Edição para o sucesso: uma visão interna da carreira do editor de cinema Sr.

Edição para o sucesso: uma visão interna da carreira do editor de cinema Sr.

A indústria cinematográfica e de entretenimento passou por uma transformação significativa nas últimas décadas. Passou de um setor de nicho para uma grande potência global que afeta milhares de milhões de vidas diariamente. O significado criativo, económico e social da indústria não pode ser subestimado, com a sua influência a ir muito além do entretenimento. Na era digital de hoje, não só molda a cultura pop e as narrativas sociais, mas também impulsiona a inovação tecnológica e o crescimento económico.

No centro desta indústria influente estão indivíduos talentosos que dão vida às histórias, e um desses indivíduos é Haoyu Ju. Renomado montador de cinema, Ju gravou seu nome nos anais do cinema contemporâneo por meio de sua notável obra. Sua visão criativa e domínio técnico o levaram a trabalhar em uma série de filmes, vários dos quais foram elogiados em respeitados festivais de cinema em todo o mundo.

A história de Ju começou no Conservatório do American Film Institute, onde aprimorou suas habilidades e desenvolveu um olhar aguçado para a construção narrativa. Desde então, sua carreira tem sido uma prova de seu ofício, com filmes como “CHORUS” e “AND I MISS YOU LIKE A LITTLE KID” recebendo aclamação da crítica e reconhecimento em festivais. Suas proezas de edição não apenas moldaram esses filmes, mas também contribuíram para o discurso mais amplo sobre a narrativa cinematográfica.

Seu trabalho em “CHORUS” foi destacado por sua clareza narrativa e ressonância emocional, uma prova da habilidade de Ju em esculpir narrativas que envolvem profundamente os espectadores. Da mesma forma, seu trabalho em “AND I MISS YOU LIKE A LITTLE KID” demonstrou sua aptidão para lidar com temas complexos com sensibilidade e sutileza. O sucesso desses filmes em plataformas de prestígio como o Festival Internacional de Cinema de Curtas de Nova York, CAA Moebius e AFI Fest ressaltam a posição de Ju na indústria e sua relevância contínua no cinema contemporâneo.

Tivemos a oportunidade única de conversar com Haoyu Ju, revelando seu processo criativo, jornada de carreira e compreensão do setor. Ao longo de nossa discussão, nos aprofundamos em suas filosofias, metodologias e visão para contar histórias no século XXI. Desde suas inspirações criativas até sua abordagem de edição e seus pensamentos sobre o futuro da indústria cinematográfica, nossa conversa com Ju proporcionou insights fascinantes sobre a mente de um dos mais talentosos editores de cinema da atualidade.

Você é uma grande inspiração para muitas pessoas. Conte-nos, o que o atraiu a se tornar editor na indústria cinematográfica e como você começou?

Assim como os cineastas que experimentam pela primeira vez o cinema quando pegam uma câmera e pressionam a gravação, minha jornada no mundo da edição começou quando coloquei meus dedos no teclado do meu laptop. Isso foi durante uma videoaula durante meus anos de graduação na UCLA, onde tive a oportunidade de editar o primeiro vídeo que eu mesmo havia filmado.

Após essa experiência inicial, seguiu-se uma residência de três anos. Este período foi caracterizado pela prática intensiva e estudo de produção e edição de filmes. Tive a oportunidade de colaborar com vários cineastas, aprimorando minhas habilidades através da edição de uma variedade de filmes. Este intenso período de crescimento e desenvolvimento permitiu que minhas qualificações, conhecimentos e habilidades como editor amadurecessem exponencialmente.

Agora, encontro-me juntando-me às fileiras de milhares de outros editores em Hollywood, todos nós unidos pela nossa paixão partilhada por contar histórias. Mas, como acontece com qualquer ofício artístico, a edição é uma jornada que se estende ao longo da vida. Acabei de dar meus primeiros passos e estou ansioso e entusiasmado com o caminho que tenho pela frente.

Na sua opinião, quais são algumas das qualidades mais importantes que um editor deve ter e como você desenvolveu essas qualidades ao longo de sua carreira?

O renomado editor vencedor do Oscar, Richard Halsey, certa vez fez uma visita à minha aula de edição no Conservatório AFI. Durante sua sessão esclarecedora, ele delineou três princípios-chave de um editor: organização, confiança em seus instintos e dizer a verdade. Desde então, essas palavras serviram como princípios orientadores em minha prática de edição.

Muitas vezes descrevemos a edição como o rascunho final de um filme, o que significa a imensa responsabilidade que ela possui. Um editor entrelaça imagens e sons, moldando a história em sua forma mais atraente. A tarefa é delicada; a edição pode elevar um filme ou provocar sua queda. A escolha de um editor, quer se trate da duração de um corte, do tipo de plano para uma batida ou da seleção entre uma peça de música clássica ou uma canção de rock, pode ter consequências substanciais.

Esta tarefa desafiadora exige um editor com grande acuidade, atenção meticulosa aos detalhes, proficiência técnica superior com programas NLE, um espírito indomável de tentativa e erro e, o mais importante, uma compreensão abrangente da história e de seus personagens.

