피아니스트 류샤오허(Xiaohe Liu)의 매혹적인 연주와 국제 협업을 통한 여정

게시 됨: 2023-07-15

오늘날 음악 산업은 다양한 장르, 다양한 형식, 전통적 접근 방식과 현대적 접근 방식의 혼합을 수용하여 재능과 혁신이 번성하는 활기찬 분야로 자리매김하고 있습니다. 수많은 음악 표현 중에서 클래식 음악은 시대를 초월한 매력, 심오한 감정, 역사적 중요성을 지닌 독특한 위치를 차지하고 있습니다. 우리가 클래식 음악의 영역을 탐구할 때, Xiaohe Liu라는 이름은 확실히 주목을 받습니다.

Xiaohe Liu는 뛰어난 기량을 지닌 클래식 피아니스트이며, 그의 연주는 전 세계 청중의 공감을 불러일으켰습니다. 중국에서 태어난 Xiaohe의 음악에 대한 열정은 어릴 때부터 불타올랐으며 수많은 권위 있는 공연, 협업 및 찬사를 받는 여정으로 그를 이끌었습니다. 그의 음악적 기량은 아시아, 유럽, 북미 전역에서 저명한 무대를 장식하며 클래식 음악 분야에서 폭넓은 인지도와 존경을 얻었습니다.

Xiaohe의 경력은 독주와 실내악 연주가 특징이며 음악가로서의 다재다능함과 적응력을 보여줍니다. 이탈리아의 볼차노 보젠 피아노 페스티벌과 상하이의 바로크 실내악 페스티벌은 그의 음악과 함께 울려 퍼진 웅장한 무대의 몇 가지 예에 불과합니다. 정서적 깊이와 기술적 숙련도가 담긴 그의 연주는 동료 음악가들의 찬사와 전 세계 관객의 찬사를 불러일으켰습니다.

볼차노 보젠 피아노 페스티벌에서 샤오허는 독주회를 선보이며 선율적인 해석과 기량으로 청중을 사로잡았다. 이와 대조적으로 상하이 바로크 실내악 페스티벌은 그에게 앙상블 연주의 역동적인 세계에 빠져들 수 있는 기회를 제공했습니다. 두 경험 모두 그의 예술적 범위와 다양한 청중과 소통하는 능력을 보여주었습니다.

Xiaohe는 솔로 아티스트로서 성공했을 뿐만 아니라 명망 높은 Xi'an Conservatory 오케스트라를 비롯한 오케스트라와의 협업에서도 탁월한 성과를 거두었습니다. 이러한 협업을 통해 그의 음악적 여정은 더욱 풍성해졌고, 그는 복잡한 작곡을 탐색하고 동료 음악가들과 깊은 관계를 맺을 수 있게 되었습니다.

최근 우리는 Xiaohe Liu를 인터뷰하여 독주와 실내악 연주에 대한 그의 폭넓은 경험을 더 깊이 파고드는 영광을 누렸습니다. 우리는 그의 가장 기억에 남는 연주, 음악 해석에 대한 그의 접근 방식, 현대 사회에서 클래식 음악의 역할에 대한 그의 독특한 관점을 살펴보았습니다. 대화는 Xiaohe의 자신의 기술에 대한 흔들리지 않는 헌신과 음악가로서의 그의 놀라운 여정에 대한 흥미로운 통찰력을 제공했습니다.
음악이 그 자체로 삶을 영위하고 피아노 건반을 통해 꿈이 살아나는 이 특별한 대화에 참여해 보세요.

안녕하세요, 샤오허님. 상하이 바로크 실내악 페스티벌에서 공연한 경험에 대해 말씀해 주시겠어요? 그 경험의 하이라이트는 무엇이었나요?

바로크 페스티벌에서의 Xiaohe Liu 공연

상하이 음악원에서 열린 제7회 바로크 실내악 페스티벌에 참가한 것은 저의 음악 경력과 개인적 발전에 지대한 영향을 미친 변혁적인 경험이었습니다. 이 존경받는 행사는 바로크 시대의 복잡한 구성과 역사적 정보를 바탕으로 한 공연에 초점을 맞춘 것으로 유명합니다.

