jouer avec un orchestre symphonique et comment cela a-t-il amélioré votre expression musicale ?

Performance de Xiaohe Liu avec l'Orchestre du Conservatoire de Xi'an

L’expérience de jouer avec un orchestre symphonique est sans précédent. Cela élève l'expression musicale et ajoute une dimension profonde à la performance de chacun. Ma collaboration avec l'Orchestre du Conservatoire de Xi'an a été une opportunité extraordinaire qui m'a permis de combiner mon talent artistique avec l'éclat collectif et la richesse d'un ensemble symphonique complet. Cet orchestre, composé de musiciens hautement qualifiés, a fourni une base solide et un spectre de couleurs vibrantes qui ont accentué mon interprétation musicale.

Faire partie d’un spectacle d’orchestre symphonique est à la fois inspirant et humiliant. Alors que j'étais assis à côté du chef d'orchestre, l'énormité du son, la synchronicité précise de l'ensemble et l'énergie palpable ont créé une expérience au-delà de l'articulation verbale.

L’un des principaux défis de jouer avec un orchestre, en particulier dans le contexte d’un concerto pour piano, est le rôle essentiel que joue le pianiste. Toute erreur ou divergence peut potentiellement perturber l’orchestre et entraîner une confusion. Pour honorer les efforts collectifs du chef d'orchestre et de ses collègues musiciens, il était essentiel pour moi de préparer méticuleusement le Concerto pour piano n°1 de Chopin.

Cette préparation ne se limitait pas à mémoriser ma partie mais aussi à comprendre précisément quand l'orchestre entre et sort dans chaque section de la pièce. De plus, aligner mon interprétation sur la vision du chef d’orchestre était essentiel. Cette nature collaborative du spectacle a favorisé un sentiment de confiance et de respect mutuels alors que nous naviguions vers un objectif musical commun.

L'un des aspects les plus remarquables de la prestation avec l'Orchestre du Conservatoire de Xi'an a été le dialogue musical pendant le concerto pour piano. L'interaction entre le piano et les différentes sections de l'orchestre, chacune répondant et s'appuyant sur les idées musicales de l'autre, a été une source d'immense joie et d'inspiration. Les mélodies entrelacées des cordes, des cuivres et des bois avec la voix du piano ont créé une tapisserie sonore complexe, exaltante et profondément émouvante.

De plus, cette expérience avec l'orchestre symphonique a élargi ma perspective musicale. Cela m'a permis de comprendre les nuances de l'orchestration, l'équilibre délicat des voix et l'art de fondre les contributions individuelles dans un tout harmonieux. Cette rencontre a approfondi ma compréhension du répertoire orchestral et enrichi grandement ma sensibilité musicale.

Pouvez-vous décrire le répertoire que vous avez interprété lors de vos prestations de musique de chambre ? Qu’est-ce qui vous a attiré vers la musique de chambre et en quoi diffère-t-elle du jeu en tant que soliste ?

Concours International d’Artistes Concertistes 2023

L’expérience de jouer avec un orchestre symphonique est sans précédent. Cela élève l'expression musicale et ajoute une dimension profonde à la performance de chacun. Ma collaboration avec l'Orchestre du Conservatoire de Xi'an a été une opportunité extraordinaire qui m'a permis de combiner mon talent artistique avec l'éclat collectif et la richesse d'un ensemble symphonique complet. Cet orchestre, composé de musiciens hautement qualifiés, a fourni une base solide et un spectre de couleurs vibrantes qui ont accentué mon interprétation musicale.

Faire partie d’un spectacle d’orchestre symphonique est à la fois inspirant et humiliant. Alors que j'étais assis à côté du chef d'orchestre, l'énormité du son, la synchronicité précise de l'ensemble et l'énergie palpable ont créé une expérience au-delà de l'articulation verbale.

L’un des principaux défis de jouer avec un orchestre, en particulier dans le contexte d’un concerto pour piano, est le rôle essentiel que joue le pianiste. Toute erreur ou divergence peut potentiellement perturber l’orchestre et entraîner une confusion. Pour honorer les efforts collectifs du chef d'orchestre et de ses collègues musiciens, il était essentiel pour moi de préparer méticuleusement le Concerto pour piano n°1 de Chopin.

Cette préparation ne se limitait pas à mémoriser ma partie mais aussi à comprendre précisément quand l'orchestre entre et sort dans chaque section de la pièce. De plus, aligner mon interprétation sur la vision du chef d’orchestre était essentiel. Cette nature collaborative du spectacle a favorisé un sentiment de confiance et de respect mutuels alors que nous naviguions vers un objectif musical commun.

