Anita Mannings: Memikat Panggung dan Selebihnya

Di pusat perhatian dan di belakang layar, Anita Mannings adalah sebuah simfoni gerakan dan ekspresi, yang menyelaraskan tuntutan ketat pertunjukan dengan seni koreografi yang halus. Dalam dunia film dan hiburan yang dinamis, keahlian yang beragam bukan hanya sebuah aset namun juga sebuah kebutuhan. Saat ini, seiring dengan perkembangan industri yang sangat pesat, keserbagunaan dalam menari, menyanyi, akting, koreografi, dan pendidikan tetap menjadi hal yang penting. Disiplin-disiplin ini saling terkait, masing-masing saling melengkapi dan meningkatkan yang lain, menjadikan para profesional seperti Anita bukan hanya peserta tetapi juga pembentuk lanskap seni pertunjukan.

Perjalanan Anita Mannings melalui seni pertunjukan sangat beragam dan mengesankan. Dilatih secara internasional, karirnya mencakup berbagai benua dan disiplin ilmu. Sebagai seorang penari, langkahnya merupakan narasi dan emosi; sebagai seorang penyanyi, suaranya adalah melodi dari cerita yang ia ceritakan; sebagai seorang aktor, ia mewujudkan karakter dengan keaslian yang menarik; sebagai koreografer, ia merangkai keterampilan ini menjadi pertunjukan yang menawan; dan sebagai seorang pendidik, ia membentuk generasi penerus dengan kebijaksanaan pengalamannya. Prestasinya merupakan bukti keterampilan dan dedikasinya, mulai dari awal memikat penonton hingga menerima penghargaan atas keserbagunaan dan kerja tim dalam produksi teater.

Nominasinya untuk “Best Principal Boy” dan “Best Troupe” di Cinderella with Chaplins Pantos bukan sekadar penghargaan tetapi juga penegasan atas komitmennya terhadap keunggulan dan kolaborasi. Nominasi ini mencerminkan kemampuannya dalam memimpin, menginspirasi, dan berinovasi, menandai dirinya sebagai tokoh terkemuka di teater. Sementara itu, statusnya sebagai koreografer unggulan, yang disorot oleh proyek-proyeknya dan fitur YouTube yang terkenal, menonjolkan pengaruh dan kreativitasnya. Karya Anita adalah dialog dengan penontonnya, setiap gerakan dan catatan sebuah kata dalam cerita yang lebih besar tentang emosi dan pengalaman manusia.

Dalam wawancara kami dengan Anita, kami menggali lebih dalam bidang keunggulan teater dan kepemimpinan koreografi yang menentukan kariernya. Kisahnya adalah tentang ketahanan, kemampuan beradaptasi, dan inovasi berkelanjutan. Saat ia terus membentuk masa depan teater dan tari, Anita Mannings berdiri tidak hanya sebagai pemimpin terkemuka namun juga sebagai kekuatan inspiratif, mendorong batas-batas dari apa yang mungkin terjadi dalam permadani seni pertunjukan yang terus berkembang.

Halo Anita! Suatu kehormatan memiliki Anda bersama kami hari ini. Bagaimana Anda menyeimbangkan dua aspek karier Anda sebagai pemain dan koreografer, dan bagaimana peran-peran ini saling mempengaruhi dan meningkatkan?

Sejujurnya, saya melalui fase-fase: terkadang, saya lebih fokus pada karier koreografi saya dan terkadang pada penampilan. Hal ini tergantung pada apa yang saya rasakan dan proyek atau peluang apa yang ada saat ini dalam hidup saya karena saya memiliki lebih banyak kendali atas satu jalur dibandingkan jalur lainnya. Menjadi seorang koreografer melibatkan menciptakan karya Anda sendiri, mengambil inisiatif, dan menciptakan peluang Anda sendiri, sedangkan menjadi seorang pemain pada akhirnya berarti menunggu seseorang memberi Anda pekerjaan. Sebagai seorang pemain, Anda dapat berlatih menari, menyanyi, kelas akting setiap hari, memiliki foto profesional yang bagus, situs web, dan agen yang baik, tetapi pada akhirnya, keputusan untuk menawarkan pekerjaan kepada Anda sepenuhnya berada di tangan orang lain. . Seringkali hal ini tidak didasarkan pada bakat tetapi apakah Anda cocok dengan apa yang mereka cari. Jadi, jika saya sedang melalui masa tenang dalam karier akting saya, saya akan menggunakan waktu itu untuk mulai berkreasi lagi. Kemudian pada akhirnya, ketika ada kesempatan untuk tampil, saya akan mengalihkan fokus saya ke hal itu. Ini semua tentang memberi dan menerima serta bekerja dengan apa yang dapat Anda kendalikan; inilah cara Anda tetap berdaya dan terinspirasi.

