Anita Mannings: affascinare il palco e oltre

Sotto i riflettori e dietro le quinte, Anita Mannings è una sinfonia di movimento ed espressione, che armonizza le rigorose esigenze della performance con la delicata abilità artistica della coreografia. Nel dinamico mondo del cinema e dell’intrattenimento, un insieme di competenze sfaccettate non è solo una risorsa ma una necessità. Oggi, mentre l’industria si evolve a un ritmo vertiginoso, la versatilità nella danza, nel canto, nella recitazione, nella coreografia e nell’istruzione rimane cruciale. Queste discipline si intrecciano, ciascuna alimentandosi e valorizzandosi a vicenda, rendendo professionisti come Anita non solo partecipanti ma plasmatori del panorama delle arti dello spettacolo.

Il viaggio di Anita Mannings attraverso le arti dello spettacolo è tanto vario quanto impressionante. Formatasi a livello internazionale, la sua carriera abbraccia continenti e discipline. Come ballerina, i suoi passi sono sia una narrazione che un'emozione; come cantante, la sua voce è la melodia delle storie che racconta; come attrice, incarna personaggi dotati di irresistibile autenticità; come coreografa, intreccia queste abilità in performance accattivanti; e come educatrice, modella la prossima generazione con la saggezza della sua esperienza. I suoi successi testimoniano la sua abilità e dedizione, dai suoi primi giorni affascinando il pubblico fino a ricevere riconoscimenti per la sua versatilità e il lavoro di squadra nelle produzioni teatrali.

Le sue nomination per "Miglior ragazzo principale" e "Miglior troupe" in Cenerentola con Chaplins Pantos non sono solo riconoscimenti ma affermazioni del suo impegno per l'eccellenza e la collaborazione. Queste nomination riflettono la sua capacità di guidare, ispirare e innovare, contrassegnandola come una figura di spicco nel teatro. Nel frattempo, il suo status di coreografa in primo piano, evidenziato dai suoi progetti e da una notevole funzionalità su YouTube, sottolinea la sua influenza e creatività. Il lavoro di Anita è un dialogo con il suo pubblico, ogni movimento e nota è una parola in una storia più ampia di emozioni ed esperienze umane.

Nella nostra intervista con Anita, abbiamo approfondito i regni dell'eccellenza teatrale e della leadership coreografica che definiscono la sua carriera. La sua storia è fatta di resilienza, adattabilità e innovazione continua. Mentre continua a plasmare il futuro del teatro e della danza, Anita Mannings non si pone solo come una leader illustre ma come una forza ispiratrice, che spinge i confini di ciò che è possibile nel tessuto in continua evoluzione delle arti dello spettacolo.

Ciao Anita! È un onore averti con noi oggi. Come riesci a bilanciare i duplici aspetti della tua carriera sia come interprete che come coreografo, e in che modo questi ruoli si influenzano e si migliorano a vicenda?

Onestamente, attraverso delle fasi: a volte sono più concentrato sulla mia carriera coreografica e talvolta sulla performance. Dipende da come mi sento e da quali progetti o opportunità ci sono attualmente nella mia vita perché ho molto più controllo su un percorso rispetto all'altro. Essere un coreografo implica creare il proprio lavoro, prendere l'iniziativa e creare le proprie opportunità, mentre essere un artista implica in definitiva aspettare che qualcuno ti dia un lavoro. Come artista, puoi allenarti ogni giorno in lezioni di danza, canto e recitazione, avere ottime foto professionali, un sito web e un buon agente, ma alla fine, la decisione di offrirti lavoro è completamente nelle mani di qualcun altro. . Spesso non si basa nemmeno sul talento, ma sul fatto che tu sia adatto a ciò che stanno cercando. Quindi, se sto attraversando un periodo tranquillo nella mia carriera da artista, userò il tempo per ricominciare a creare. Poi alla fine, quando si presenta l'opportunità di esibirsi, sposterò la mia attenzione su quella. Si tratta di dare e avere e di lavorare con ciò che puoi controllare; è così che rimani potenziato e ispirato.

