Podróż pianisty Xiaohe Liu przez urzekające występy i współpracę międzynarodową

Opublikowany: 2023-07-15

Obecnie przemysł muzyczny obejmuje wiele gatunków, szeroką gamę formatów oraz mieszankę tradycyjnego i nowoczesnego podejścia, co czyni go tętniącym życiem obszarem, w którym rozwijają się talenty i innowacje. Wśród niezliczonej ilości wyrazów muzycznych wyjątkowe miejsce zajmuje muzyka klasyczna, ze swoim ponadczasowym urokiem, głębokimi emocjami i znaczeniem historycznym. Kiedy zagłębiamy się w świat muzyki klasycznej, nazwisko Xiaohe Liu z pewnością rzuca się w oczy.

Xiaohe Liu to pianista klasyczny niezwykłego kalibru, którego występy cieszyły się dużym zainteresowaniem publiczności na całym świecie. Urodzony w Chinach pasja Xiaohe do muzyki rozpaliła się już w młodym wieku, co zaprowadziło go w podróż naznaczoną niezliczonymi prestiżowymi występami, współpracą i wyróżnieniami. Jego umiejętności muzyczne pozwoliły mu gościć na znakomitych scenach w Azji, Europie i Ameryce Północnej, zdobywając szerokie uznanie i szacunek w świecie muzyki klasycznej.

Karierę Xiaohe charakteryzują występy zarówno solowe, jak i kameralne, co ilustruje jego wszechstronność i zdolność adaptacji jako muzyka. Festiwal Pianistyczny w Bolzano Bozen we Włoszech i Festiwal Barokowej Muzyki Kameralnej w Szanghaju to tylko kilka przykładów wielkich scen, na których rozbrzmiewała echem jego muzyka. Jego występy, przepełnione emocjonalną głębią i biegłością techniczną, przyniosły mu podziw innych muzyków i uznanie publiczności na całym świecie.

Na Festiwalu Pianistycznym w Bolzano Bozen Xiaohe dał solowy recital, urzekając publiczność swoimi melodyjnymi interpretacjami i sprawnością techniczną. Natomiast Festiwal Barokowej Muzyki Kameralnej w Szanghaju dał mu możliwość zanurzenia się w dynamicznym świecie występów zespołowych. Obydwa doświadczenia pokazały jego zakres artystyczny i umiejętność nawiązywania kontaktu z różnorodną publicznością.

Xiaohe nie tylko prosperował jako artysta solowy, ale także wyróżniał się we współpracy z orkiestrami, w tym z prestiżową orkiestrą Xi'an Conservatory. Ta współpraca jeszcze bardziej wzbogaciła jego muzyczną podróż, umożliwiając mu poruszanie się po skomplikowanych kompozycjach i nawiązywanie głębokich więzi z innymi muzykami.

Niedawno mieliśmy zaszczyt przeprowadzić wywiad z Xiaohe Liu, zagłębiając się w jego bogate doświadczenie w wykonywaniu muzyki solowej i kameralnej. Przyjrzeliśmy się jego najbardziej pamiętnym występom, podejściu do interpretacji muzyki i wyjątkowemu spojrzeniu na rolę muzyki klasycznej we współczesnym społeczeństwie. Rozmowa dała fascynujący wgląd w niezachwiane oddanie Xiaohe swojemu rzemiosłu i jego niezwykłą podróż jako muzyka.
Dołącz do tej niezwykłej rozmowy, w której muzyka żyje własnym życiem, a marzenia ożywają na klawiszach fortepianu.

Witaj, Xiaohe. Czy możesz opowiedzieć nam o swoich doświadczeniach z występów na Festiwalu Barokowej Muzyki Kameralnej w Szanghaju? Co było dla Ciebie najważniejszym wydarzeniem w tym doświadczeniu?