Koreografi memberi saya jalan keluar untuk mengekspresikan diri sebagai seorang seniman dan memiliki kendali atas karier saya. Hal ini sangat membantu saya secara mental sebagai seorang pemain karena ketika saya kesulitan mendapatkan pekerjaan, pengingat bahwa saya dapat berkreasi dan mengekspresikan diri dengan cara lain membuat saya kembali percaya diri dan termotivasi. Terlebih lagi, ketika saya tampil, saya memiliki pemahaman yang baik tentang formasi dan selalu terpesona melihat proses kreatif koreografernya, jadi saya mungkin bisa menerapkan beberapa teknik mereka ketika saya kembali berkreasi. Sebagai seorang koreografer, saya menggunakan keterampilan pertunjukan saya untuk bermain-main dengan langkah-langkah; Saya mungkin bereksperimen dengan menambahkan perasaan atau kualitas penampilan yang berbeda ke dalam langkah-langkah, seperti kesedihan, kontak mata, atau menari kecil atau besar, untuk melihat bagaimana hal itu mengubah koreografi. Bagi saya, baik dalam pertunjukan maupun koreografi, penyampaian cerita adalah elemen yang paling penting.

Bisakah Anda berbagi pengalaman dan proses persiapan untuk peran yang menghasilkan nominasi Anda untuk “Pemimpin Utama Terbaik” dan “Rombongan Terbaik” di Cinderella bersama Chaplins Pantos?

Menurut saya, elemen terpenting yang menghasilkan nominasi ini adalah kesenangan! Pada awalnya, saya merasa sedikit gentar untuk memainkan peran Pangeran di Cinderella, karena saya belum pernah memainkan karakter laki-laki sebelumnya. Untuk mempersiapkan peran Pangeran dalam Cinderella, saya melakukan penelitian terhadap karakter yang dimainkan oleh grup komedi terkenal Inggris Monty Python, seperti yang direkomendasikan oleh sutradara saya, dan mendasarkan Pangeran pada Sir Robin dari film “The Holy Grail.” Aku membuat sang pangeran menjadi sangat lucu dan sombong, begitu sombong sehingga dia lebih mencintai dirinya sendiri daripada Cinderella dan tidak begitu tertarik padanya.

Hal ini membuat peran tersebut sangat menyenangkan untuk dimainkan, dan saya selalu senang membuat penonton tertawa melihat kekonyolan sang Pangeran dan betapa sombongnya dia. Saya menjadi sangat nyaman dengan peran tersebut dan mulai bereksperimen sejauh mana saya dapat mendorong aspek komedi sambil tetap setia pada karakternya. Selain itu, para pemain kami rukun dengan sangat baik, dan kami selalu tertawa dan bercanda di dalam dan di luar panggung. Hal ini memungkinkan kami untuk merasa nyaman satu sama lain dan bereksperimen, menjadikan pertunjukan ini berbeda setiap saat. Saya pikir chemistry kami di luar panggung dirasakan oleh penonton di atas panggung! Seni adalah permainan, dan karena kami tidak menganggap diri kami terlalu serius, kami benar-benar bersenang-senang memainkan karakter kami dan membiarkan akting terjadi begitu saja alih-alih menerapkan aturan ketat untuk setiap adegan. Saya rasa ini membuat penonton juga ikut bersenang-senang!

Sebagai pemain yang dinominasikan untuk keunggulan dalam kerja tim, apa pendekatan Anda dalam berkolaborasi dengan pemain dan kru untuk menciptakan produksi yang kohesif dan sukses?