La coreografia mi dà uno sbocco per esprimermi come artista e per avere un certo controllo sulla mia carriera. Questo mi ha davvero aiutato mentalmente come artista perché quando faccio fatica a prenotare un lavoro, il ricordo che posso creare ed esprimermi in altri modi mi riempie di fiducia e motivazione. Inoltre, quando mi esibisco, ho una buona conoscenza delle formazioni e sono sempre affascinato nel vedere il processo creativo del coreografo, quindi posso magari prendere in considerazione alcune delle loro tecniche quando torno a creare. Come coreografo, utilizzo le mie capacità esecutive per giocare con i passi; Potrei provare ad aggiungere ai passi sentimenti o qualità di esecuzione diversi, come tristezza, contatto visivo o ballare in piccolo o in grande, per vedere come cambia la coreografia. Per me, sia nella performance che nella coreografia, la narrazione è l'elemento più importante.

Puoi condividere la tua esperienza e il processo di preparazione per i ruoli che ti hanno portato alle nomination per “Miglior ragazzo principale” e “Miglior troupe” in Cenerentola con Chaplins Pantos?

Penso che l'elemento più importante che ha portato a queste nomination sia stato il divertimento! All'inizio mi sentivo un po' scoraggiato dall'idea di interpretare il ruolo del principe di Cenerentola, dato che non avevo mai interpretato un personaggio maschile prima. Per prepararmi al ruolo del Principe in Cenerentola, ho fatto alcune ricerche sui personaggi interpretati dal famoso gruppo comico britannico Monty Python, come consigliato dal mio regista, e ho basato il Principe su Sir Robin del film "Il Santo Graal". Ho reso il principe molto divertente e arrogante, così arrogante che amava se stesso più di Cenerentola e non era poi così interessato a lei.

Ciò ha reso il ruolo davvero divertente da interpretare, e mi è sempre piaciuto far ridere il pubblico per la ridicolaggine del Principe e per quanto fosse presuntuoso. Mi sono sentito davvero a mio agio con il ruolo e ho iniziato a sperimentare fino a che punto potevo spingere l'aspetto comico rimanendo fedele al personaggio. Inoltre, il nostro cast andava incredibilmente d'accordo e ridevamo e scherzavamo sempre dentro e fuori dal palco. Questo ci ha permesso di sentirci davvero a nostro agio l'uno con l'altro e di sperimentare, rendendo questo spettacolo diverso ogni volta. Penso che la nostra chimica fuori dal palco sia stata avvertita dal pubblico sul palco! L'arte è un gioco e, poiché non ci siamo presi troppo sul serio, ci siamo davvero divertiti molto a interpretare i nostri personaggi e a lasciare che la recitazione avvenisse semplicemente invece di avere regole rigide per ogni scena. Penso che questo abbia fatto divertire anche il pubblico!

In qualità di artista nominato per l'eccellenza nel lavoro di squadra, qual è il tuo approccio nel collaborare con il cast e la troupe per creare una produzione coesa e di successo?

Come accennato in precedenza, è importante non prendersi troppo sul serio o avere regole rigide su come “dovrebbero” essere le cose. L'arte non ha regole, quindi quando inizi a cercare di limitare la creatività delle persone o di imporre che le cose siano fatte in un certo modo, è allora che possono sorgere tensioni. Flessibilità e adattabilità sono cruciali, poiché le persone si sentiranno diversamente ogni giorno, e quando eravamo in tour con Chaplins, eravamo in un luogo diverso ogni singolo giorno, adattandoci quotidianamente a nuovi ambienti. Inoltre, come coreografo, lavoro con la mia squadra, non contro di loro. Lavoro sfruttando i loro punti di forza perché voglio che si sentano bene sul palco e che il mio lavoro abbia un bell'aspetto; si tratta di lavorare in modo più intelligente, non di più.

Penso anche che sia molto importante lasciare fuori dalla porta qualsiasi dramma o discussione. Proprio come in ogni lavoro, quando varchi la porta delle prove o sul palco, ogni discussione o disaccordo deve essere lasciato alle spalle e devi rimanere professionale, qualunque cosa tu possa sentire dentro! Seguo sempre le mie due P: gentile e professionale. Credo fermamente nelle buone maniere e, anche se sono arrabbiato con qualcuno, lo ringrazierò comunque alla fine dello spettacolo. Devi mantenere la tua integrità. Se ci fosse uno scontro, non giurerò mai e sarò il più assertivo possibile, cercando di assumermi la responsabilità di qualsiasi cosa io possa aver fatto. Spesso vivi con il tuo cast e lavori con loro per mesi di seguito, e il dramma è inevitabile, quindi se dovesse verificarsi un dramma, avere capacità assertive ed essere responsabili è un must.