Występ Xiaohe Liu na Festiwalu Barokowym

Udział w 7. Festiwalu Muzyki Kameralnej Barokowej w Konserwatorium Muzycznym w Szanghaju był doświadczeniem transformacyjnym, które miało ogromny wpływ na moją karierę muzyczną i rozwój osobisty. To cenione wydarzenie obchodzone jest ze względu na skupienie się na skomplikowanych kompozycjach z okresu baroku i przedstawieniach opartych na faktach historycznych.

Najważniejszym wydarzeniem była bez wątpienia współpraca z niezwykłymi muzykami, których łączy wspólna pasja do muzyki. Festiwal zgromadził imponującą grupę mistrzów muzyki kameralnej, którzy prowadzili kursy mistrzowskie i seminaria. Wśród nich znalazły się niezwykłe osoby, takie jak Weicong Zhang, absolwent Manhattan School of Music, który występował w Carnegie Hall i współpracował z muzykami na całym świecie, oraz Yingdi Sun, zdobywczyni złotej nagrody na 7. Międzynarodowym Konkursie Pianistycznym im. Franza Liszta.

Sun, profesor fortepianu w Konserwatorium Muzycznym w Szanghaju, został zaproszony do występu w Wielkiej Sali Ludowej dla Prezydenta Xi Jinpinga i innych wizytujących głów państw w 2014 r. W ramach festiwalu wystąpił także zespół utalentowanych instrumentalistów, w tym znani skrzypkowie i wiolonczeliści , fleciści i pianiści. Współpraca z tymi znakomitymi muzykami i obserwowanie ich występów było zarówno edukacyjne, jak i inspirujące.

W starannie dobranym repertuarze festiwalu znalazły się nie tylko dzieła wybitnych kompozytorów baroku, takich jak Johann Sebastian Bach, George Frederic Handel i Antonio Vivaldi, ale także kompozytorów klasycznych, takich jak Franz Schubert i Mozart. Wyzwanie i ogromna radość odkrywania złożoności tych arcydzieł i przedstawiania ich w sposób historyczny były głęboko wzbogacające.

Szczególnie zapadającym w pamięć przeżyciem było wykonanie Tria fortepianowego nr 1 op. 99 D 898 Schuberta podczas ceremonii zamknięcia festiwalu. Przed występem wzięliśmy udział w kilku kursach mistrzowskich prowadzonych przez Weiconga Zhanga na temat tego utworu, co pozostawiło nam dwa dni na przemyślenie i wdrożenie komentarzy i sugestii.

Nasza trójka ściśle ze sobą współpracowała, eksperymentując z licznymi pomysłami, aby odkryć idealne brzmienie, które oddaje w sobie muzykę Schuberta i okres klasyczny, zachowując jednocześnie nasze odrębne głosy i interpretacje. Pod okiem mistrza nasze końcowe wyniki wykazały zauważalną poprawę, odzwierciedlającą nasz wzrost i rozwój.

Jak przygotowywałeś się do swojego solowego recitalu na Festiwalu Pianistycznym w Bolzano Bozen we Włoszech? Czy podczas procesu przygotowań napotkałeś jakieś szczególne wyzwania?

Przygotowania do mojego solowego recitalu na Festiwalu Pianistycznym w Bolzano Bozen we Włoszech były intensywną i ekscytującą podróżą. Aby zapewnić występ, który zostanie zapamiętany, poświęciłem znaczną ilość czasu i wysiłku, aby zapewnić wyrafinowaną i atrakcyjną artystycznie prezentację.

Pierwszym krokiem było staranne dobranie repertuaru, który nie tylko podkreślał moje zdolności muzyczne, ale także harmonizował z tematyką festiwalu. Wymagało to kompleksowych badań, przestudiowania różnych kompozytorów i ich dzieł, a ostatecznie opracowania programu oferującego połączenie wirtuozerii, głębi emocjonalnej i różnorodności stylistycznej. Wybrane utwory, m.in. Partita nr 2 JS Bacha, Fantazja wędrowna F. Schuberta, Scherzo nr 3 F. Chopina i Fantazja Polonez, obejmowały setki lat i trzy okresy, stanowiąc doskonałą wizytówkę ewolucji muzycznej.

