Montaggio per il successo: uno sguardo dall'interno alla carriera del montatore cinematografico Mr. Ju

Montaggio per il successo: uno sguardo dall'interno alla carriera del montatore cinematografico Mr. Ju

L’industria cinematografica e dell’intrattenimento ha subito una trasformazione significativa negli ultimi decenni. È cresciuto da un settore di nicchia a una grande potenza globale che tocca miliardi di vite ogni giorno. Il significato creativo, economico e sociale del settore non può essere sottovalutato, la sua influenza va ben oltre l'intrattenimento. Nell’era digitale di oggi, non solo modella la cultura pop e le narrazioni sociali, ma guida anche l’innovazione tecnologica e la crescita economica.

Al centro di questo influente settore ci sono gli individui di talento che danno vita alle storie, e uno di questi individui è Haoyu Ju. Rinomato montatore cinematografico, Ju ha inciso il suo nome negli annali del cinema contemporaneo attraverso il suo eccezionale corpus di lavori. La sua visione creativa e la sua maestria tecnica lo hanno visto lavorare su una serie di film, molti dei quali sono stati lodati in importanti festival cinematografici di tutto il mondo.

La storia di Ju è iniziata al Conservatorio dell'American Film Institute, dove ha affinato le sue capacità e sviluppato un occhio attento per la costruzione narrativa. Da allora, la sua carriera è stata una testimonianza della sua arte, con film come “CHORUS” e “E MI MANCHI COME UN LITTLE KID” che hanno ricevuto consensi dalla critica e riconoscimenti ai festival. La sua abilità nel montaggio non solo ha plasmato questi film, ma ha anche contribuito al discorso più ampio sulla narrazione cinematografica.

Il suo lavoro in “CHORUS” è stato individuato per la chiarezza narrativa e la risonanza emotiva, una testimonianza dell'abilità di Ju di scolpire narrazioni che coinvolgono profondamente gli spettatori. Allo stesso modo, il suo lavoro in “AND I MISS YOU LIKE A LITTLE KID” ha dimostrato la sua attitudine nel trattare temi complessi con sensibilità e finezza. I successi di questi film su piattaforme prestigiose come il New York Shorts International Film Festival, CAA Moebius e AFI Fest sottolineano la posizione di Ju nel settore e la sua continua rilevanza nel cinema contemporaneo.

Abbiamo avuto l'opportunità unica di conversare con Haoyu Ju, sollevando il sipario sul suo processo creativo, sul suo percorso professionale e sulla comprensione del settore. Nel corso della nostra discussione, abbiamo approfondito le sue filosofie, metodologie e visione della narrazione nel 21° secolo. Dalle sue ispirazioni creative al suo approccio al montaggio e ai suoi pensieri sul futuro dell'industria cinematografica, la nostra conversazione con Ju ha fornito spunti affascinanti nella mente di uno dei montatori cinematografici più esperti di oggi.

Sei una tale ispirazione per molte persone. Raccontaci, cosa ti ha spinto a diventare un montatore nel settore cinematografico e come hai iniziato?

Proprio come i cineasti che hanno il loro primo assaggio di cinema quando prendono in mano una macchina fotografica e premono un disco, il mio viaggio nel regno del montaggio è iniziato quando ho messo le dita sulla tastiera del mio laptop. Ciò è avvenuto durante una lezione di video durante i miei anni universitari alla UCLA, dove ho avuto l'opportunità di montare il primo video che avessi mai girato da solo.

A quella prima esperienza è seguita una residenza di tre anni. Questo periodo è stato caratterizzato da una pratica intensiva e dallo studio del cinema e del montaggio. Ho avuto la possibilità di collaborare con numerosi registi, affinando le mie capacità tagliando una varietà di film. Questo intenso periodo di crescita e sviluppo ha permesso alle mie qualifiche, conoscenze e capacità di editor di maturare in modo esponenziale.

Ora mi ritrovo a unirmi alle fila di migliaia di altri montatori a Hollywood, tutti uniti dalla nostra comune passione per la narrazione. Ma, come è vero per ogni mestiere artistico, il montaggio è un viaggio che si estende per tutta la vita. Ho appena mosso i primi passi e sono ansioso ed emozionato per la strada che mi aspetta.