이 경험의 하이라이트는 의심할 여지 없이 음악에 대한 공통된 열정으로 뭉친 뛰어난 음악가들과의 협력이었습니다. 이 페스티벌에는 인상적인 실내악 거장들이 모여 마스터클래스와 세미나를 진행했습니다. 여기에는 카네기 홀에서 연주하고 전 세계 음악가들과 협력한 맨해튼 음악 학교 졸업생 Weicong Zhang과 제7회 프란츠 리스트 국제 피아노 콩쿠르에서 금상을 수상한 Yingdi Sun과 같은 뛰어난 개인이 포함되었습니다.

상하이 음악원 피아노 교수인 쑨(孫)은 2014년 시진핑(習近平) 국가주석과 다른 방문 국가 정상들을 위해 인민대회당에서 공연하도록 초청받았다. 축제에는 또한 유명한 바이올리니스트, 첼리스트를 포함한 재능 있는 악기 연주자들의 앙상블이 소집됐다. , 플루트 연주자, 피아니스트. 뛰어난 음악가들과 협력하고 그들의 공연을 관찰하는 것은 교육적이고 영감을 주는 일이었습니다.

페스티벌이 엄선한 레퍼토리에는 요한 세바스티안 바흐, 조지 프레데릭 헨델, 안토니오 비발디 등 저명한 바로크 작곡가뿐 아니라 프란츠 슈베르트, 모차르트 등 클래식 작곡가들의 작품도 포함됐다. 이러한 걸작들의 복잡성을 탐구하고 이를 역사적 정보를 바탕으로 표현하는 데 따른 도전과 엄청난 기쁨은 매우 풍요로웠습니다.

특히 기억에 남는 경험 중 하나는 페스티벌 폐막식에서 슈베르트 피아노 트리오 1번 Op 99 D 898을 연주한 것입니다. 우리는 공연에 앞서 이 작품에 대해 Weicong Zhang이 이끄는 여러 마스터클래스에 참석했으며 이틀 동안 의견과 제안을 반영하고 구현했습니다.

우리 셋은 각자의 독특한 목소리와 해석을 유지하면서 슈베르트의 음악과 고전 시대를 아우르는 완벽한 사운드를 찾기 위해 수많은 아이디어를 실험하며 긴밀히 협력했습니다. 마에스트로의 지도 아래 우리의 최종 공연은 우리의 성장과 발전을 반영하여 눈에 띄는 개선을 보여주었습니다.

이탈리아 볼차노 보젠 피아노 페스티벌에서의 독주회를 어떻게 준비하셨나요? 준비 과정에서 특별히 겪은 어려움이 있었나요?

이탈리아 볼차노 보젠 피아노 페스티벌에서의 독주회 준비는 강렬하고 스릴 넘치는 여정이었습니다. 기억에 남는 공연을 선사하기 위해 세련되고 예술적으로 매력적인 프레젠테이션을 만들기 위해 많은 시간과 노력을 들였습니다.

첫 번째 단계는 내 음악적 능력을 부각시킬 뿐만 아니라 페스티벌의 주제와도 조화를 이루는 레퍼토리를 신중하게 선별하는 것이었습니다. 이를 위해서는 포괄적인 연구가 필요했고, 다양한 작곡가와 그들의 작품을 연구하고, 결국에는 기교, 정서적 깊이, 문체의 다양성이 조화를 이루는 프로그램을 설계해야 했습니다. JS 바흐의 파르티타 2번, F. 슈베르트의 방랑자 환상곡, F. 쇼팽의 스케르초 3번, 폴로네즈 환상곡 등 선정된 작품들은 수백 년에 걸쳐 세 시대에 걸쳐 음악적 발전을 보여주는 훌륭한 쇼케이스를 제공합니다.