Szczególnym wyzwaniem podczas procesu przygotowawczego było radzenie sobie z lękiem przed wynikami. Pierwsza podróż do Włoch i spotkanie z mistrzami muzyki z całego świata sprawiło, że wszystko wydawało się obce, co zwiększyło mój poziom stresu. Aby dobrze wypaść w tych okolicznościach, skoncentrowałem się na opanowaniu wymagań technicznych wybranych utworów. Każdy utwór prezentował swój unikalny zestaw skomplikowanych fragmentów, trudnych palcowań i złożonych struktur muzycznych.

Aby pokonać te wyzwania, pilnie ćwiczyłem gamy, arpeggia i etiudy, aby udoskonalić swoje umiejętności techniczne, dążąc do wyższego poziomu precyzji i kontroli. Ponadto osiągnięcie całkowitej znajomości muzyki dzięki niezliczonym godzinom ćwiczeń i uważnemu słuchaniu umożliwiło mi utrzymanie wysokiej jakości występów pod presją, nawet w nieco rozproszonych sytuacjach.

Kolejnym wyzwaniem było znalezienie właściwej równowagi pomiędzy poprawnością techniczną i wyrazem artystycznym. Kluczowe było nie tylko nienaganne wykonanie nut, ale także wyrażenie emocjonalnej głębi i muzykalności nieodłącznie związanej z każdym utworem. Eksploracja ta polegała na dokonywaniu różnych wyborów interpretacyjnych, eksperymentowaniu z różnymi frazami i dynamiką oraz dążeniu do wydobycia niepowtarzalnego charakteru każdego utworu.

Wreszcie, dostosowanie do różnych fortepianów stanowiło własne wyzwanie. Jednakże dzięki dokładnej praktyce i elastyczności upewniłem się, że mogę zapewnić spójne i wciągające wykonanie niezależnie od charakterystycznych cech instrumentu.

Czy mógłbyś podzielić się jakąś niezapomnianą współpracą z orkiestrą, na przykład Orkiestrą Konserwatorium w Xi'an? Jak to było występować z orkiestrą symfoniczną i jak wzmocniło to twoją muzyczną ekspresję?

Występ Xiaohe Liu z Orkiestrą Konserwatorium Xi'an

Doświadczenie występu z orkiestrą symfoniczną jest niezrównane. Podnosi ekspresję muzyczną i dodaje głębokiego wymiaru występowi. Moja współpraca z Orkiestrą Konserwatorium Xi'an była niezwykłą okazją, która pozwoliła mi połączyć mój kunszt ze zbiorowym blaskiem i bogactwem pełnego zespołu symfonicznego. Orkiestra ta, składająca się z wysoko wykwalifikowanych muzyków, zapewniła solidną podstawę i spektrum żywych kolorów, które podkreśliły moją muzyczną interpretację.

Bycie częścią występu orkiestry symfonicznej jest zarówno inspirujące, jak i pokorne. Kiedy siedziałem obok dyrygenta, ogrom dźwięku, precyzyjna synchronizacja zespołu i wyczuwalna energia stworzyły przeżycie wykraczające poza werbalną artykulację.

Jednym z głównych wyzwań związanych z występowaniem z orkiestrą, zwłaszcza w kontekście koncertu fortepianowego, jest kluczowa rola, jaką odgrywa pianista. Wszelkie błędy lub rozbieżności mogą potencjalnie zakłócić pracę orkiestry, prowadząc do zamieszania. Aby uhonorować zbiorowy wysiłek dyrygenta i innych muzyków, istotne było dla mnie staranne przygotowanie I Koncertu fortepianowego Chopina.

Przygotowanie to nie ograniczało się do zapamiętania mojej partii, ale także dokładnego zrozumienia, kiedy orkiestra wchodzi i wychodzi w każdej części utworu. Kluczowe było także dopasowanie mojej interpretacji do wizji dyrygenta. Ten oparty na współpracy charakter występu wzmocnił poczucie wzajemnego zaufania i szacunku, gdy zmierzaliśmy w stronę wspólnego muzycznego celu.

