Anita Mannings: Cativando o palco e além

No centro das atenções e nos bastidores, Anita Mannings é uma sinfonia de movimento e expressão, harmonizando as rigorosas exigências da performance com a delicada arte da coreografia. No mundo dinâmico do cinema e do entretenimento, um conjunto multifacetado de habilidades não é apenas um trunfo, mas uma necessidade. Hoje, à medida que a indústria evolui a um ritmo vertiginoso, a versatilidade em dança, canto, representação, coreografia e educação continua a ser crucial. Essas disciplinas estão interligadas, cada uma alimentando e aprimorando a outra, fazendo com que profissionais como Anita não sejam apenas participantes, mas formadores do cenário das artes cênicas.

A jornada de Anita Mannings pelas artes cênicas é tão diversa quanto impressionante. Formada internacionalmente, sua carreira abrange continentes e disciplinas. Como bailarina, os seus passos são ao mesmo tempo uma narrativa e uma emoção; como cantora, sua voz é a melodia das histórias que conta; como atriz, ela incorpora personagens com autenticidade convincente; como coreógrafa, ela transforma essas habilidades em performances cativantes; e como educadora, ela molda a próxima geração com a sabedoria da sua experiência. Suas conquistas são uma prova de sua habilidade e dedicação, desde seus primeiros dias cativando o público até receber elogios por sua versatilidade e trabalho em equipe em produções teatrais.

Suas indicações para “Melhor Diretor” e “Melhor Trupe” em Cinderela com Chaplins Pantos não são apenas elogios, mas afirmações de seu compromisso com a excelência e a colaboração. Essas indicações refletem sua capacidade de liderar, inspirar e inovar, marcando-a como uma figura proeminente no teatro. Enquanto isso, seu status como coreógrafa de destaque, destacada por seus projetos e um notável recurso no YouTube, ressalta sua influência e criatividade. O trabalho de Anita é um diálogo com seu público, cada movimento e nota é uma palavra em uma história maior de emoção e experiência humana.

Em nossa entrevista com Anita, nos aprofundamos nos domínios da excelência teatral e da liderança coreográfica que definem sua carreira. Sua história é de resiliência, adaptabilidade e inovação contínua. À medida que continua a moldar o futuro do teatro e da dança, Anita Mannings destaca-se não apenas como uma líder distinta, mas também como uma força inspiradora, ultrapassando os limites do que é possível na tapeçaria em constante evolução das artes performativas.

Olá Anitta! É uma honra ter você conosco hoje. Como você equilibra os aspectos duais de sua carreira como intérprete e coreógrafo, e como esses papéis influenciam e melhoram um ao outro?

Sinceramente, passo por fases: às vezes estou mais focada na minha carreira coreográfica e às vezes na atuação. Isso depende de como estou me sentindo e de quais projetos ou oportunidades estão atualmente em minha vida, porque tenho muito mais controle sobre um caminho do que sobre o outro. Ser coreógrafo envolve criar seu próprio trabalho, tomar iniciativa e criar suas próprias oportunidades, enquanto ser artista envolve, em última análise, esperar que alguém lhe dê um emprego. Como artista, você pode treinar aulas de dança, canto, atuação todos os dias, ter ótimas fotos profissionais, um site e um bom agente, mas no final das contas, a decisão de lhe oferecer trabalho está completamente nas mãos de outra pessoa. . Muitas vezes nem é baseado no talento, mas sim se você se enquadra no que eles procuram. Então, se eu estiver passando por uma fase tranquila em minha carreira artística, usarei o tempo para começar a criar novamente. Então, eventualmente, quando surgir uma oportunidade de desempenho, mudarei meu foco para isso. É tudo uma questão de dar e receber e trabalhar com o que você pode controlar; é assim que você permanece fortalecido e inspirado.