Seperti disebutkan sebelumnya, penting untuk tidak menganggap diri Anda terlalu serius atau memiliki aturan kaku tentang bagaimana segala sesuatunya “seharusnya”. Seni tidak memiliki aturan, jadi ketika Anda mulai mencoba membatasi kreativitas orang atau memaksakan sesuatu harus dilakukan dengan cara tertentu, saat itulah ketegangan bisa muncul. Fleksibilitas dan kemampuan beradaptasi sangat penting, karena orang-orang akan merasakan hal yang berbeda setiap hari, dan ketika kami melakukan tur bersama Chaplins, kami berada di tempat yang berbeda setiap hari, beradaptasi dengan lingkungan baru setiap hari. Terlebih lagi, sebagai koreografer, saya bekerja dengan tim saya, bukan melawan mereka. Saya memanfaatkan kekuatan mereka karena saya ingin mereka merasa nyaman di atas panggung dan agar karya saya terlihat bagus; ini tentang bekerja lebih cerdas, bukan lebih keras.

Saya juga berpikir meninggalkan drama atau pertengkaran di depan pintu adalah hal yang sangat penting. Sama seperti pekerjaan apa pun, ketika Anda berjalan melewati pintu latihan atau ke atas panggung, argumen atau perselisihan apa pun harus ditinggalkan, dan Anda harus tetap profesional, apa pun yang Anda rasakan di dalam hati! Saya selalu menggunakan dua P saya: Sopan dan Profesional. Saya sangat percaya pada sopan santun, dan bahkan jika saya kesal dengan seseorang, saya akan tetap berterima kasih kepada mereka di akhir pertunjukan. Anda harus menjaga integritas Anda. Jika terjadi konfrontasi, saya tidak akan pernah mengumpat dan akan bersikap tegas, berusaha bertanggung jawab atas apa pun yang telah saya lakukan. Seringkali, Anda tinggal bersama pemeran Anda dan juga bekerja bersama mereka selama berbulan-bulan, dan drama tidak bisa dihindari, jadi jika drama muncul, memiliki keterampilan asertif dan bertanggung jawab adalah suatu keharusan.

Saat Anda tampil sebagai koreografer, bagaimana Anda membuat konsep dan menciptakan karya tari yang tidak hanya memikat tetapi juga meninggalkan dampak jangka panjang pada penonton Anda?

Meski terdengar murahan, saya selalu memulai dari hati. Jika aku mempunyai perasaan yang kuat terhadap sesuatu, aku yakin ada kemungkinan orang lain juga akan merasakan hal yang sama, dan jika aku bisa memasukkan perasaan itu ke dalam koreografi, maka aku berharap karya itu akan menggugah orang yang menontonnya. Sebagai manusia, kita sering percaya bahwa kitalah satu-satunya yang merasakan hal tertentu, namun kita salah, dan ketika saya menampilkan koreografi saya, saya teringat akan hal itu.

Artikel resmi pertama saya adalah tentang seorang teman dekat saya yang meninggal karena kanker pada usia 17 tahun. Saya tidak punya ekspektasi apa pun; Saya hanya membuat koreografi apa yang saya rasakan dan kemudian menampilkannya di atas panggung. Yang mengejutkan saya, saya menerima tanggapan yang sangat kuat. Orang-orang menangis di antara penonton, dan saya menerima begitu banyak pesan dukungan, inspirasi, dan terima kasih. Itu sangat mengharukan dan tidak terduga; yang kulakukan hanyalah memasukkan sesuatu yang kurasakan ke dalam sebuah tarian. Sejak saat itu, saya tahu bahwa saya harus selalu membuat koreografi dari hati karena pada saat itulah hal itu tampaknya memberikan dampak terbesar bahkan tanpa berusaha.

Saya pikir manusia terhubung ketika mereka merasakan perasaan sesama manusia, dan kita semua tahu kapan sesuatu terasa palsu dan kapan itu asli. Saya selalu berusaha jujur ​​dan se-rentan mungkin. Saya percaya bahwa dengan menjadi berani dan rentan, orang lain bisa merasa tidak terlalu sendirian dan bisa memberi mereka izin untuk melakukan hal yang sama. Saya tidak tahan membayangkan seseorang menjalani sesuatu sendirian. Meskipun aku tidak bertujuan untuk membantu orang lain melalui koreografiku, aku telah diberitahu bahwa aku melakukannya. Sebagai kesimpulan, saya hanya ingin jujur; ada begitu banyak “kepalsuan” di dunia saat ini, saya pikir orang-orang semakin menghargai keaslian karena hal ini semakin langka.