Jednym z najbardziej niezwykłych aspektów występów z Orkiestrą Konserwatorium Xi'an był dialog muzyczny podczas koncertu fortepianowego. Wzajemne współdziałanie fortepianu i różnych sekcji orkiestry, z których każda odpowiadała na muzyczne pomysły drugiej i opierała się na nich, była źródłem ogromnej radości i inspiracji. Przeplatające się melodie smyczków, instrumentów dętych blaszanych i instrumentów dętych drewnianych z głosem fortepianu stworzyły zawiły gobelin dźwiękowy, który był porywający i głęboko poruszający.

Co więcej, to doświadczenie z orkiestrą symfoniczną poszerzyło moją muzyczną perspektywę. Pozwoliło mi to zrozumieć niuanse orkiestracyjne, delikatną równowagę głosów i sztukę łączenia poszczególnych wkładów w harmonijną całość. To spotkanie pogłębiło moje zrozumienie repertuaru orkiestrowego i ogromnie wzbogaciło moją wrażliwość muzyczną.

Czy możesz opisać repertuar, który wykonywałeś podczas swoich występów kameralnych? Co przyciągnęło Cię do muzyki kameralnej i czym różni się ona od występów jako solista?

Międzynarodowy Konkurs Artystów Koncertowych 2023

Podziel się z nami swoimi wrażeniami z występu na koncercie inaugurującym Festiwal Sztuki Pianistycznej Xi'an Conservatory of Music Piano Art 2016. Jakie to uczucie być częścią tak prestiżowego wydarzenia i jak publiczność zareagowała na Twój występ?

Zaproszenie do występu na Międzynarodowym Festiwalu Sztuki Fortepianowej w Xi'an było dla mnie zaszczytem i emocjonującym przeżyciem. Jak potwierdzi każdy pianista, udział w tak prestiżowym wydarzeniu stanowi znaczący kamień milowy w artystycznym krajobrazie Chin.

Występy w dużych, cenionych miejscach, takich jak Centrum Artystyczne Xi'an i udział w kursach mistrzowskich prowadzonych przez uznanych muzyków z całego świata, zapewniły nieocenione możliwości rozwoju, nauki i nawiązywania kontaktów. Na festiwalu wystąpiło światowej klasy muzyków, w tym Ying Wu, prezes Towarzystwa Pianistycznego Chińskiego Towarzystwa Muzyków i inni luminarze, tacy jak Shaoyi Dan, Yunjie Wu i Danwen Wei.

Udział w tak prestiżowym wydarzeniu był zaszczytem, który pozwolił mi doskonalić swoje umiejętności i zdobywać nowe doświadczenia edukacyjne. Publiczność była niezwykle ciepła i otwarta. Ich oklaski i uznanie dodały mi pewności siebie i potwierdziły, że moje nieustanne dążenie do mistrzostwa i zaangażowanie w muzykę zostały docenione i docenione.

Naturalnie występowanie na tak prestiżowych wydarzeniach, jak to, wiąże się z pewnymi nerwami. Z tyłu głowy zawsze siedzi strach przed potencjalnymi błędami lub wpadkami. Występ był jednak dobrze wykonany i został ciepło przyjęty przez publiczność, co było dla nas ogromną satysfakcją.

Jedną z głównych atrakcji festiwalu były zajęcia mistrzowskie, w których uczestniczyłam, prowadzone przez Shaoyi Dan. Zajęcia te dały mi możliwość zdobycia bezcennych spostrzeżeń i opinii, wzbogacając moje ogólne doświadczenia związane z festiwalem. Bycie częścią tego prestiżowego wydarzenia było naprawdę wyjątkowe i wzmocniło moje zaangażowanie w moją muzyczną podróż.