A coreografia me dá uma forma de me expressar como artista e de ter algum controle sobre minha carreira. Isso realmente me ajudou mentalmente como artista, porque quando estou lutando para conseguir empregos, o lembrete de que posso criar e me expressar de outras maneiras me enche de confiança e motivação. Além disso, quando estou atuando, tenho um bom entendimento das formações e sempre fico fascinado em ver o processo criativo do coreógrafo, então talvez possa levar em conta algumas de suas técnicas quando voltar a criar. Como coreógrafo, uso minhas habilidades performáticas para brincar com passos; Posso experimentar adicionar diferentes sentimentos ou qualidades de performance aos passos, como tristeza, contato visual ou dançar pequeno ou grande, para ver como isso muda a coreografia. Para mim, tanto na performance quanto na coreografia, contar histórias é o elemento mais importante.

Você pode compartilhar sua experiência e processo de preparação para os papéis que levaram às suas indicações para “Melhor Garoto Principal” e “Melhor Trupe” em Cinderela com Chaplins Pantos?

Acho que o elemento mais importante que levou a essas nomeações foi a diversão! No início, fiquei um pouco assustado em interpretar o papel do Príncipe em Cinderela, pois nunca havia interpretado um personagem masculino antes. Para me preparar para o papel do Príncipe em Cinderela, fiz algumas pesquisas sobre os personagens interpretados pelo famoso grupo de comédia britânico Monty Python, conforme recomendado pelo meu diretor, e baseei o Príncipe em Sir Robin do filme “O Santo Graal”. Tornei o príncipe muito engraçado e arrogante, tão arrogante que ele se amava mais do que a Cinderela e não se interessava tanto por ela.

Isso tornou o papel muito divertido de interpretar, e sempre adorei fazer o público rir do ridículo do Príncipe e de como ele era vaidoso. Fiquei muito confortável com o papel e comecei a experimentar até onde poderia levar o aspecto da comédia, permanecendo fiel ao personagem. Além disso, nosso elenco se dava incrivelmente bem e estávamos sempre rindo e brincando dentro e fora do palco. Isso nos permitiu ficar muito confortáveis ​​um com o outro e experimentar, tornando esse show sempre diferente. Acho que nossa química fora do palco foi sentida pelo público no palco! Arte é brincadeira, e como não nos levamos muito a sério, nos divertimos muito interpretando nossos personagens e deixando a atuação simplesmente acontecer, em vez de termos regras rígidas para cada cena. Acho que isso fez o público se divertir também!

Como artista indicado pela excelência no trabalho em equipe, qual é a sua abordagem para colaborar com o elenco e a equipe técnica para criar uma produção coesa e bem-sucedida?

Como mencionado antes, é importante não se levar muito a sério ou ter regras rígidas sobre como as coisas “deveriam” ser. A arte não tem regras, então quando você começa a tentar limitar a criatividade das pessoas ou impor que as coisas sejam feitas de uma determinada maneira, é aí que a tensão pode surgir. Flexibilidade e adaptabilidade são cruciais, pois as pessoas vão sentir-se diferentes todos os dias, e quando estávamos em digressão com Chaplins, estávamos num local diferente todos os dias, adaptando-nos diariamente a novos ambientes. Além disso, como coreógrafo, trabalho com a minha equipe e não contra ela. Eu trabalho com os pontos fortes deles porque quero que eles se sintam bem no palco e que meu trabalho tenha uma boa aparência; trata-se de trabalhar de maneira mais inteligente, não mais difícil.

Também acho que deixar qualquer drama ou discussão de lado é muito importante. Assim como qualquer trabalho, quando você passa pela porta do ensaio ou sobe ao palco, quaisquer discussões ou desentendimentos devem ser deixados para trás, e você deve permanecer profissional, independentemente do que sinta por dentro! Sempre sigo meus dois Ps: Educado e Profissional. Acredito muito nas boas maneiras e, mesmo que esteja irritado com alguém, ainda vou agradecer no final do show. Você tem que manter sua integridade. Se houver um confronto, nunca jurarei e serei o mais assertivo possível, tentando prestar contas de qualquer coisa que possa ter feito. Freqüentemente, você mora com seu elenco e também trabalha com eles por meses a fio, e o drama é inevitável, então, se o drama surgir, ter habilidades assertivas e ser responsável é uma obrigação.