L'un des aspects les plus remarquables de la prestation avec l'Orchestre du Conservatoire de Xi'an a été le dialogue musical pendant le concerto pour piano. L'interaction entre le piano et les différentes sections de l'orchestre, chacune répondant et s'appuyant sur les idées musicales de l'autre, a été une source d'immense joie et d'inspiration. Les mélodies entrelacées des cordes, des cuivres et des bois avec la voix du piano ont créé une tapisserie sonore complexe, exaltante et profondément émouvante.

De plus, cette expérience avec l'orchestre symphonique a élargi ma perspective musicale. Cela m'a permis de comprendre les nuances de l'orchestration, l'équilibre délicat des voix et l'art de fondre les contributions individuelles dans un tout harmonieux. Cette rencontre a approfondi ma compréhension du répertoire orchestral et enrichi grandement ma sensibilité musicale.

Partagez avec nous votre expérience lors du concert d'ouverture du Festival d'art du piano du Conservatoire de musique de Xi'an 2016. Qu’avez-vous ressenti en participant à un événement aussi prestigieux et comment le public a-t-il réagi à votre performance ?

L'invitation à me produire au Festival international d'art du piano de Xi'an a été pour moi un honneur et une expérience exaltante. Comme tout pianiste le dira, participer à un événement aussi prestigieux représente une étape importante dans le paysage artistique chinois.

Se produire dans de grandes salles réputées comme le Centre artistique de Xi'an et participer à des masterclasses dirigées par des musiciens de renom du monde entier ont fourni des opportunités inestimables de croissance, d'apprentissage et de réseautage. Le festival comptait une programmation de musiciens de classe mondiale, dont Ying Wu, président de la Société de piano de la Société des musiciens chinois, et d'autres sommités telles que Shaoyi Dan, Yunjie Wu et Danwen Wei.

Participer à un événement aussi prestigieux a été un honneur qui m'a permis d'affiner mes compétences et d'absorber de nouvelles expériences d'apprentissage. Le public était incroyablement chaleureux et réceptif. Leurs applaudissements et leur reconnaissance ont renforcé ma confiance, affirmant que ma quête incessante de maîtrise et mon engagement envers la musique étaient appréciés et valorisés.

Naturellement, se produire lors d’événements de grande envergure comme celui-ci s’accompagne de son propre lot de nerfs. La peur constante d’erreurs ou d’incidents potentiels est toujours présente à l’esprit. Mais le spectacle a été bien exécuté et a été chaleureusement accueilli par le public, ce qui a été extrêmement gratifiant.

L'un des moments forts du festival a été la masterclass à laquelle j'ai assisté, dirigée par Shaoyi Dan. Ce cours a été l'occasion d'acquérir des informations et des commentaires inestimables, enrichissant mon expérience globale au festival. Faire partie de cet événement prestigieux était vraiment spécial et cela a renforcé mon dévouement à mon parcours musical.

Alors que vous vous produisiez dans divers pays d’Asie, d’Europe et d’Amérique du Nord, avez-vous remarqué des différences culturelles dans l’engagement du public ? Comment vous êtes-vous adapté à ces différences et ont-elles influencé votre style de performance ?

La musique classique, comme toute forme d’art, revêt une signification culturelle unique et incarne des développements historiques distincts dans diverses régions. Ces disparités régionales jouent un rôle important dans l’évolution des attitudes du public à l’égard de la musique et de son appréciation de celle-ci. Chaque région abrite des normes, des attentes et des réponses uniques aux performances live, qui influencent invariablement mon style de performance et ma sélection de répertoire.

En Asie, notamment dans des pays comme la Chine, le public a tendance à être plus réservé et attentif lors des représentations. Ils mettent l'accent sur le respect de l'artiste et une culture d'écoute ciblée. Les applaudissements peuvent être plus discrets entre les morceaux lors d'un récital, mais l'appréciation est profondément ressentie, souvent axée sur la compétence technique.

Au contraire, le public européen fait souvent preuve d’un riche héritage culturel en matière d’appréciation de la musique classique. Étant donné que la musique classique a des origines profondément enracinées dans leur culture, le public est connaisseur et passionné par le répertoire. Leur engagement est évident à travers des applaudissements fréquents et enthousiastes et des expressions vocales d'appréciation. Le public européen connaît souvent bien les nuances de la musique classique et réagit activement à l’interprétation et à la musicalité présentées.

La culture nord-américaine du concert est dynamique et diversifiée. Le public ici a tendance à être plus démonstratif en exprimant son enthousiasme et son appréciation par des applaudissements et des réactions vocales. L'atmosphère favorise souvent un sentiment de connexion plus informel et interactif entre l'interprète et le public. Il semble également y avoir une plus grande acceptation des interprétations plus libres.

Ces variations culturelles influencent subtilement mon style de performance. Par exemple, dans les régions où le public est plus réservé, je pourrais me concentrer davantage sur la transmission de subtilités et de nuances émotionnelles, permettant ainsi à la musique de communiquer selon ses propres termes. D’un autre côté, dans les régions où le public est plus expressif, je pourrais mettre l’accent sur les contrastes dynamiques et m’engager dans une communication plus directe avec les auditeurs. En fin de compte, mon objectif est de trouver un équilibre entre rester fidèle à mon interprétation artistique tout en étant sensible aux normes culturelles de chaque région spécifique.