Dari mana Anda mendapatkan inspirasi untuk koreografi Anda, dan bagaimana Anda tetap inovatif dan segar dalam pendekatan Anda?

Saya sering mendapat inspirasi dari hal-hal yang telah terjadi pada diri saya atau hal-hal yang sangat saya sukai, dan kadang-kadang dari pengaruh musik tertentu terhadap perasaan saya. Saya telah membuat koreografi tentang kesedihan, Serangan Paris, kesehatan mental, dan bahkan penolakan dan ketahanan dalam industri saya sendiri. Tentu saja, jika saya membuat koreografi untuk sebuah perusahaan atau klien, maka saya akan memberikan ringkasan yang sesuai, tetapi ketika saya memiliki kebebasan artistik sendiri, saya akan selalu mengambil dari pengalaman saya sendiri.

Saya pikir ketika Anda membuat koreografi yang terinspirasi oleh kehidupan, ide-ide Anda akan selalu segar karena kehidupan terus berubah dan memberi kita tantangan dan tantangan. Selalu ada babak baru untuk ditulis atau tarian baru untuk diciptakan! Agar tetap inovatif dalam pendekatan saya, saya menonton pertunjukan, dan saya terus berlatih dan menghadiri kelas dan lokakarya tari, belajar dari rekan-rekan kreatif untuk terus menemukan inspirasi, teknik, dan meningkatkan keterampilan saya sendiri sebagai penari. Saya akan selalu tetap menjadi pelajar!

Sebagai pemimpin dalam pertunjukan teater dan koreografi, prinsip apa yang memandu Anda dalam membimbing dan menginspirasi orang lain dalam tim atau pemeran Anda?

Saya sangat percaya pada penciptaan lingkungan yang positif, aman, dan memberi semangat. Saya menemukan diri saya berada dalam banyak lingkungan negatif saat berlatih; ada banyak komentar dan kritik yang keras, yang sering kali tidak membangun, dan perbandingan serta kompetisi antar rekan sangat dianjurkan. Saya menjadi pemain yang sangat tegang dan stres karena saya merasa tidak boleh melakukan kesalahan dan mengeksplorasi seni saya sendiri. Ada juga banyak sikap pilih kasih, dan saya sering ditempatkan di belakang tarian, membuat kepercayaan diri saya semakin rendah. Saya tidak ingin siapa pun yang saya ajar, mentor, atau koreografer merasa seperti itu. Saya selalu menyemangati rekan-rekan saya dan fokus pada kekuatan mereka, bertujuan untuk memberdayakan mereka alih-alih merendahkan mereka. Saya juga akan selalu jujur, namun dengan cara yang konstruktif karena tidak adil bagi siswa jika Anda mengatakan kepada mereka bahwa mereka luar biasa padahal masih ada hal yang perlu diperbaiki dan mereka ingin meningkatkannya. Kritik yang benar adalah untuk mereka, bukan Anda, karena Anda ingin mereka menjadi lebih baik.

Bisakah Anda mendiskusikan momen yang sangat menantang dalam karier Anda, baik di atas panggung atau di belakang layar, dan bagaimana Anda mengatasinya?