준비 과정에서 특히 어려웠던 점 중 하나는 성과에 대한 불안을 다루는 것이었습니다. 처음으로 이탈리아를 여행하고 세계 각국의 거장 연주자들을 만나니 모든 것이 낯설게 느껴졌고 스트레스도 더 커졌습니다. 이러한 상황에서 좋은 성과를 내기 위해 저는 선택한 작품의 기술적 요구 사항을 숙달하는 데 집중했습니다. 각 작품은 독특하고 복잡한 악절, 도전적인 운지법, 복잡한 음악 구조를 선보였습니다.

이러한 어려움을 극복하기 위해 저는 더 높은 수준의 정확성과 제어력을 목표로 기술력을 향상시키기 위해 스케일, 아르페지오, 에뛰드를 부지런히 연습했습니다. 또한, 수많은 시간의 연습과 주의 깊은 청취를 통해 음악에 완전히 익숙해진 덕분에 다소 산만한 상황에서도 압박감 속에서도 고품질의 연주를 유지할 수 있었습니다.

또 다른 과제는 기술적 정확성과 예술적 표현 사이의 적절한 균형을 찾는 것이었습니다. 음을 완벽하게 연주하는 것뿐만 아니라 각 곡에 내재된 감정적 깊이와 음악성을 표현하는 것도 중요했습니다. 이 탐구에는 다양한 해석적 선택, 다양한 프레이징 및 역동성을 실험하고 각 작품의 고유한 특성을 끌어내기 위한 노력이 포함되었습니다.

마지막으로, 다양한 피아노에 적응하는 것은 나름의 어려움을 안겨주었습니다. 하지만 철저한 연습과 유연성을 통해 악기의 뚜렷한 특성에 관계없이 일관되고 매력적인 연주를 전달할 수 있다는 확신이 들었습니다.

시안 음악원 오케스트라 등 오케스트라와의 기억에 남는 협업을 공유해 주실 수 있나요? 심포니 오케스트라와 함께 연주하는 것은 어땠으며, 그것이 당신의 음악적 표현을 어떻게 향상시켰나요?

Xiaohe Liu의 시안 음악원 오케스트라와 공연

심포니 오케스트라와 함께 연주하는 경험은 비교할 수 없습니다. 이는 음악적 표현을 향상시키고 연주에 심오한 차원을 더해줍니다. 시안 음악원 오케스트라와의 협업은 저의 예술성과 전체 심포닉 앙상블의 집단적 탁월함 및 풍부함을 결합할 수 있는 특별한 기회였습니다. 고도로 숙련된 음악가들로 구성된 이 오케스트라는 내 음악적 해석을 강조하는 탄탄한 기반과 생생한 색상의 스펙트럼을 제공했습니다.

심포니 오케스트라 공연에 참여하는 것은 영감을 주고 겸허해지는 일입니다. 지휘자 옆에 앉았을 때, 사운드의 거대함, 앙상블의 정확한 동시성, 그리고 만져볼 수 있는 에너지가 말로 표현할 수 없는 경험을 만들어냈습니다.

특히 피아노 협주곡의 맥락에서 오케스트라와 함께 연주할 때 가장 큰 어려움 중 하나는 피아니스트가 연주하는 중요한 역할입니다. 오류나 불일치로 인해 오케스트라가 혼란을 겪을 수 있습니다. 지휘자와 동료 연주자들의 공동 노력을 기리기 위해서는 쇼팽 피아노 협주곡 1번을 꼼꼼하게 준비하는 것이 필수적이었습니다.

이러한 준비는 내 파트를 암기하는 것에만 국한되지 않고, 곡의 모든 섹션에서 오케스트라가 언제 들어오고 나가는지를 정확하게 이해하는 것이기도 했습니다. 더욱이 내 해석을 지휘자의 비전에 맞추는 것이 매우 중요했습니다. 공연의 이러한 협력적 성격은 우리가 공유된 음악적 목표를 향해 나아갈 때 상호 신뢰와 존경심을 키워주었습니다.