Quando você é coreógrafo, como você conceitua e cria peças de dança que não apenas envolvem, mas também deixam um impacto duradouro em seu público?

Por mais brega que isso possa parecer, sempre começo com meu coração. Se tenho sentimentos fortes sobre alguma coisa, acredito que há uma chance de alguém sentir o mesmo, e se eu conseguir colocar esse sentimento na coreografia, então espero que a peça emocione as pessoas que a assistem. Como humanos, muitas vezes acreditamos que somos os únicos que nos sentimos de determinada maneira, mas estamos errados, e quando apresento minha coreografia, lembro-me disso.

Meu primeiro artigo oficial foi sobre um amigo próximo que faleceu de câncer aos 17 anos. Eu não tinha expectativas; Eu apenas coreografei o que senti e depois coloquei no palco. Para minha surpresa, recebi uma resposta muito forte. As pessoas choravam na plateia e recebi muitas mensagens de apoio, inspiração e agradecimento. Foi incrivelmente comovente e inesperado; tudo o que fiz foi colocar algo que senti em uma dança. Daquele momento em diante, eu sabia que sempre teria que coreografar com o coração, porque era quando parecia ter o maior impacto, mesmo sem tentar.

Acho que os humanos se conectam quando sentem os sentimentos de outros seres humanos, e todos nós sabemos quando algo parece falso e quando é genuíno. Sempre tento ser o mais honesto e vulnerável possível. Acredito que ser corajoso e vulnerável pode permitir que outros se sintam menos sozinhos e pode dar-lhes permissão para fazer o mesmo. Não suporto a ideia de alguém passar por algo sozinho. Embora eu não pretenda ajudar as pessoas através da minha coreografia, me disseram que sim. Para concluir, só quero ser honesto; há tanta “falsidade” no mundo agora que acho que as pessoas estão apreciando cada vez mais a autenticidade, pois ela está se tornando rara.

De onde você tira inspiração para sua coreografia e como você se mantém inovador e atualizado em sua abordagem?

Muitas vezes me inspiro em coisas que aconteceram comigo ou em assuntos pelos quais tenho fortes sentimentos e, às vezes, em como uma determinada peça musical me faz sentir. Coreografei peças sobre luto, os ataques de Paris, saúde mental e até rejeição e resiliência em meu próprio setor. É claro que se estou coreografando para uma empresa ou para um cliente, então estarei adaptando um briefing, mas quando tiver minha própria liberdade artística, sempre recorrerei a minhas próprias experiências.

Acho que quando você coreografa inspirado na vida, suas ideias estarão sempre frescas porque a vida está em constante mudança e nos lança desafios e curvas. Há sempre um novo capítulo para escrever ou uma nova dança para criar! Para permanecer inovador na minha abordagem, vou assistir a shows e continuo treinando e participando de aulas e workshops de dança, aprendendo com colegas criativos para continuar encontrando novas inspirações e técnicas e melhorando minhas próprias habilidades como dançarino. Serei sempre um estudante!

Como líder tanto em performance teatral quanto em coreografia, que princípios o orientam na orientação e inspiração de outras pessoas de sua equipe ou elenco?

Acredito muito na criação de um ambiente positivo, seguro e encorajador. Eu me encontrei em muitos ambientes negativos durante o treinamento; houve muitos comentários e críticas duras, que muitas vezes não eram construtivas, e a comparação e a competição entre pares foram incentivadas. Tornei-me um artista muito tenso e estressado porque sentia que não tinha permissão para cometer erros e explorar meu próprio talento artístico. Também havia muito favoritismo e muitas vezes eu era colocado no final das peças de dança, diminuindo ainda mais minha confiança. Nunca quero que ninguém que eu ensino, oriente ou coreografe se sinta assim. Sempre incentivo meus colegas e foco em seus pontos fortes, com o objetivo de capacitá-los em vez de rebaixá-los. Serei sempre honesto também, mas de uma forma construtiva, porque não é justo com um aluno se você disser que ele é incrível quando ainda há coisas para trabalhar e que ele quer melhorar. A crítica correta é para eles, não para você, porque você deseja que eles sejam melhores.