Czy występując w różnych krajach Azji, Europy i Ameryki Północnej zauważyłeś jakieś różnice kulturowe w zaangażowaniu publiczności? Jak zaadaptowałeś się do tych różnic i czy wpłynęły one na Twój styl występów?

Muzyka klasyczna, jak każda forma sztuki, ma wyjątkowe znaczenie kulturowe i ucieleśnia odrębny rozwój historyczny w różnych regionach. Te różnice regionalne odgrywają zasadniczą rolę w kształtowaniu postaw odbiorców wobec muzyki i ich uznania dla niej. Każdy region charakteryzuje się unikalnymi normami, oczekiwaniami i reakcjami na występy na żywo, które niezmiennie wpływają na mój styl występów i dobór repertuaru.

W Azji, zwłaszcza w krajach takich jak Chiny, publiczność podczas występów jest bardziej powściągliwa i uważna. Podkreślają szacunek do artysty i kulturę skupionego słuchania. Podczas recitalu oklaski mogą być mniej stonowane pomiędzy utworami, ale uznanie jest głęboko odczuwalne i często koncentruje się na biegłości technicznej.

Wręcz przeciwnie, europejska publiczność często demonstruje bogate dziedzictwo kulturowe związane z uznaniem muzyki klasycznej. Biorąc pod uwagę, że muzyka klasyczna ma głęboko zakorzenione korzenie w ich kulturze, publiczność ma wiedzę i pasję do repertuaru. Ich zaangażowanie widać w częstych, entuzjastycznych brawach i wokalnych wyrazach uznania. Europejska publiczność jest często dobrze zorientowana w niuansach muzyki klasycznej, aktywnie reagując na prezentowaną interpretację i muzykalność.

Kultura koncertowa w Ameryce Północnej jest żywa i różnorodna. Publiczność tutaj jest bardziej demonstracyjna, wyrażając swój entuzjazm i uznanie poprzez oklaski i reakcje wokalne. Atmosfera często sprzyja bardziej nieformalnemu i interaktywnemu poczuciu połączenia między wykonawcą a publicznością. Wydaje się również, że istnieje większa akceptacja dla swobodniejszych interpretacji.

Te różnice kulturowe subtelnie wpływają na mój styl występów. Na przykład w regionach, w których publiczność jest bardziej powściągliwa, mógłbym bardziej skupić się na przekazywaniu subtelności i niuansów emocjonalnych, pozwalając muzyce komunikować się na własnych warunkach. Z drugiej strony, w regionach z bardziej ekspresyjną publicznością, mógłbym podkreślić dynamiczne kontrasty i zaangażować się w bardziej bezpośrednią komunikację ze słuchaczami. Ostatecznie moim celem jest znalezienie równowagi pomiędzy pozostaniem wiernym mojej artystycznej interpretacji, a jednocześnie reagowaniem na normy kulturowe każdego konkretnego regionu.

Jakie jest Twoje podejście do równoważenia interpretacji intencji kompozytora z dodawaniem własnej ekspresji artystycznej podczas solowych występów? Jak dbasz o to, aby Twoje interpretacje przemówiły do odbiorców?

Znalezienie równowagi pomiędzy uhonorowaniem intencji kompozytora a wyrażeniem osobistej kreatywności jest rzeczywiście sztuką piękną. Niezwykle istotne jest szanowanie oryginalnej wizji kompozytora, a jednocześnie pozwalanie, aby muzyka służyła jako kanał osobistej ekspresji.

Mój pierwszy krok w kierunku osiągnięcia tej równowagi polega na przeprowadzeniu kompleksowych badań składu. Obejmuje to zbadanie kontekstu historycznego utworu, zrozumienie życia i wpływów kompozytora oraz zapoznanie się ze stylami muzycznymi panującymi w okresie, w którym utwór został skomponowany. To zrozumienie pozwala mi zrozumieć intencje kompozytora i przesłania, jakie chciał on przekazać poprzez swoją muzykę.