시안음악원오케스트라와 함께 연주하면서 가장 주목할만한 점 중 하나는 피아노 협주곡 중 음악적 대화였습니다. 서로의 음악적 아이디어에 반응하고 이를 기반으로 구축되는 피아노와 오케스트라의 다양한 부분 간의 상호 작용은 엄청난 기쁨과 영감의 원천이었습니다. 현악기, 금관악기, 목관악기가 얽힌 멜로디와 피아노의 목소리가 복잡하게 얽힌 사운드의 태피스트리를 만들어내며 경쾌하고 깊은 감동을 선사했습니다.

게다가 교향악단과의 경험은 나의 음악적 시야를 넓혀주었습니다. 이를 통해 저는 오케스트레이션의 뉘앙스, 목소리의 섬세한 균형, 개별 기여를 조화로운 전체로 혼합하는 기술을 이해할 수 있었습니다. 이 만남을 통해 오케스트라 레퍼토리에 대한 이해가 깊어졌고 음악적 감성이 크게 풍부해졌습니다.

실내악 연주 중 연주한 레퍼토리에 대해 설명해주실 수 있나요? 실내악에 관심을 갖게 된 계기는 무엇이며, 솔리스트로 연주하는 것과 어떻게 다른가요?

2023 콘서트 아티스트 국제 공모전

2016년 시안 음악원 피아노 예술제 개막 콘서트에서 공연한 경험을 공유해 주세요. 이렇게 권위 있는 행사에 참여하게 된 소감이 어떠했으며, 귀하의 공연에 관객들의 반응은 어땠나요?

시안국제피아노아트페스티벌에 초청받아 연주하게 된 것은 저에게 영광이자 짜릿한 경험이었습니다. 모든 피아니스트가 증명하듯이, 이러한 권위 있는 행사에 참여하는 것은 중국 예술계에 중요한 이정표가 됩니다.

시안 예술 센터(Xi'an Artistic Center)와 같은 유명하고 대규모 장소에서 공연하고 전 세계 유명 음악가들이 진행하는 마스터클래스에 참여하는 것은 성장, 학습 및 네트워킹을 위한 귀중한 기회를 제공했습니다. 이번 페스티벌에는 중국음악협회 피아노학회 회장 우잉(Ying Wu)을 비롯해 단 샤오이(Shaoyi Dan), 우윤지에(Yunjie Wu), 단웬 웨이(Danwen Wei) 등 세계적인 음악가들이 대거 출연했다.

이런 명망 높은 행사에 참여하는 것은 제가 기술을 연마하고 새로운 학습 경험을 흡수할 수 있게 해 준 영광이었습니다. 청중은 믿을 수 없을 정도로 따뜻하고 수용적이었습니다. 그들의 박수와 인정은 나의 자신감을 강화시켰고, 나의 끊임없는 숙달 추구와 음악에 대한 나의 헌신이 감사하고 소중하다는 것을 확인시켜주었습니다.

당연히 이와 같은 주목할만한 행사에서 공연을 한다는 것은 그 자체로 긴장감이 있는 일입니다. 잠재적인 실수나 사고에 대한 끊임없는 두려움은 항상 마음 한구석에 있습니다. 하지만 공연이 잘 진행되어 관객들의 뜨거운 호응을 얻어 매우 기뻤습니다.

축제의 하이라이트 중 하나는 Shaoyi Dan이 진행하는 마스터클래스였습니다. 이 수업은 귀중한 통찰력과 피드백을 얻을 수 있는 기회를 제공하여 축제에서의 전반적인 경험을 풍부하게 했습니다. 이 명망 높은 행사에 참여하게 된 것은 정말 특별했고, 내 음악적 여정에 대한 헌신을 더욱 다져주는 역할을 했습니다.

아시아, 유럽, 북미 등 다양한 국가에서 공연하면서 관객 참여에 있어 문화적 차이를 발견하셨나요? 이러한 차이에 어떻게 적응했고, 그것이 당신의 공연 스타일에 영향을 미쳤나요?