Curiosamente, o destino de um filme muitas vezes depende da dinâmica da sala de edição. Como primeiro público do filme, o editor deve fornecer feedback honesto sobre a eficácia da representação da história enquanto trabalha ao lado do diretor, produtor ou executivos. O resultado final de um filme é sempre uma questão de incerteza. No entanto, através da colaboração diplomática, da comunicação eficaz com colegas cineastas, da confiança nos próprios instintos e do compromisso de dizer a verdade na sala de edição, um filme pode encontrar o seu caminho mais promissor.

Você trabalhou em vários filmes que foram apresentados em festivais de cinema de prestígio em todo o mundo. Que conselho você daria aos editores emergentes?

Como editor trabalhando em uma função abaixo da linha, meu principal dever é permitir que as histórias de outras pessoas floresçam. Há algo profundamente gratificante em contribuir para um projeto que você realmente admira e pelo qual você se preocupa. Independentemente da fase em que entro na produção, seja durante o desenvolvimento ou após a fotografia principal, a primeira tarefa crucial é compreender profundamente a história e contribuir da forma que puder.

Se eu for contratado durante a fase de desenvolvimento, ofereço notas de roteiro ao escritor ou diretor, independentemente de eles as aceitarem. Às vezes, um editor pode fornecer notas profundas no roteiro que podem alterar fundamentalmente o curso de uma história. Se eu participo da fase de pré-produção, ajudo na elaboração de listas de filmagens e edito storyboards de vídeo para fornecer uma prévia do filme.

Se eu começar durante a fase de produção, reviso diligentemente os diários após cada dia de filmagem. Começo a editar imediatamente, experimentando cenas, identificando problemas de continuidade ou lacunas na cobertura e transmitindo essas observações ao diretor para que ele possa planejar as retomadas.

Steven Spielberg disse a famosa frase: “Editar é sinônimo de direção”. Embora muitas vezes possa parecer um trabalho solitário e autônomo, sua influência e poder são significativos, especialmente se você for contratado no início do desenvolvimento.

Embora muitas vezes esteja além do meu controle quanta influência posso exercer fora da minha função de editor, minha paixão e compromisso em fazer o melhor trabalho possível me motivam a contribuir tanto quanto posso. A minha experiência mostrou-me que estas contribuições, independentemente da sua escala, podem beneficiar substancialmente tanto o filme como a série.

Quando se trata de edição, sempre sigo meu coração e digo a verdade para mim e para meus colaboradores. No entanto, é crucial abandonar o ego que faz você acreditar que suas escolhas são invariavelmente corretas. Mesmo que você esteja convencido de que a ideia de um diretor ou produtor para uma versão é errada ou ridícula, esteja sempre aberto para experimentá-la.

Surpreendentemente, muitas notas que inicialmente parecem doentias podem acabar sendo ótimas. Se a sugestão for realmente ineficaz, o diretor ou produtor geralmente perceberá isso e será convencido a considerar sua escolha. Manter uma diplomacia delicada na sala de edição é fundamental para o bom funcionamento e a longevidade do processo de pós-produção.

Como você aborda seu trabalho como editor e o que você acha que diferencia seu trabalho de outros no setor?

Como sempre enfatizo, o primeiro dever de um editor é compreender a história completamente. O papel de um editor pode ser comparado ao de um maestro de orquestra, liderando o conjunto para entregar música harmoniosa. Se um editor não consegue entender a história completamente, é como se um maestro interpretasse mal a partitura e conduzisse a orquestra fora do ritmo, atrapalhando toda a apresentação.

Sem uma compreensão abrangente da história, o processo de edição pode gerar um efeito cascata de problemas – o tom pode estar errado, o andamento e o ritmo podem ser muito rápidos ou muito lentos, a escolha da cobertura pode estar errada, a música pode não se encaixar , e assim por diante. Em última análise, o filme pode não estar alinhado com o que os cineastas imaginaram.

Muitos editores novatos concentram-se nas técnicas e estilos de edição para fazer o filme parecer ou soar “legal”. Mas quando a edição do filme parece errada, geralmente não é porque um ou dois cortes estão errados. Na maioria das vezes, é porque o editor não entendeu totalmente a história, o que determina a correta execução de toda a edição.

Para qualquer projeto que eu empreenda, seja um comercial, um curta-metragem ou um longa-metragem, minha abordagem é começar lendo o roteiro, analisando o tom e dissecando e digerindo a história. Esse processo é como absorver o DNA do projeto, o que pode prevenir possíveis problemas em edições futuras. Prefiro também manter uma comunicação próxima com o diretor e demais colaboradores.

Embora a edição muitas vezes possa ser um trabalho autônomo, ela continua sendo parte de um esforço de equipe na produção cinematográfica. Acredito que harmonizar o editor e o diretor, tanto nas ideias quanto na comunicação, é fundamental para a eficiência e o sucesso final dos processos de edição e pós-produção. Quando o editor consegue compreender e implementar rapidamente as notas do diretor e o diretor consegue digerir e aceitar prontamente os conselhos do editor, eles se tornam uma equipe poderosa. Esta dupla dinâmica, semelhante a atiradores habilidosos, pode mirar e atirar com eficácia para cumprir a missão.