Quando sei presentato come coreografo, come concettualizzi e crei pezzi di danza che non solo coinvolgano ma lascino anche un impatto duraturo sul tuo pubblico?

Per quanto banale possa sembrare, parto sempre dal mio cuore. Se provo qualcosa di forte per qualcosa, credo che ci sia la possibilità che qualcun altro provi lo stesso, e se riesco a mettere quel sentimento nella coreografia, allora spero che il pezzo commuova le persone che lo guardano. Come esseri umani, spesso crediamo di essere gli unici a sentirci in un certo modo, ma ci sbagliamo, e quando mostro la mia coreografia, me lo ricordo.

Il mio primo pezzo ufficiale riguardava un mio caro amico morto di cancro a 17 anni. Non avevo aspettative; Ho semplicemente coreografato ciò che sentivo e poi l'ho messo sul palco. Con mia sorpresa, ho ricevuto una risposta molto forte. La gente piangeva tra il pubblico e ho ricevuto tanti messaggi di sostegno, ispirazione e ringraziamento. È stato incredibilmente commovente e così inaspettato; tutto quello che avevo fatto era mettere qualcosa che sentivo in una danza. Da quel momento in poi, sapevo che avrei sempre dovuto coreografare con il cuore perché era in quel momento che sembrava avere il maggiore impatto senza nemmeno provarci.

Penso che gli esseri umani si connettano quando provano i sentimenti di un altro essere umano, e tutti sappiamo quando qualcosa sembra falso e quando è autentico. Cerco sempre di essere il più onesto e vulnerabile possibile. Credo che essere coraggiosi e vulnerabili possa consentire agli altri di sentirsi meno soli e dare loro il permesso di fare lo stesso. Non posso sopportare il pensiero che qualcuno attraversi qualcosa da solo. Anche se non miro ad aiutare le persone attraverso la mia coreografia, mi è stato detto di sì. Per concludere, voglio solo essere onesto; c'è così tanta "falsità" nel mondo in questo momento, penso che le persone stiano apprezzando sempre di più l'autenticità poiché sta diventando rara.

Da dove trai ispirazione per le tue coreografie e come rimani innovativo e fresco nel tuo approccio?

Spesso traggo ispirazione da cose che mi sono successe o da argomenti che mi appassionano, e talvolta da come mi fa sentire un certo brano musicale. Ho coreografato pezzi sul dolore, sugli attentati di Parigi, sulla salute mentale e persino sul rifiuto e sulla resilienza nel mio settore. Naturalmente, se sto coreografando per un'azienda o un cliente, allora adatterò un brief, ma quando avrò la mia libertà artistica, attingerò sempre dalle mie esperienze.

Penso che quando crei coreografie ispirate dalla vita, le tue idee saranno sempre fresche perché la vita cambia costantemente e ci lancia sfide e sfide. C'è sempre un nuovo capitolo da scrivere o una nuova danza da creare! Per rimanere innovativo nel mio approccio, vado a guardare gli spettacoli e continuo ad allenarmi e a frequentare lezioni e workshop di danza, imparando da altri creativi per continuare a trovare nuova ispirazione e tecniche e migliorare le mie capacità di ballerino. Rimarrò sempre uno studente!

In qualità di leader sia nella performance teatrale che nella coreografia, quali principi ti guidano nel fare da mentore e ispirare gli altri nella tua squadra o cast?

Credo fermamente nella creazione di un ambiente positivo, sicuro e incoraggiante. Mi sono trovato in molti ambienti negativi mentre mi allenavo; ci sono stati molti commenti e critiche dure, spesso non costruttive, e sono stati incoraggiati il ​​confronto e la competizione tra pari. Sono diventato un artista molto teso e stressato perché sentivo che non mi era permesso commettere errori ed esplorare la mia arte. C'erano anche molti favoritismi e spesso venivo messo in secondo piano nei pezzi di danza, facendo diminuire ancora di più la mia fiducia. Non voglio mai che nessuno a cui insegno, faccio da mentore o coreografo si senta in questo modo. Incoraggio sempre i miei colleghi e mi concentro sui loro punti di forza, puntando a dar loro potere invece di umiliarli. Anch'io sarò sempre onesto, ma in modo costruttivo perché non è giusto nei confronti di uno studente se gli dici che è fantastico quando ci sono ancora cose su cui lavorare e vogliono migliorare. La critica corretta è per loro, non per te, perché vuoi che siano migliori.