모든 형태의 예술과 마찬가지로 클래식 음악은 독특한 문화적 중요성을 갖고 있으며 다양한 지역에 걸쳐 뚜렷한 역사적 발전을 구현합니다. 이러한 지역적 격차는 음악에 대한 청중의 태도와 감상을 형성하는 데 중요한 역할을 합니다. 각 지역에는 라이브 공연에 대한 고유한 규범, 기대치, 반응이 있으며, 이는 내 공연 스타일과 레퍼토리 선택에 변함없이 영향을 미칩니다.

아시아, 특히 중국과 같은 국가에서는 공연 중에 관객들이 좀 더 소극적이고 주의를 기울이는 경향이 있습니다. 아티스트에 대한 존중과 집중적으로 듣는 문화를 강조합니다. 연주회 중 곡 사이에 박수는 좀 더 은은하게 전달될 수 있지만, 종종 기술적인 숙련도에 초점을 맞춰 감사의 마음을 깊게 느낄 수 있습니다.

오히려 유럽 관객들은 클래식 음악 감상이라는 풍부한 문화적 유산을 보여주는 경우가 많습니다. 클래식 음악이 문화에 깊이 뿌리를 두고 있다는 점을 감안할 때 청중은 레퍼토리에 대해 지식이 풍부하고 열정적입니다. 그들의 참여는 빈번하고 열정적인 박수와 감사의 목소리를 통해 분명하게 드러납니다. 유럽의 관객들은 클래식 음악의 뉘앙스에 정통하고 제시된 해석과 음악성에 적극적으로 반응하는 경우가 많습니다.

북미 콘서트 문화는 활기차고 다양합니다. 이곳의 청중은 박수와 음성 반응을 통해 자신의 열정과 감사를 표현하는 데 더욱 적극적인 경향이 있습니다. 분위기는 종종 공연자와 청중 사이의 보다 비공식적이고 상호적인 연결감을 조성합니다. 또한 보다 자유로운 해석에 대한 수용이 더 많은 것으로 보입니다.

이러한 문화적 차이는 내 공연 스타일에 미묘하게 영향을 미칩니다. 예를 들어, 청중이 좀 더 내성적인 지역에서는 미묘함과 감정적인 뉘앙스를 전달하는 데 더 집중하여 음악이 그 자체로 소통할 수 있도록 할 수 있습니다. 반면, 표현력이 풍부한 청중이 있는 지역에서는 역동적인 대비를 강조하고 청취자와 보다 직접적인 소통에 참여할 수 있습니다. 궁극적으로 나의 목표는 나의 예술적 해석에 충실하는 동시에 각 특정 지역의 문화적 규범에 부응하는 것 사이에서 균형을 맞추는 것입니다.

솔로 연주에서 작곡가의 의도에 대한 해석과 자신만의 예술적 표현을 추가하는 균형을 맞추는 접근 방식은 무엇입니까? 당신의 해석이 청중의 공감을 불러일으키도록 어떻게 보장합니까?

작곡가의 의도를 존중하는 것과 개인의 창의성을 표현하는 것 사이에서 균형을 맞추는 것은 실제로 순수 예술을 의미합니다. 작곡가의 원래 비전을 존중하는 동시에 음악이 개인적인 표현의 통로 역할을 하도록 하는 것이 중요합니다.

이 균형을 이루기 위한 첫 번째 단계는 구성에 대한 포괄적인 연구를 수행하는 것입니다. 여기에는 역사적 맥락을 조사하고, 작곡가의 삶과 영향을 이해하고, 작품이 작곡된 기간 동안 널리 퍼졌던 음악 스타일에 익숙해지는 것이 포함됩니다. 이러한 이해를 통해 작곡가의 의도와 음악을 통해 전달하려는 메시지를 파악할 수 있습니다.

이 연구 단계를 거치면서 나는 음악을 깊이 내면화하고, 작품의 정서적 내용과 연결하고, 근본적인 내러티브를 식별하고, 악보의 표현 가능성을 수용합니다. 이 과정을 통해 나는 음악과 정서적으로 연결되고 개인적인 관계를 구축할 수 있습니다.