Pekerjaan saya sebagai koreografer dan penari utama di Desa Siblu merupakan masa yang sangat menantang; itu terjadi selama pandemi, dan kami harus mengadaptasi acaranya setiap hari karena cedera, sakit, atau bahkan redundansi. Saya telah membuat koreografi dan membuat tiga pertunjukan berdurasi 1,5 jam, dan setiap minggu, ada anggota pemeran baru yang bergabung dengan tim yang perlu ditambahkan dan anggota pemeran lama yang terluka, jatuh sakit, diberhentikan, atau tidak dapat tampil karena untuk menekankan. Itu adalah masa yang sangat menantang karena, sebagai koreografer, saya harus beradaptasi dan mengubah jarak seluruh pertunjukan sesering mungkin pada hari itu dan mengajarkan formasi baru dengan cara yang jelas dan tenang kepada tim saya yang bukan penari profesional, sambil tampil sebagai penari utama dan menjaga tingkat penampilan saya ke standar yang tinggi. Saya mengatasinya dengan sejujurnya hanya “melanjutkan pekerjaan”; Saya tidak punya pilihan karena tidak ada waktu untuk merasa stres atau kesal. Saya pikir ketika Anda berada dalam situasi ini, Anda hanya perlu fokus untuk tetap profesional dan pada penonton dan apa yang mereka inginkan: dihibur. Ya, ada beberapa langkah yang terlupakan dan koreografinya tidak sebersih yang saya inginkan, tapi penonton senang, dan itulah yang penting. Terkadang Anda hanya perlu fokus pada tujuan keseluruhan dan bukan pada detail ketika waktu terbatas.

Terakhir, saya berusaha untuk tetap bersyukur atas pekerjaan saya di Siblu; Saya sangat beruntung bisa bekerja sebagai penari dan koreografer selama pandemi dan juga tinggal di daerah yang sangat indah di Prancis selatan. Rasa syukur membantu saya menjaga perspektif dan juga menikmati momen-momen yang saya alami bersama para pemain saya. Saya membuat beberapa kenangan indah di sana.

Terakhir, dengan reputasi Anda yang sudah mapan dalam penampilan dan koreografi, proyek atau aspirasi masa depan apa yang ingin Anda capai, dan bagaimana Anda berencana untuk terus mengembangkan keahlian Anda?

Saya telah bekerja secara ekstensif di Inggris dan Eropa, dan tujuan saya berikutnya adalah Amerika Serikat. Impian saya adalah bekerja sebagai pemain dan koreografer di New York City. Saya berlatih di sana sebagai mahasiswa tari dan sangat terinspirasi oleh komunitas tari dan kota itu sendiri. Saya berharap mendapat kesempatan untuk membawa karya saya ke sana.

Saya percaya bahwa untuk mengembangkan keahlian Anda, Anda harus selalu menjadi pelajar dan terbuka untuk mempelajari gaya, teknik, dan ideologi baru. Saya rutin menghadiri kelas tari dengan koreografer dan kreatif yang sudah mapan agar tetap terinspirasi, dan saya juga membaca buku. Pengetahuan adalah kekuatan, dan saya yakin bahwa sebagai seniman, kita harus terus mengembangkan pikiran dan menantang ide-ide kita. Beberapa buku yang sangat menginspirasi saya adalah “Big Magic” oleh Elizabeth Gilbert, “The War of Art” oleh Steven Pressfield, dan “The Practice” oleh Seth Godin. Saat ini saya sedang membaca “The Power of Now” karya Eckhart Tolle yang lebih fokus pada pikiran, tetapi semuanya terhubung. Jika pikiran saya sehat, maka saya akan mampu berkreasi lebih banyak dan terus membagikan karya seni saya kepada dunia.

Saat kami mengakhiri eksplorasi karier Anita Mannings yang dinamis, kami terinspirasi oleh semangat, ketahanan, dan keserbagunaannya yang tiada henti dalam seni pertunjukan. Dari penampilannya yang menawan hingga narasi koreografinya yang mendalam, Anita secara konsisten mendorong batas-batas kreativitas, terbukti menjadi kekuatan yang tangguh dalam industri ini. Perjalanannya menjadi mercusuar inspirasi bagi para seniman dan penggemar, pengingat akan kekuatan transformatif dari dedikasi dan inovasi artistik.

Kami mengundang Anda, para pembaca kami, untuk mendalami dunia Anita lebih dalam. Ikuti perjalanannya, saksikan penampilannya, dan biarkan diri Anda tergerak oleh seni yang menjadikannya sosok yang menonjol dalam seni pertunjukan. Bergabunglah bersama kami dalam merayakan Anita Mannings, seorang maestro sejati di panggung dan seterusnya, yang kisahnya bukan hanya tentang kesuksesan namun juga tentang seni mengubah tantangan menjadi kemenangan.