Secondo te, quali sono le qualità più importanti che un editor deve avere e come hai sviluppato queste qualità nel corso della tua carriera?

Il famoso montatore premio Oscar Richard Halsey una volta venne a trovarmi al mio corso di editing al Conservatorio AFI. Durante la sua sessione illuminante, ha delineato tre principi chiave di un editore: organizzazione, fiducia nel proprio istinto e dire la verità. Da allora queste parole sono servite come principi guida nella mia pratica di editing.

Spesso descriviamo il montaggio come la bozza finale di un film, a significare l'immensa responsabilità che comporta. Un montatore intreccia immagini e suoni, dando forma alla storia nella sua forma più avvincente. Il compito è delicato; il montaggio può elevare un film o provocarne la rovina. La scelta del montatore, che riguardi la durata di un montaggio, il tipo di inquadratura per un ritmo o la scelta tra un brano di musica classica o una canzone rock, può avere conseguenze sostanziali.

Questo compito impegnativo richiede un editor con acuta acutezza, meticolosa attenzione ai dettagli, competenza tecnica superiore con i programmi NLE, uno spirito indomabile per tentativi ed errori e, soprattutto, una comprensione completa della storia e dei suoi personaggi.

È interessante notare che il destino di un film spesso dipende dalle dinamiche all'interno della sala di montaggio. In qualità di primo pubblico del film, un montatore deve fornire un feedback onesto sull'efficacia della rappresentazione della storia mentre lavora a fianco del regista, del produttore o dei dirigenti. Il risultato finale di un film è sempre una questione di incertezza. Tuttavia, attraverso la collaborazione diplomatica, la comunicazione efficace con gli altri registi, la fiducia nel proprio istinto e l'impegno a dire la verità in sala di montaggio, un film può trovare la sua strada più promettente.

Hai lavorato a diversi film che sono stati presentati in prestigiosi festival cinematografici in tutto il mondo. Che consigli daresti agli editori emergenti?

In qualità di redattore che lavora in un ruolo di sotto-linea, il mio dovere principale è lasciare che le storie degli altri fioriscano. C'è qualcosa di profondamente appagante nel contribuire a un progetto che ammiri e di cui tieni sinceramente. Indipendentemente dalla fase in cui mi unisco a una produzione, sia durante lo sviluppo che dopo le riprese principali, il primo compito cruciale è comprendere a fondo la storia e contribuire in ogni modo possibile.

Se vengo coinvolto durante la fase di sviluppo, offro note di sceneggiatura allo scrittore o al regista, indipendentemente dal fatto che le accettino. A volte, un editor può fornire note profonde sulla sceneggiatura che possono alterare radicalmente il corso di una storia. Se partecipo alla fase di pre-produzione, collaboro alla progettazione delle liste delle riprese e al montaggio degli storyboard video per fornire un'anteprima del film.

Se inizio durante la fase di produzione, rivedo diligentemente i quotidiani dopo ogni giorno di riprese. Inizio immediatamente a montare, sperimentando le scene, individuando problemi di continuità o lacune nella copertura e trasmettendo queste osservazioni al regista in modo che possano pianificare i ripristini.

Steven Spielberg ha detto: “Il montaggio è sinonimo di regia”. Sebbene possa spesso sembrare un lavoro solitario e autonomo, la sua influenza e il suo potere sono significativi, soprattutto se vieni coinvolto nelle prime fasi dello sviluppo.

Anche se spesso è fuori dal mio controllo quanta influenza posso esercitare al di fuori del mio ruolo di editing, la mia passione e il mio impegno nel fare il miglior lavoro possibile mi motivano a contribuire il più possibile. La mia esperienza mi ha dimostrato che questi contributi, indipendentemente dalla loro portata, possono apportare benefici sostanziali sia al film che allo spettacolo.

Quando si tratta di editing, seguo sempre il mio cuore e dico la verità a me stesso e ai miei collaboratori. Tuttavia, è fondamentale lasciare andare l’ego che ti fa credere che le tue scelte siano invariabilmente corrette. Anche se sei convinto che l'idea di un regista o di un produttore per un taglio sia sbagliata o ridicola, sii sempre disposto a provarla.