작곡가의 의도를 존중하면서도 나의 해석을 음악에 접목시키려고 노력합니다. 여기에는 프레이징, 다이나믹스, 템포에 대한 다양한 가능성을 탐구하고, 나만의 독특한 음악적 목소리를 이끌어내기 위해 다양한 뉘앙스와 색상을 실험하는 것이 포함됩니다. 이러한 탐구는 음악과의 개인적인 연결을 촉진하고 나의 감정적 여정을 청중에게 전달할 수 있게 해줍니다. 그러나 이러한 개인적인 표현과 예술적 선택은 항상 악보에 이미 존재하는 것에서 비롯됩니다. 예를 들어, 곡의 하모니가 뚜렷하게 어두운 색상을 띠고 있다면 좀 더 부드러운 터치로 연주하거나 베이스를 강조하여 내 해석을 작곡가의 의도에 맞출 수 있습니다.

동료 음악가와 거장들의 피드백도 내 해석을 다듬는 데 중요한 역할을 합니다. 일부 개인은 특정 작품에 대해 더 깊이 이해하고 있을 수 있으며, 그들의 통찰력은 매우 귀중할 수 있습니다. 상당수의 청취자가 내 해석이 원래 의도에서 너무 멀리 벗어나거나 개인적인 감각이 부족하다고 제안하는 경우, 나는 내 접근 방식을 재평가하고 조정할 수 있습니다.

결국 목표는 작곡가의 의도를 존중하고 존중하는 동시에 음악을 향상시키고 고유하게 나만의 음악으로 만드는 개인적인 손길을 추가하는 것입니다. 이는 실제로 미묘한 균형이지만 이를 달성하면 매우 의미 있고 매혹적인 성능을 얻을 수 있습니다.

특별히 어려웠던 음악 작품에 직면했던 사례와 그 어려움을 어떻게 극복했는지 공유해 주실 수 있나요? 학습 과정에 어떻게 접근하고 성공적인 성과를 보장했나요?

도전적인 측면이 없는 음악은 없기 때문에 이는 참으로 흥미로운 질문입니다. 작곡이 첫 번째 시도에서 완벽하게 수행될 만큼 간단할 수 있다는 생각은 오해입니다. 가장 단순해 보이는 작품에도 도전적인 요소가 숨어 있는 경우가 많습니다. 각 작품, 각 작곡가는 고유한 도전 과제를 제시합니다.

종종 나는 한 작곡가의 사운드를 다른 작곡가의 사운드와 구별하는 것이 무엇인지 고민하게 됩니다. 이러한 차이점은 본질적으로 더 음악적이거나 기술적인가요? 따라서 음악적, 기술적 어려움에 직면했을 때, 나의 첫 번째 단계는 항상 작곡가를 조사하는 것입니다. 그런 다음 어려운 부분을 마스터하기 위한 핵심 도구로 반복을 사용하여 천천히 마음챙김 연습을 합니다.

음악적인 측면에 도전이 더 많이 있다면, 저는 작품을 발성하고 다양한 연주자들의 다양한 해석을 탐구할 것입니다. 이 연습을 통해 작품을 해석할 수 있는 가능성의 범위를 이해할 수 있고 작품에 대한 나만의 독특한 견해를 발전시키는 데 도움이 됩니다.

그런 다음 프레이징, 다이내믹스, 템포에 대한 결정을 포함하여 작품을 어떻게 구성할지에 대한 계획을 세웁니다. 이 계획을 완성한 후에는 악보에 주석을 달아 작품을 연주할 때마다 일관성을 기억하고 유지할 수 있도록 합니다.

음악을 연주한다는 것은 단순히 연주하는 행위만을 의미하는 것이 아닙니다. 또한 음악이 어떻게 들리기를 원하는지, 그리고 원하는 사운드를 달성하는 방법에 대한 철저한 연구와 탐구에 관한 것입니다. 작품의 모든 도전은 제가 음악가로서 성장하고 발전하는 데 도움이 되는 새로운 배움의 기회입니다.