Você pode discutir um momento particularmente desafiador em sua carreira, seja no palco ou nos bastidores, e como você o superou?

Meu tempo trabalhando como coreógrafo e dançarino principal nas Aldeias Siblu foi particularmente desafiador; foi durante a pandemia e tivemos que adaptar os programas todos os dias devido a lesões no elenco, doenças ou até mesmo redundância. Eu coreografei e criei três shows de uma hora e meia e, toda semana, havia novos membros do elenco se juntando à equipe que precisavam ser adicionados e membros antigos do elenco que estavam feridos, adoecendo, sendo demitidos ou impossibilitados de atuar devido a estresse. Foi um momento muito desafiador porque, como coreógrafo, tive que me adaptar e mudar o espaçamento de shows inteiros muitas vezes no dia e ensinar as novas formações de forma clara e tranquila para minha equipe que não eram bailarinos profissionais, ao mesmo tempo atuando como dançarina principal e mantendo meu nível de desempenho em um alto padrão. Superei isso honestamente apenas “continuando com o trabalho”; Não tive escolha, pois não havia tempo para ficar estressado ou chateado. Acho que quando você está nessas situações, basta focar em permanecer profissional e no público e no que ele quer: se divertir. Sim, houve passos que ficaram esquecidos e a coreografia não ficou tão limpa como eu gostaria, mas o público ficou feliz e isso era o que importava. Às vezes você só precisa se concentrar no objetivo geral e não nos detalhes quando o tempo é limitado.

Por último, tentei permanecer grato pelo meu trabalho na Siblu; Tive muita sorte de trabalhar como bailarina e coreógrafa durante a pandemia e também de viver numa zona absolutamente linda no sul de França. A gratidão me ajudou a manter alguma perspectiva e também a aproveitar os momentos que tive com meu elenco. Guardei lindas lembranças lá.

Por último, com a sua reputação estabelecida em performance e coreografia, quais projetos ou aspirações futuras você almeja e como planeja continuar evoluindo em seu ofício?

Trabalhei extensivamente no Reino Unido e na Europa, e meu próximo objetivo são os EUA. Meu sonho é trabalhar como performer e coreógrafo em Nova York. Estudei lá como estudante de dança e fui profundamente inspirado pela comunidade de dança e pela própria cidade. Espero ter a oportunidade de levar meu trabalho para lá.

Acredito que para evoluir seu ofício é preciso permanecer sempre um estudante e estar aberto para aprender novos estilos, técnicas e ideologias. Frequento regularmente aulas de dança com coreógrafos e criativos consagrados para me manter inspirado, e também leio livros. Conhecimento é poder, e eu realmente acredito que, como artistas, deveríamos expandir nossas mentes e desafiar nossas ideias constantemente. Alguns livros que me inspiraram profundamente são “Big Magic”, de Elizabeth Gilbert, “The War of Art”, de Steven Pressfield, e “The Practice”, de Seth Godin. Atualmente estou lendo “The Power of Now” de Eckhart Tolle, que é mais focado na mente, mas está tudo conectado. Se minha mente estiver saudável, poderei criar mais e continuar a compartilhar minha arte com o mundo.

Ao concluirmos nossa exploração da carreira dinâmica de Anita Mannings, ficamos inspirados por sua incansável paixão, resiliência e versatilidade nas artes cênicas. Desde as suas performances cativantes até às suas narrativas coreográficas profundas, Anita tem constantemente ultrapassado os limites da criatividade, provando ser uma força formidável na indústria. A sua jornada serve como um farol de inspiração para artistas e entusiastas, um lembrete do poder transformador da dedicação e da inovação artística.

Convidamos vocês, nossos leitores, a se aprofundarem no mundo de Anita. Acompanhe sua jornada, testemunhe suas performances e deixe-se emocionar pelo talento artístico que a tornou uma figura de destaque nas artes cênicas. Junte-se a nós na celebração de Anita Mannings, uma verdadeira maestro do palco e muito mais, cuja história não é apenas sobre sucesso, mas sobre a arte de transformar desafios em triunfos.