Sorprendentemente, molte note che inizialmente sembrano poco valide possono rivelarsi fantastiche. Se il suggerimento si rivela davvero inefficace, il regista o il produttore solitamente se ne accorgeranno e si convinceranno a considerare la tua scelta. Mantenere una delicata diplomazia in sala di montaggio è fondamentale per il buon funzionamento e la longevità del processo di post-produzione.

Come ti avvicini al tuo lavoro di editore e cosa pensi che distingua il tuo lavoro dagli altri del settore?

Come spesso sottolineo, il primo dovere di un editore è comprendere a fondo la storia. Il ruolo di un montatore può essere paragonato a quello di un direttore d'orchestra, che guida l'ensemble a fornire musica armoniosa. Se un montatore non riesce a comprendere appieno la storia, è come un direttore d'orchestra che interpreta male lo spartito e porta l'orchestra in modo insolito, interrompendo l'intera performance.

Senza una comprensione completa della storia, il processo di editing può generare un effetto a catena di problemi: il tono potrebbe essere sbagliato, il ritmo potrebbe essere troppo veloce o troppo lento, la scelta della copertura potrebbe essere sbagliata, la musica potrebbe non adattarsi. , e così via. Alla fine, il film potrebbe non essere in linea con ciò che i realizzatori avevano immaginato.

Molti montatori alle prime armi si concentrano sulle tecniche e sugli stili di montaggio per far sì che il film appaia o suoni “interessante”. Ma quando il montaggio del film sembra sbagliato, di solito non è perché uno o due tagli sono sbagliati. Più spesso è perché l'editore non ha compreso appieno la storia, il che determina la corretta esecuzione dell'intero montaggio.

Per qualsiasi progetto che intraprendo, che si tratti di uno spot pubblicitario, di un cortometraggio o di un lungometraggio, il mio approccio è quello di iniziare leggendo la sceneggiatura, analizzando il tono e analizzando e digerendo la storia. Questo processo è come assorbire il DNA del progetto, che può prevenire potenziali problemi nelle modifiche future. Preferisco anche mantenere una stretta comunicazione con il direttore e gli altri collaboratori.

Sebbene il montaggio possa spesso essere un lavoro autonomo, rimane parte del lavoro di squadra nel cinema. Credo che armonizzare il montatore e il regista, sia nelle idee che nella comunicazione, sia la chiave per l'efficienza e il successo finale dei processi di montaggio e post-produzione. Quando il redattore riesce a comprendere e implementare rapidamente le note del regista e il regista può prontamente digerire e accettare il consiglio del redattore, diventano una squadra potente. Questa coppia dinamica, simile a abili cecchini, può mirare e sparare in modo efficace per compiere la missione.

I lavori che ho curato variano nello stile e nel tono, ma esplorano tutti temi umani come il trauma, il dolore, la crescita o la redenzione, spesso legati a una causa sociale. Credo che il cinema abbia la responsabilità di promuovere il progresso sociale e l’illuminazione pubblica ritraendo l’umanità in varie condizioni. Questo è il mio credo per il tipo di film e di contenuti che cerco di creare.

Se i miei film riescono a ispirare qualcuno a uscire dal cinema con un cuore cambiato in meglio, allora sento di aver adempiuto al mio dovere.

Come rimani aggiornato sulle ultime tecnologie, tecniche e tendenze dell'industria cinematografica e quanto pensi sia importante continuare ad apprendere ed evolversi come montatore?

Come montatore, vivo in una società tecnologica in rapida evoluzione dove restare al passo con i progressi e le tendenze dell’industria cinematografica è più di una semplice risorsa. È una necessità. Gli strumenti del nostro mestiere – software NLE, computer e altre apparecchiature associate – costituiscono la spina dorsale dei nostri processi creativi e lavorativi. Chiunque abbia familiarità con il settore sa come i cambiamenti e gli aggiornamenti tecnologici possano rimodellare radicalmente il nostro flusso di lavoro. Soprattutto con la rapida ascesa dell’intelligenza artificiale, il futuro del nostro lavoro e della nostra industria potrebbe essere influenzato in modo significativo.