Quelle est votre approche pour équilibrer l'interprétation des intentions du compositeur et l'ajout de votre propre expression artistique lors de vos performances solo ? Comment vous assurez-vous que vos interprétations trouvent un écho auprès du public ?

Trouver un équilibre entre honorer l'intention du compositeur et exprimer sa créativité personnelle représente en effet un art. Il est essentiel de respecter la vision originale du compositeur, tout en laissant la musique servir de moyen d'expression personnelle.

Ma première étape vers cet équilibre consiste à mener une étude approfondie de la composition. Cela inclut la recherche de son contexte historique, la compréhension de la vie et des influences du compositeur et la familiarisation avec les styles musicaux prédominants au cours de la période de composition de la pièce. Cette compréhension me permet de saisir les intentions du compositeur et les messages qu'il entendait transmettre à travers sa musique.

Après cette phase de recherche, j'intériorise profondément la musique, me connectant au contenu émotionnel de la pièce, identifiant ses récits sous-jacents et embrassant les possibilités expressives de la partition. Ce processus me permet de me connecter émotionnellement avec la musique et de construire une relation personnelle avec elle.

Tout en respectant l'intention du compositeur, je m'efforce également d'insuffler mon interprétation dans la musique. Cela implique d'explorer diverses possibilités de phrasé, de dynamique et de tempo, et d'expérimenter différentes nuances et couleurs pour faire ressortir ma voix musicale unique. Cette exploration facilite une connexion personnelle avec la musique et me permet de transmettre mon voyage émotionnel au public. Cependant, ces expressions personnelles et ces choix artistiques découlent toujours de ce qui est déjà présent dans la partition. Par exemple, si les harmonies d'un morceau ont une couleur nettement sombre, je pourrais choisir de jouer avec un toucher plus doux ou de mettre l'accent sur les basses, alignant ainsi mon interprétation sur l'intention du compositeur.

Les commentaires de mes collègues musiciens et maîtres jouent également un rôle crucial dans le raffinement de mon interprétation. Certaines personnes peuvent avoir une compréhension plus approfondie d’une pièce particulière et leurs idées peuvent s’avérer inestimables. Si un nombre important d’auditeurs suggèrent que mon interprétation s’éloigne trop de l’intention initiale ou manque de flair personnel, je reste ouvert à réévaluer et ajuster mon approche.

En fin de compte, l'objectif est de respecter et d'honorer l'intention du compositeur tout en ajoutant une touche personnelle qui rehausse la musique et la rend unique. Il s’agit en effet d’un équilibre délicat, mais y parvenir peut donner lieu à des performances profondément significatives et captivantes.

Pouvez-vous partager un cas où vous avez été confronté à un morceau de musique particulièrement difficile et comment vous avez surmonté les difficultés ? Comment avez-vous abordé le processus d’apprentissage et assuré une performance réussie ?

C’est en effet une question intrigante, car aucun morceau de musique n’est sans aspects difficiles. L’idée selon laquelle une composition peut être suffisamment simple pour être parfaitement interprétée du premier coup est une idée fausse. Même les pièces les plus simples recèlent souvent des éléments difficiles. Chaque pièce, chaque compositeur présente son propre ensemble de défis.

Souvent, je me surprends à réfléchir à ce qui différencie le son d’un compositeur de celui d’un autre. Ces différences sont-elles de nature plus musicale ou technique ? Ainsi, face à des difficultés musicales ou techniques, ma première étape est toujours de rechercher le compositeur. Ensuite, je m'engage dans une pratique lente et consciente, en utilisant la répétition comme outil clé pour maîtriser les passages difficiles.

Si le défi se situe davantage sur le plan musical, je vocaliserai la pièce et explorerai différentes interprétations d'une variété d'interprètes. Cet exercice me permet de comprendre l'éventail des possibilités d'interprétation de la pièce et m'aide à développer ma vision unique de celle-ci.

Par la suite, je crée un plan sur la façon dont je souhaite façonner la pièce, qui comprend des décisions sur le phrasé, la dynamique et le tempo, entre autres éléments. Une fois que j'ai finalisé ce plan, je l'annote sur la partition pour m'assurer de m'en souvenir et de maintenir la cohérence à chaque fois que je joue le morceau.

Jouer de la musique ne se limite pas à l’acte de jouer. Il s'agit également d'une recherche et d'une exploration approfondies de la manière dont vous souhaitez que la musique sonne et de la manière d'obtenir le son souhaité. Chaque défi d’une pièce est une nouvelle opportunité d’apprentissage qui m’aide à grandir et à me développer en tant que musicien.