Os trabalhos que editei variam em estilo e tom, mas todos exploram temas humanos de trauma, luto, crescimento ou redenção, muitas vezes ligados a uma causa social. Acredito que o cinema tem a responsabilidade de promover a progressão social e o esclarecimento público, retratando a humanidade em diversas condições. Esse é o meu credo para os tipos de filmes e conteúdos que me esforço para criar.

Se meus filmes podem inspirar alguém a sair do cinema com o coração mudado para melhor, então sinto que cumpri meu dever.

Como você se mantém atualizado com as mais recentes tecnologias, técnicas e tendências da indústria cinematográfica e quão importante você acha que é continuar aprendendo e evoluindo como editor?

Como editor, vivo numa sociedade tecnológica em rápida evolução, onde ficar a par dos avanços e tendências da indústria cinematográfica é mais do que um mero trunfo. É uma necessidade. As ferramentas do nosso comércio – software NLE, computadores e outros equipamentos associados – constituem a espinha dorsal dos nossos processos de criação e trabalho. Qualquer pessoa familiarizada com o setor sabe como as mudanças e atualizações na tecnologia podem remodelar fundamentalmente o nosso fluxo de trabalho. Especialmente com a rápida ascensão da IA, o futuro do nosso trabalho e da nossa indústria poderá ser significativamente afetado.

Na era passada do cinema tradicional, a edição era um trabalho analógico e mecânico. Hoje, com software criativo poderoso à nossa disposição, podemos realizar inúmeras tarefas com eficiência dramaticamente aumentada. Esta evolução remodelou as qualificações e exigências da nossa profissão em comparação com as gerações anteriores de editores. O cinema sempre foi uma mistura de arte e ciência e, como qualquer outro empreendimento humano, está em constante evolução sob o impulso de forças imparáveis.

Manter-se atualizado com as tecnologias e técnicas mais recentes e adaptar-se às tendências é a única maneira de aproveitar essa onda, em vez de ser dominado por ela. Afinal, como acontece com qualquer artista ao longo da história, devemos primeiro dominar as nossas ferramentas para podermos criar.

Você pode falar sobre um projeto particularmente desafiador em que trabalhou como editor e como superou os desafios?

Meu filme de tese no Conservatório AFI, CHORUS, provou ser um projeto desafiador, mas gratificante. Colaborei de perto com o diretor, refinando o filme para melhor alinhá-lo com o roteiro. Avaliamos nosso trabalho para nossos colegas e mentores, recebendo feedback amplamente positivo. No entanto, duas cenas foram consistentemente apontadas como muito longas ou redundantes. Nossa principal tarefa foi abordar essas cenas. A história do filme gira em torno de pai e filho que perderam o telefonema de despedida de sua esposa/mãe em um avião do 11 de setembro, explorando sua jornada de luto e cura que se seguiu.

As cenas problemáticas foram uma em que o pai vai a uma confeitaria comprar um bolo de aniversário para o aniversário de sua esposa e outra em que ele e o filho comemoram com os sogros em sua casa. Nossa primeira estratégia foi encurtar essas cenas. Fizemos edições cuidadosas, removendo partes ou batidas desnecessárias sem comprometer a narrativa. Porém, mesmo após essa poda cirúrgica, novos públicos ainda se sentiam desconectados dessas cenas.

Tivemos então que tomar algumas decisões difíceis, eliminando partes da história que não transitavam bem do roteiro para a tela. Insatisfeito com o impacto geral da cena da confeitaria, o diretor decidiu remover completamente a cena. É sempre difícil ‘matar seus queridos’, mas às vezes é uma parte necessária do processo de edição. Esta decisão revelou-se frutuosa, pois a narrativa fluiu naturalmente sem esta cena e economizámos cerca de três minutos de tempo de ecrã.

A cena envolvendo os avós exigiu uma edição mais matizada devido ao seu papel na exposição e na progressão narrativa. Reduzimos meticulosamente essa cena, consultando meu mentor de edição, que ofereceu uma visão valiosa: “Você não precisa revelar toda a cena ou o diálogo para transmitir a informação”. Com essa perspectiva, o diretor e eu optamos por cortar o diálogo principal pela metade, eliminando todos os diálogos de montagem da primeira metade da cena. Embora inicialmente parecesse radical, a abordagem funcionou excepcionalmente bem.

Nas exibições subsequentes deste corte revisado, os espectadores não identificaram mais problemas de ritmo ou redundância. A apresentação de metade do diálogo transmitiu efetivamente tanta informação quanto a cena completa, mas de uma maneira mais concisa e direta. Na edição, muitas vezes menos é mais. Com esta filosofia e abordagem, conseguimos reduzir o tempo de execução do filme de um corte inicial de 30 minutos para um corte de bloqueio de imagem de 20 minutos, alcançando uma redução transformadora de 10 minutos que melhorou significativamente o nosso filme.