Nell’era passata del cinema tradizionale, il montaggio era un lavoro analogico e meccanico. Oggi, con i potenti software creativi a nostra disposizione, possiamo eseguire una miriade di attività con un’efficienza notevolmente maggiore. Questa evoluzione ha rimodellato le qualifiche e le esigenze della nostra professione rispetto alle passate generazioni di editori. Il cinema è sempre stato una miscela di arte e scienza e, come ogni altra attività umana, è in continua evoluzione sotto lo slancio di forze inarrestabili.

Rimanere aggiornati con le tecnologie e le tecniche più recenti e adattarsi alle tendenze è l’unico modo per cavalcare quest’onda anziché esserne travolti. Dopotutto, come ogni artista nel corso della storia, dobbiamo prima padroneggiare i nostri strumenti per poter creare.

Puoi parlare di un progetto particolarmente impegnativo su cui hai lavorato come editore e di come hai superato le sfide?

Il mio film di tesi al Conservatorio AFI, CHORUS, si è rivelato un progetto impegnativo ma alla fine gratificante. Ho collaborato a stretto contatto con il regista, perfezionando il film per allinearlo al meglio alla sceneggiatura. Abbiamo esaminato il nostro lavoro per i nostri colleghi e mentori, ricevendo feedback ampiamente positivi. Tuttavia, due scene sono state costantemente segnalate come troppo lunghe o ridondanti. Il nostro compito principale era affrontare queste scene. La storia del film ruotava attorno a un padre e un figlio che avevano perso la telefonata d'addio della moglie/madre sull'aereo dell'11 settembre, esplorando il loro successivo viaggio di dolore e guarigione.

Le scene problematiche erano quella in cui il padre va in una pasticceria per prendere una torta di compleanno per l'anniversario di compleanno di sua moglie e un'altra in cui lui e suo figlio festeggiano con i suoceri a casa sua. La nostra prima strategia è stata quella di abbreviare queste scene. Abbiamo apportato modifiche attente, rimuovendo parti o battute non necessarie senza compromettere la narrazione. Tuttavia, anche dopo questa potatura chirurgica, il nuovo pubblico si sentiva ancora disconnesso da queste scene.

Poi abbiamo dovuto prendere alcune decisioni difficili, eliminando parti della storia che non passavano bene dalla sceneggiatura allo schermo. Insoddisfatto dell'impatto complessivo della scena della pasticceria, il regista ha deciso di rimuovere completamente la scena. È sempre difficile "uccidere i tuoi cari", ma a volte è una parte necessaria del processo di editing. Questa decisione si è rivelata fruttuosa poiché la narrazione scorreva in modo naturale senza questa scena e abbiamo risparmiato circa tre minuti di tempo sullo schermo.

La scena che coinvolge i nonni richiedeva un montaggio più sfumato a causa del suo ruolo nell'esposizione e nella progressione narrativa. Abbiamo ridotto meticolosamente questa scena, consultandoci con il mio mentore del montaggio che ci ha offerto un'intuizione preziosa: "Non è necessario rivelare l'intera scena o il dialogo per fornire le informazioni". Con questa prospettiva, io e il regista abbiamo deciso di tagliare a metà il dialogo principale, eliminando tutti i dialoghi di scena della prima metà della scena. Anche se all’inizio sembrava radicale, l’approccio ha funzionato eccezionalmente bene.

Nelle proiezioni successive di questo taglio rivisto, gli spettatori non hanno più identificato problemi di ritmo o ridondanza. Presentare metà del dialogo trasmetteva effettivamente la stessa quantità di informazioni dell'intera scena, ma lo faceva in modo più conciso e diretto. Nell'editing, meno è spesso di più. Con questa filosofia e approccio, siamo riusciti a ridurre la durata del film da un taglio iniziale di 30 minuti a un taglio bloccato di 20 minuti, ottenendo una riduzione trasformativa di 10 minuti che ha migliorato significativamente il nostro film.