Po tej fazie badań głęboko internalizuję muzykę, łącząc się z emocjonalną treścią utworu, identyfikując leżące u jego podstaw narracje i wykorzystując możliwości ekspresyjne partytury. Proces ten pozwala mi emocjonalnie połączyć się z muzyką i zbudować z nią osobistą relację.

Szanując intencję kompozytora, staram się także wpoić w muzykę swoją interpretację. Obejmuje to odkrywanie różnych możliwości frazowania, dynamiki i tempa oraz eksperymentowanie z różnymi niuansami i kolorami, aby wydobyć mój niepowtarzalny muzyczny głos. Ta eksploracja ułatwia mi osobisty kontakt z muzyką i pozwala mi przekazać publiczności moją emocjonalną podróż. Jednak te osobiste wypowiedzi i wybory artystyczne zawsze wynikają z tego, co jest już obecne w partyturze. Na przykład, jeśli harmonie w utworze mają wyraźnie ciemny kolor, mogę zdecydować się na grę delikatniejszą lub podkreślić bas, dostosowując w ten sposób moją interpretację do intencji kompozytora.

Informacje zwrotne od innych muzyków i mistrzów również odgrywają kluczową rolę w udoskonalaniu mojej interpretacji. Niektóre osoby mogą lepiej zrozumieć konkretny utwór, a ich spostrzeżenia mogą okazać się bezcenne. Jeśli znaczna liczba słuchaczy zasugeruje, że moja interpretacja zbytnio odbiega od pierwotnego zamysłu lub brakuje jej osobistego polotu, pozostaję otwarty na ponowną ocenę i dostosowanie mojego podejścia.

Ostatecznie celem jest uszanowanie i uhonorowanie intencji kompozytora, a jednocześnie dodanie osobistego akcentu, który uwydatnia muzykę i czyni ją niepowtarzalną. Rzeczywiście jest to delikatna równowaga, ale osiągnięcie jej może zaowocować głęboko znaczącymi i urzekającymi występami.

Czy możesz podzielić się przykładem, w którym stałeś przed szczególnie wymagającym utworem muzycznym i jak pokonałeś trudności? Jak podszedłeś do procesu uczenia się i zapewniłeś pomyślne wyniki?

To naprawdę intrygujące pytanie, ponieważ żaden utwór muzyczny nie jest pozbawiony trudnych aspektów. Pomysł, że kompozycja może być na tyle prosta, że można ją bezbłędnie wykonać za pierwszym razem, jest błędnym przekonaniem. Nawet najprościej wyglądające elementy często zawierają wymagające elementy. Każdy utwór i każdy kompozytor przedstawia swój własny, niepowtarzalny zestaw wyzwań.

Często przyłapuję się na tym, że zastanawiam się, co odróżnia brzmienie jednego kompozytora od brzmienia innego. Czy te różnice mają charakter bardziej muzyczny czy techniczny? Dlatego w obliczu trudności muzycznych lub technicznych moim pierwszym krokiem jest zawsze zbadanie kompozytora. Następnie wykonuję powolną i uważną praktykę, wykorzystując powtarzanie jako kluczowe narzędzie do opanowania trudnych fragmentów.

Jeśli wyzwanie leży bardziej po stronie muzycznej, zaśpiewam utwór i poszukam różnych interpretacji różnych wykonawców. To ćwiczenie pozwala mi zrozumieć zakres możliwości interpretacji utworu i pomaga mi rozwinąć moje unikalne podejście do niego.

Następnie tworzę plan kształtu utworu, który obejmuje między innymi decyzje dotyczące frazowania, dynamiki i tempa. Kiedy już sfinalizuję ten plan, zapisuję go na nutach, aby mieć pewność, że zapamiętuję i zachowam spójność za każdym razem, gdy gram dany utwór.

Granie muzyki to nie tylko samo wykonanie. Chodzi także o dokładne badania i eksplorację tego, jak chcesz, aby muzyka brzmiała i jak osiągnąć pożądany dźwięk. Każde wyzwanie w utworze to nowa szansa na naukę, która pomaga mi rozwijać się jako muzyk.