Puoi parlare di un momento particolarmente impegnativo della tua carriera, sia sul palco che dietro le quinte, e come lo hai superato?

Il periodo in cui ho lavorato come coreografo e primo ballerino per Siblu Villages è stato particolarmente impegnativo; era durante la pandemia e dovevamo adattare gli spettacoli ogni singolo giorno a causa di infortuni, malattie o addirittura licenziamenti del cast. Avevo coreografato e creato tre spettacoli da un'ora e mezza e ogni settimana c'erano nuovi membri del cast che si univano alla squadra che avevano bisogno di essere aggiunti e vecchi membri del cast che erano feriti, ammalati, licenziati o impossibilitati a esibirsi a causa di fatica. È stato un periodo molto impegnativo perché, come coreografo, dovevo adattare e cambiare la spaziatura di interi spettacoli spesso il giorno stesso e insegnare le nuove formazioni in modo chiaro e calmo alla mia squadra che non era composta da ballerini professionisti, il tutto mentre esibendosi come ballerino principale e mantenendo il mio livello di performance a uno standard elevato. Ho superato questo problema semplicemente "andando avanti con il lavoro"; Non avevo scelta perché non c’era tempo per stressarmi o arrabbiarmi. Penso che quando ti trovi in ​​queste situazioni, devi solo concentrarti sulla professionalità, sul pubblico e su ciò che vuole: divertirsi. Sì, c'erano dei passaggi dimenticati e la coreografia non era così pulita come avrei voluto, ma il pubblico era contento e questo era l'importante. A volte devi concentrarti solo sull’obiettivo generale e non sui dettagli quando il tempo è limitato.

Infine, ho cercato di rimanere grato per il mio lavoro presso Siblu; Ho avuto la fortuna di lavorare come ballerina e coreografa durante la pandemia e di vivere in una zona assolutamente meravigliosa nel sud della Francia. La gratitudine mi ha aiutato a mantenere una certa prospettiva e anche a godermi i momenti che ho trascorso con il mio cast. Lì ho creato dei bellissimi ricordi.

Infine, con la tua consolidata reputazione nel campo della performance e della coreografia, a quali progetti o aspirazioni futuri miri e come pensi di continuare ad evolvere nel tuo mestiere?

Ho lavorato a lungo nel Regno Unito e in Europa e il mio prossimo obiettivo sono gli Stati Uniti. Il mio sogno è lavorare come performer e coreografo a New York City. Mi sono formata lì come studentessa di danza e sono stata profondamente ispirata dalla comunità di danza e dalla città stessa. Spero di avere l'opportunità di portare il mio lavoro lì.

Credo che per evolvere il tuo mestiere, devi sempre rimanere uno studente ed essere aperto all'apprendimento di nuovi stili, tecniche e ideologie. Frequento regolarmente lezioni di danza con coreografi e creativi affermati per rimanere ispirato e leggo anche libri. La conoscenza è potere e credo davvero che, come artisti, dovremmo espandere le nostre menti e sfidare costantemente le nostre idee. Alcuni libri che mi hanno profondamente ispirato sono “Big Magic” di Elizabeth Gilbert, “The War of Art” di Steven Pressfield e “The Practice” di Seth Godin. Attualmente sto leggendo “The Power of Now” di Eckhart Tolle, che è più focalizzato sulla mente, ma tutto è connesso. Se la mia mente è sana, allora potrò creare di più e continuare a condividere la mia arte con il mondo.

Concludendo la nostra esplorazione della dinamica carriera di Anita Mannings, restiamo ispirati dalla sua implacabile passione, resilienza e versatilità nelle arti dello spettacolo. Dalle sue performance accattivanti alle sue profonde narrazioni coreografiche, Anita ha costantemente ampliato i confini della creatività, dimostrando di essere una forza formidabile nel settore. Il suo viaggio funge da faro di ispirazione sia per gli artisti che per gli appassionati, un promemoria del potere di trasformazione della dedizione e dell'innovazione artistica.

Invitiamo voi, nostri lettori, ad approfondire il mondo di Anita. Segui il suo viaggio, assisti alle sue esibizioni e lasciati commuovere dall'abilità artistica che l'ha resa una figura di spicco nelle arti dello spettacolo. Unisciti a noi nel celebrare Anita Mannings, una vera maestra del palcoscenico e non solo, la cui storia non riguarda solo il successo ma l'arte di trasformare le sfide in trionfi.